5 chefs d'oeuvre sur Danaé, le nu féminin normalisé

Danae sexualuite nu art causam

 

5 chefs-d'oeuvre sur Danaé, le nu à travers des siècles de peinture 

L'art en Europe est une succession de mouvements, de voyages, d'influences et de retour.
Dans n'importe quel musée, on ne peut qu'admirer ces liens délicats entre un tableau et un autre, entre un maître et un autre, comme si chaque tableau faisait partie d'un ensemble cohérent et riche.

 

Le Mythe de Danaé ?

Danaé était une princesse légendaire d'Argos. Le roi fut prévenu par un oracle que Danaé, sa fille unique, mettrait au monde un fils qui, plus tard, le tuerait.
Le seul moyen d'échapper à ce sort était de tuer Danaé. Le roi refusa, et décida de garder sa fille enfermée dans une tour de bronze loin de toute compagnie masculine. Cette tour fut isolée du monde, seul le toit s'ouvrait sur le ciel afin que l'air et la lumière puissent y pénétrer.
Elle vécut en captive accompagnée d'une servante. Zeus tomba amoureux de Danaé, il s'est métamorphosé en une averse d'or et a traversé le toit.
Cette pluie d'or atterrit sur le bassin de la jeune fille avant de remplir la chambre. Elle tomba de cette manière, enceinte de Zeus.
Pendant quelque temps elle cacha la naissance de son enfant. Un jour, le petit garçon, Persée, fut aperçu par son grand-père. " Ton enfant, Qui est son père ? " Quand Danaé répondit fièrement : "Zeus", il ne voulut pas la croire. Il fit faire un grand coffre de bois et les y plaça la mère et l'enfant. Le coffre fut emmené au large, sur un bateau, et jeté à la mer. Danaé et Persée voguèrent à la dérive, furent découverts par un pêcheur.
Après de nombreuses d'aventures, Persée et sa mère revinrent. Peu après leur retour, Persée entendit parler d'un grand concours d'athlétisme. Il décida d'y participer. Quand vint son tour de lancer le disque, le projectile fit un écart et tomba parmi les spectateurs. Acrisios se trouvait dans la foule. Il mourut sur le champ. La prophétie de l'oracle fut réalisée.
 
Cette légende demeure fidèle aux principes de la mythologie grecque. L'amour est sans limite, la force du désir sexuel, le destin tragique de l'homme.


Titien : Danaé avec sa servante (1560) huile sur toile

Titien danae


La jeune Danaé est nue dans son château, la princesse est prisonnière. Elle est étendue lascivement sur un lit, accompagnée de son petit chien. Surprise par la pluie d'or, la domestique tente de rassembler cet or dans son tablier.
La blancheur du corps de Danaé contraste avec la noirceur de la peau de la domestique. Alors que Danaé est étendue sur le lit, le corps est riche de courbes.
La main de Danaé cache son sexe, dissimulé dans l'ombre, laisse deviner la signification érotique de ce geste.
L'aspect du corps est fidèle aux critères de beauté de l'époque. La peau est blanche, les cuisses sont pleines, le ventre est légèrement bourrelé. La femme est sans parure sauf les cheveux défaits laissant supposer le réveil mouvementé de la femme surprise par les pluies d'or.
Les seins sont montrés sans retenus, comme les jambes.
La mythologie comme prétexte d'un nu féminin ? La femme face à son désir, à cette pluie d'or !


Tintoret : Danaé

Tintoret danae


Musée des Beaux Arts, Lyon

Dans ce tableau, Tintoret reprend le sujet de son maître Titien. On peut observer la présence du chien, l'averse d'or sous forme de pièces, la présence d'une servante qui tente de collecter les pièces d'or dans son tablier.
Les couleurs sont vives, le corps nu est délimité par des lignes sinueuses, plus de bourrelets et plus de muscles que dans les tableaux de Titien. La nudité demeure offerte au regard mais sans cette chair épanouie qu'on voit dans les tableaux de Titien
On peut noter également la grande taille de la femme, ses muscles, et une adiposité marquée (tissu gras sous la peau)
Tintoret ajoute plus de décor, plus de couleurs, plus de plis.
Il y a quelque chose d'artificielle dans la pose de la femme, elle est plus allégorique que réelle.


Mabuse dessine Danaé

Mabuse danae

Après 1508- Mabuse Musée de Munich

Danaé est ce tableau témoin de l'influence de Rome sur le peintre. Dans ce tableau, Danaé ressemble à une jeune adolescente, recouverte d'un drap bleu, assise sur un coussin rouge. Elle dévoile son corps pour recevoir la pluie d'or qui inonde son bassin. Danaé de Mabuse est plus jeune que les Danaés de Titien et de Tintoret.
Cependant elle garde les signes essentiels du récit mythologique ; C'est une femme en attente qui accueille la pluie d'or favorablement. Les jambes sont légèrement écartées comme un signe d'un consentement.
La fille est assise au centre d'un décor fait de colonnes et piliers disposés en rotonde. Les détails sont soignés, on devine que la tour de Danaé est en marbre. L'œuvre est traitée avec beaucoup de sensualité. Le corps est gracieux. Les muscles tantôt éclairés tantôt à contre-jour donnent aux jambes de Danaé un beau réalisme.
Danaé est seule en face du torrent doré du désir et de fertilité. Loin de Titien et de Tintoret, le peintre n'a pas ajouté de servante ou de chien ou un dieu. Danaé est seule. Une allégorie de la femme seule face au désir, en face de l'événement majeur de la vie d'une femme ; la maternité ?


Alexandre Jacques Chantron : Danaé réaliste

Chantron danae


Le peintre propose un nu féminin qui reflète la culture et la peinture du 19ème siècle. Nous sommes en face d'un corps féminin réaliste dans ses proportions, dans ses détails anatomiques, sans excès ni idéalisation. Danaé est seule avec la pluie d'or. Le nu féminin n'a plus besoin d'une justification mythologique ou allégorique, la femme est partout dans cette fin de siècle.
La société se féminise, le corps féminin fait partie de la vie comme le corps masculin.
Bien que le peintre ait dessiné un corps beau, harmonieux, naturiste, nous sommes loin d'une recherche effrénée d'un érotisme excessif.
On normalise progressivement le corps féminin, et le nu féminin.
Le nu dans la peinture sera considéré de plus en plus en fonction des relations qu'il noue avec le thème du tableau.


Klimt, Danaé dorée

Klimt danae


À Vienne, Klimt influencé par les arts d'autres cultures et par le mouvement psychanalyste, va tenter une approche différente, symbolique, abstrait et figuratif du nu féminin.
Le tableau de Danaé est sans perspective, les cuisses et les fesses de la femme sont mises en valeur offrant une impression de profondeur. Une jeune femme endormie, une voile brodée d'or dissimule une partie de son corps, une coulée d'or passe entre les jambes. Danaé est disproportionnée, dans la position qu'un foetus, ou sous la forme d'un œuf. La lumière éclaire l'or, en opposition au fond noir.
Danaé semble endormie, visage calme, en contradiction totale avec la sensualité de sa cuisse offerte au regard, et de son sein. La chevelure rousse, libre et structurée à la fois. Ses doigts n'ont pas position naturelle, sont crispé sur son sein, l'autre main est dissimulée par la cuisse. La bouche est entrouverte dans une sensualité affichée.
Le tissu est richement brodé de sphères brodées ou dorées. La cascade d'or passe entre les jambes de la jeune femme, quelques pièces d'or se dirigent vers le sol.  
L'expression de son visage témoigne du rêve érotique et du plaisir féminin. La nudité devient le décor. Par le choix du détail, le spectateur est submergé par l'ornementation chatoyante et sensuelle qui occupe le tableau.
On assiste à une scène intime, qui dévoile un monde de plaisir et de luxe. Voyeur, le spectateur découvre un monde fermé dans lequel la Danaé est repliée dans un doux cocon.
Au début de XXe siècle, la nudité féminine n'est plus taboue. Le nu féminin chez Klimt est naturel, le corps n'est pas maudit. La nouveauté est dans la validation du plaisir sexuel féminin, de l'extase, de la jouissance féminine, du droit de la femme à jouir, et avoir une sexualité.

 

Conclusion

Un long chemin entre Danaé de Titien et Danaé de Klimt, et les tableaux modernes de Danaé.
Les tableaux de Danaé sont un exemple sur l'évolution de nu féminin dans la peinture, un témoignage de l'image du corps féminin à travers les siècles, sur la sexualité féminine et sur les bouleversements qui ont transformé la peinture.
Le nu académique chez Titien, le nu lyrique chez Rubens, le nu voluptueux chez Boucher et à la fin le nu érotique et sensuel chez Klimt au début du XXe siècle.

 

Il a fallu de nombreuses années, les travaux de Freud, puis les travaux de Kinsey au milieu du XXe siècle pour reconnaître enfin la sexualité féminine. La peinture occidentale au début de XXe siècle a rendu le sexuel digne de représentation, et la sexualité féminine valide sans détour ni culpabilité.

 

Danaé: sexualité, nudité et peintres

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Malévitch en 7 tableaux clés

Kasimir malevitch

 

Malevitch, simplifier les formes, et la peinture

Malévitch est un grand peintre russe longtemps méconnu (1878-1935).
Il fait partie de l'avant-garde russe de l'art contemporain, ami de Kandinski. Il sera célèbre en 1915 en exposant des oeuvres au sein du mouvement  " suprématisme " où  l'art ne doit pas imiter les apparences de la réalité mais être un acte pur, libéré du poids du figuratif ; une affaire de sensation selon le peintre.

L'œuvre de Kasimir Malévitch est un condensé des problèmes esthétiques qui ont occupé les artistes du xxe siècle. Son premier texte s'intitule Du cubisme au suprématisme. Le nouveau réalisme pictural. Bien qu'il ait reçu des rudiments d'enseignement académique, Malévitch est un autodidacte.

Né à Kiev d'origine polonaise, il part pour Moscou en 1902, où il reçoit ses premiers rudiments d'éducation artistique tout en prenant activement part à la révolution manquée de 1905.


Il suit le mouvement impressionnisme ; puis il ré-invente avec d'autres compatriotes le primitivisme ; art direct, naïf comme un dessin d'enfant : une recherche d'un langage universel. Il s'essaie au cubisme puis expose l'art abstrait avec les toiles suprématistes où seule la couleur dans des formes géométriques est présente.

 

Malevitch La femme au chapeau jaune

La femme au chapeau jaune (1908) ; l'impressionnisme est présent dans ce tableau.  

Jusqu'en 1913, son œuvre porte surtout la marque de son apprentissage des codes de l'avant-garde européenne comme dans le tableau Baigneur de 1910 où l'influence du fauvisme est manifeste.

 

Malevitch Baigneur


Le linguiste Roman Jakobson explique ce que découvrit Malévitch en face de ces toiles révolutionnaires : " un tableau ne peut être un bout de nature, comme le croyaient encore les impressionnistes, mais un ensemble de signes arbitraires articulés selon une grammaire spécifique. "


Ses toiles de 1913-1914 constituent la première tentative de créer des  représentations de différents objets, chacun à une échelle différente, se juxtapose ou se superpose dans une même image comme son tableau Un Anglais à Moscou(Stedelijk Museum).  Cette fois le cubisme semble marquer ce tableau. Le procédé du collage cubiste sert à éroder la logique classique, à mettre l'accent sur les qualités plastiques autonomes des éléments de l'image.

 

Malevitch Un Anglais a Moscou

Un Anglais à Moscou(Stedelijk Museum)


Le Carré blanc sur fond blanc de 1918 (Museum of Modern Art, New York), premier tableau achromique de l'art moderne où il cherche à définir l'opposition entre le dessin, et le fond.

 

Malevitch Carre noir sur fond blanc

Carré noir sur fond blanc, tableau clé de l'art moderne articule en quelque sorte toutes les questions qui ont intéressé Malévitch depuis sa découverte du cubisme. Le tableau est un signe dont l'interprétation dépend des plusieurs facteurs. Il devance avec son Carré noir ce qu'on nommera la logique " déductiviste " dans la peinture américaine des années 1960.


Pas tout à fait carrée non plus, cette peinture témoigne, comme pour le Carré noir, d'une grande sensibilité. La trace de la main de l'artiste est visible dans la texture de la peinture et ses subtiles variations de blanc ; les contours imprécis du carré asymétrique produisant une sensation d'espace infini. Le blanc, légèrement bleuté pour la forme centrale, plus chaud et ocré sur la périphérie, crée une matière dense et complémentaire au point qu'on ne peut séparer forme et fond. La position décentrée du carré, comme pesant sur la droite, et le léger cerne noir autour, dynamisent l'ensemble, contribuant à la sensation d'espace.

Malévitch varie ses figures géométriques, la Croix noire. Il s'aperçoit qu'à l'exception des figures symétriques rien ne peut égaler son Carré noir. Il entreprend une série d'œuvres comme  Huit rectangles rouges  pour inviter le regard du spectateur à méditer.

 

Malevitch Huit rectangles rouges

 

Malévitch envisage une autre solution et peint son deuxième chef-d'œuvre.

Mais dès 1920, ces toiles abstraites sont sévèrement critiquées qualifiées " d'art dégénéré ". Adulé un temps par le pouvoir russe, ses œuvres seront interdites dans son pays trop modernes pour les temps troubles de la Russie de Staline.

En 1927, des nouvelles alarmantes parviennent à Malévitch lors d'un séjour en Allemagne. Rentré précipitamment en Russie, il est directement victime du durcissement de la politique culturelle. L'institut de la culture artistique de Leningrad, où il enseignait, est dissous, il parvient à trouver d'autres soutiens institutionnels et peut encore exposer, mais sa situation se dégrade de jour en jour.

En 1930, il est arrêté pendant plusieurs semaines. Il est difficile de savoir si l'œuvre tardive de Malévitch (retour à la peinture figurative) est le résultat des violences et d'intimidations du pouvoir stalinien, en 1935, Malévitch se contente d'imiter dans sa peinture les différents styles qu'il avait adoptés avant le suprématisme.

 

Malevitch Buste a la chemise jaune
Buste à la chemise jaune, K. Malévitch, vers 1928-1932. Musée national de Saint-Pétersbourg, Russie.

  

Malevitch La fille au peigne
La fille au peigne 1932


Ses nombreuses toiles, sont d'une grande modernité, les couleurs et les formes sont réduites à leurs plus simples expressions pour ne laisser qu'une sensation forte ou qu'une seule idée aux spectateurs qui les voient.


Certaines œuvres sont si actuelles : il y a quelque chose de simple comme un panneau signalétique et de puissant, une émotion forte s'en dégage, ses œuvres sont telles qu'elles font de lui un peintre du 21ème siècle. Il nous est familier, on vit dans son monde et il fait partie du monde d'aujourd'hui.

 

Références: 
 E. Martineau, Malévitch et la philosophie, L'Âge d'homme, 1977
 J.-C. Marcadé, Malévitch, Casterman, Paris, 1990

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Mr HOLMES, de Sherlock à Elementary

Mr Holmes Ian McKellen

 

Sherlock Holmes: 221 B Baker Street, Londres

Sherlock Holmes est le fameux personnage de fiction créé par Arthur Conan Doyle dans son roman policier Une étude en rouge en 1887. " Sherlock Holmes " création légendaire de Doyle est toujours populaire et fait encore l'objet de nombreuses adaptations, comme les séries télévisées Sherlock et Elementary et de nombreux films.


Sir Arthur Doyle petit-fils du célèbre caricaturiste John Doyle est né à Édimbourg, dans une famille d'origine irlandaise, élève de la grande école Public School catholique de Stonyhurst, puis étudiant en médecine à l'université de sa ville. Installé médecin généraliste, il débute et a peu de patients, il commence à écrire des livres dont les aventures de Sherlock Holmes personnage passé à la postérité.
Partagé entre sa carrière médicale et sa vocation littéraire, le succès des premiers récits de Sherlock Holmes le décide à vivre de sa plume. Pendant une quarantaine d'années, Doyle s'impose comme écrivain et comme personnalité.


Grand voyageur, sportif d'une extraordinaire vitalité, patriote, justicier, on lui attribue l'introduction du ski alpin en Suisse (1894), la création d'un mouvement de volontaires armés à la veille de la première guerre mondiale, la découverte de deux erreurs judiciaires au terme d'enquêtes menées de sa propre initiative. Engagé volontaire comme médecin, pendant la guerre du Transvaal, il est ensuite tenté par une carrière politique.


Défenseur d'une méthodologie scientifique, il croit fermement au progrès et à la capacité de la science d'avancer et de découvrir. Il écrit des romans associant dans un compromis réussi entre l'histoire, la science et la fiction. Conan Doyle est sans doute un des pionniers de la science-fiction, avec Jules Verne. Son roman Le Monde perdu (1912) est un chef-d'œuvre de la littérature de science-fiction.


Il invente Sherlock Holmes, le docteur Watson, et leurs aventures. La réussite de ces romans est à son époque hors du commun. Conan Doyle a crée un personnage typé, doté d'une faculté de déduction extraordinaire, un homme scientifique froid, sans émotion, concentré sur les énigmes. Soixante récits publiés, de 1887 à 1927. Holmes devient un personnage célèbre. On lit ses aventures en Europe et dans les pays de l'empire britannique. Les touristes de passage à Londres pensant qu'il s'agit d'un personnage réel, demandent même à visiter sa maison ou à le rencontrer à son adresse au 221 B Baker Street.  

Sherlok Holmes actors

 

Sherlock Holmes, génie ou autiste ?  

Doyle a créé un détective privé ayant des facultés hors du commun de déduction, une mémoire exceptionnelle. Lors de ses enquêtes, relatées dans quatre romans et cinquante-six nouvelles, Holmes est accompagné par son ami fidèle et biographe le docteur Watson.
Doyle renouvelé le genre en créant le détective Holmes. Un personnage qui va devenir une référence, un modèle pour les romans policiers et les histoires de détectives à venir dépassant ainsi les anciens auteurs comme Edgar Allan Poe et Émile Gaboriau (avec le commissaire Lecoq).


Holmes est méthodique, scientifique, solitaire. Comme un médecin, ses émotions n'interviennent pas dans ses conclusions et n'influencent pas ses décisions. Il croit à la science, à la déduction, à la logique, au progrès scientifique. Il utilise le microscope, la loupe, connait l'électricité, le télégraphe, comme il connaît les textes de lois, les effets des poisons. Holmes est une sorte d'un autiste génial, une encyclopédie efficace face aux énigmes.   


Ce personnage sera critiqué, analysé, ou parodié pour son cynisme, son détachement du réel.  
Pourquoi le locataire du 221 B Baker Street l'emporte-t-il sur ses prédécesseurs ? Parce qu'il est fils du positivisme qui domine la seconde moitié du XIXe siècle, l'apothéose de l'esprit scientifique, une encyclopédie, fils d'Auguste Comte, Stuart Mill et de Darwin.


Après Holmes, le polar ne sera pas le même. Les personnages de détectives comme Rouletabille (Gaston Leroux), d'Hercule Poireau d'Agatha Christy, plus tard de Maigret de Simenon sont influencés par Doyle. Dr House, est à sa façon un personnage de Doyle, typé, cynique, solitaire, hors du réel, résolvant des énigmes médicales (à partir des symptômes) un autiste capable d'être un génie dans un hôpital mais sans intelligence sociale pour bien vivre par ailleurs.    

elementary Liu Lee Miller

La Série Elementary

C'est la dernière série télévisée adaptée de l'œuvre de Doyle.  
C'est une série télévisée américaine créée par Robert Doherty en  septembre 2012,  une adaptation libre et modernisée des aventures de Sherlock Holmes. Le célèbre détective est consultant pour Scotland Yard, habite New York, il sort d'une cure de désintoxication, et cohabite avec Dr Joan Watson, ancienne chirurgienne.  Cette série a eu un grand succès ; la saison 5 est diffusée depuis octobre 2016.
La série reprend le personnage de Doyle, en insistant sur l'aspect autiste et génial. Holmes est entouré d'ordinateurs et de moyens de communication, il se comporte comme un ordinateur, avec ses déductions et ses conclusions inattendues. Ce Holmes est neutre, froid, sans émotions. Ses liens sociaux sont médiocres, il ne sait pas ce que signifie le terme bonheur ou joie de vivre, il est efficace, mais solitaire.

La série est globalement bien accueillie en raison d'une écriture rythmée et d'une approche nouvelle du personnage. Ses affiches portent la citation : nouveau Holmes, nouveau Watson à New York.

 

Mr Holmes Ian McKellen Milo Parker

 

Le film " M. Holmes "

Un film charmant de réalisé par Bill Condon en 2015 avec Ian McKellen (Holmes), Milo Parker (Roger) et Laura Linney (la mère de Roger) à partir du roman " Slight Trick of the Mind " de Mitch Cullin publié en 2005. Il s'agit du septième roman de cet auteur américain traduit sous le titre " Les Abeilles de monsieur Holmes ". Voici une une nouvelle version de Sherlock Holmes, le célèbre personnage d'Arthur Conan Doyle.
Sherlock est dans cette version, en retraite dans le Sussex, solitaire et âgé. A la campagne, il s'occupe de ses abeilles bien aimées.  
Marchant avec une canne, sa mémoire commence à manquer. Il vit avec sa gouvernante et son fils, le petit Roger.

Mr Holmes Ian McKellen Hattie Morahan

Il voudrait écrire sa dernière enquête, malheureusement sa mémoire lui fait défaut.
Sentant le danger de cette mémoire vacillante, il fait un difficile et fatiguant voyage au Japon pour trouver une plante médicinale réputée pour améliorer la mémoire, en vain.  En fait l'admirateur qui l'accueille au Japon, l'a fait venir pour lui demander de retrouver son père disparu.  


Obstiné, il prend de la gelée royale pour soutenir ses petites cellules grises.
De retour dans le Sussex, Il mène une existence paisible et c'est Roger le petit garçon qui le motive pour terminer la rédaction de cette dernière enquête.  
A la façon d'une intrigue policière il est à la recherche de  souvenirs qui lui reviennent par morceau, un gant parfumé, une abeille morte, une photographie d'une belle jeune femme.

On voyage avec le vieil homme dans ses souvenirs confus.
Que s'est-il passé avec la jolie femme pourquoi a-telle perdu son gant ? Et pourquoi retrouver le sens de cette affaire si ancienne ? Pourquoi cette affaire était -elle un échec qui a entrainé une grave dépression chez  Sherlock.

Pourtant, la dernière enquête était plutôt simple. Un mari soucieux de sa femme Ann la fait suivre par Holmes. Celle-ci-fortement éprouvée par un deuil se conduit d'une manière fort inquiétante.
Lors de sa rencontre avec Ann, Holmes comprend les indices qu'elle a lui laissés car se sachant suivie elle fit en sorte de provoquer cette rencontre. Ann   voulait lui poser une question existentielle essentielle. Holmes lit les indices, lui parle mais ne comprend rien à la jeune femme tout comme son mari,  ni à ses émotions. La  jeune femme souffre terriblement : " les morts sont de l'autre coté du mur et nous sommes seuls "  Comment continuer à vivre après un deuil aussi douloureux ? Avec qui partager la douloureuse solitude de l'existence ?


C'est tout le secret de cette ultime enquête. Un secret que le vieux Sherlock a oublié, car comprendre les faits ne suffit pas à tout expliquer. Ce sont les motivations des personnes qui expliquent les faits comme il finira par le découvrir aidé de son jeune apprenti enquêteur.


Le jeune Roger a perdu son père à la guerre et admire cet homme si intelligent capable en regardant quelqu'un de dire ce qu'il a fait dans l'heure passée. C'est la mère de Roger qui subira à ses dépens, ce scrupuleux et minutieux examen sous l'œil logique d'Holmes donnant à Roger l'explication inattendue de l'absence momentanée de sa mère. Celle-ci devant le déclin du vieil homme, cherche déjà un autre emploi.

Un film plein de joie de vivre, d'amitié et de tendresse d'un petit garçon vis à vis du grand homme.
A l'opposé du personnage froid et insensible d'Holmes et même d'autiste que les différentes adaptions nous ont montré, on suit ce sympathique personnage dans sa retraite campagnarde et tout comme Marcel " à la recherche du temps perdu ", le temps sera finalement " retrouvé ".  


Holmes est joué par un acteur anglais Ian McKellen acteur de théâtre et interprètre de Gandalf le magnifique magicien du seigneur des anneaux, il joue ici à la perfection ce rôle du grand homme vieillissant prenant un malin plaisir à démystifier le célèbre Holmes. A Londres, il donne une fausse adresse échappant ainsi à des touristes américains de Baker Street, et des excuses pour ne pas brandir le chapeau et la veste en tweed  (la pipe, le chapeau : des inventions de Watson bien-sûr). On s'en amuse avec lui. Il joue avec  le personnage réel (le vieil homme) et imaginaire (S. Holmes le détective) tantôt l'un tantôt l'autre, à la fois vieux et attachant, à la fois le détective mythique et éternel de Doyle.


Un moment à savourer où Holmes n'est pas sans émotions, sans relations, simple ordinateur. Non, dans ce film, il aime, il pleure, il aime les autres, il est aimé, il est heureux. Encore une facette nouvelle de ce personnage mythique.

 

 

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Tallulah : beau film sur les visages de la maternité

Tallulah Ellen page

 

Tallulah : trois femmes et un bébé

C'est un film qui aborde plusieurs problèmes de la vie et qui les résument assez bien. C'est une histoire touchante qui ne laisse pas insensible. Le film gravite autour de trois femmes qui doivent, chacune à leur tour, mettre en œuvre leurs instincts maternels.
Les trois femmes dont le destin est lié, devront chacune faire appel à leur instinct maternel et surtout réussir chacune à son tour à se remettre en question.

La scénariste réalisatrice Sian Heder a présenté son film "Tallulah" pendant l'été 2016 au festival du film Sundance. Le film d'Heder est disponible depuis ce jour sur le site Netflix.

Le script d'Heder est ambitieux, il traite l'histoire d'un bébé " volé " et de trois femmes avec leurs histoires et leurs vécus.  Elles sont plutôt de mauvaises mères négligentes mais leur amour pour l'enfant est sincère.

Ellen Page joue Tallulah, une jeune marginale qui vit dans sa camionnette et passe ses journées avec son petit ami Nico (Evan Jonigkeit). Leur relation est marquée par un manque de responsabilité personnelle et leur isolement du monde extérieur.

Ellen Page, comme Tallulah elle-même, est la véritable vedette du film. Une décennie après son film Juno en 2007, Page retrouve un rôle complexe, où elle réussit à jouer une petite voleuse, légère, empathique.

 

Tallulah Ellen page film

Elle se retrouve obligée de faire un choix qui s'impose à elle sans qu'elle ne s'y attende. La jeune femme sans racines arrache un petit enfant à sa mère riche et négligente et fait passer le bébé pour le sien, par volonté et souci de le protéger. Cette décision connecte et transforme la vie de ces trois femmes très différentes.

Tallulah perdue après avoir rompu avec son petit ami, est recruté par une mère au foyer, Carolyn (Tammy Blanchard) pour faire la baby-sitter, le temps d'un rendez-vous qu'elle espère galant. Dans une scène d'introduction, Blanchard est l'exemple même de la mauvaise mère qui a perdu tout contact avec le réel, obsédée par son image et sa capacité à séduire, sans soucier de son bébé. A son retour, elle découvre tardivement que Tallulah a emporté le bébé avec elle. Tallulah emmène le bébé chez Margo (la mère de son ex-copain), en affirmant qu'il s'agit de son bébé avec Nico. Margo accueille à contrecœur Tallulah et sa "nouvelle" petite-fille.

 

Tallulah Ellen page bebe film

 

Tallulah n'avait comme objectif que de sauver ce bébé des griffes de sa mère négligente et indifférente. Elle s'attache à cet enfant et finit par se perdre dans son propre mensonge. La fausse vie de famille qu'elle mène avec la mère de son ex lui convient. Le déni s'installe.  Page réussit à être dans la retenue sans surjouer ce personnage excentrique, sans trop de notes dramatiques ou humoristiques que son personnage est sensé apporter.

Margo est isolée du monde, elle vit seule avec une tortue dans un appartement appartenant à son ex mari. Elle est séparée de son ex mais refuse le divorce.
Margo et Tallulah finissent par avoir un lien ; Margo devra prendre plus de risques pour protéger Tallulah et le bébé.
La performance de Allison Janney mérite mention. Est-ce son meilleur rôle au cinéma ? Elle réussit à nous séduire avec cette femme solitaire, vivant dans un épuisement émotionnel et personnel.

 

Tallulah Ellen page Allison janney

 

"Tallulah" est un début intéressant d'Heder, qui travaille comme scénariste dans d'autres projets de Netlfix.
Sian Heder n'en est qu'à ses débuts. Pour une première, Heder réussit son pari, avec un film riche en émotions, une réflexion sincère et profonde sur la maternité.

 

Tallulah, ce sont trois femmes maladroites avec la maternité. Sian Heder explore leurs défauts sans jugement simpliste, ni moraliste.

 

Scénario : 4 etoiles
Réalisation :  3 etoiles

Impression générale : 4 etoiles
Inivitation d'aller voir le film : 4 etoiles

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10 poèmes : Bob Dylan mérite son prix Nobel de littérature

bob dylan

 

Bob Dylan, poète, littéraire et beaucoup de Rimbaud  

Le prix Nobel arrive toujours en retard pour celui qui le reçoit, comme le disait G.B.Shaw.
Bob Dylan, prix Nobel de littérature 2016 a 75 ans cette année. Cette sélection est surprenante. Il est le premier artiste à recevoir ce prix pour un travail dédié entièrement à la chanson. Il a été honoré pour "avoir créé de nouvelles expressions poétiques au sein de la grande tradition de la chanson américaine."
Bob Dylan, pop music, troubadour moderne, contre-culture des années 1960, underground, presque le seul chanteur auteur-compositeur génial de musique populaire de la seconde moitié du xxe siècle, lumineux et tragique, viscéralement américain, blues, folk, country et rock.
Ni penseur, ni théoricien, mais lucide et sincère.


De son vrai nom Robert Allen Zimmerman, fils d'un commerçant juif, il naît à Duluth, dans le Minnesota, le 24 mai 1941.
Le public passionné ou agacé, se familiarise avec la polyphonie singulière qui ne choisit pas entre le chant et la parole, des mots chargés de sens à la limite parfois de l'incompréhensible où se mêlent ironie, colère, lyrisme et rage de vivre. Les protest songs en faveur de la paix, de la dignité ou des droits civiques sont contemporains de sa liaison amoureuse avec Joan Baez, la grande prêtresse du genre.

 

bob dylan Joan Baez

L'américain Bob Dylan et sa compatriote Joan Baez, à Londres, en 1965. Ils furent les plus populaires chanteurs de protest song.


Le lauréat du prix Nobel Toni Morrison a déclaré dans un communiqué que Dylan était "un choix impressionnant " "Grand choix " dit Joyce Carol Oates.
Dylan est déjà la seule star du rock à recevoir un prix Pulitzer (honorifique), et il n'a écrit qu'un seul livre, ses mémoires, "Chroniques : Volume 1"
Il est le premier Américain à remporter le prix Nobel de littérature depuis Morrison en 1993.

Ses chansons contestataires reflètent son aversion pour la guerre, pour l'ordre moral et les bien-pensants. Dylan n'est pas politique, il est dans une approche plus vaste que le point de vue idéologique. Il chante le bonheur et la colère, l'amour et la conscience que la vie n'est qu'un voyage solitaire.  

Il est difficile de définir la poésie. Un poème dit une chose et en signifie une autre. C'est un texte personnel de rupture, des mots qui cherchent un sens qui dépasse le sens premier, des images qui dessinent un monde inventé. La poésie est rupture entre le poète, son environnement et les mots. Quant à la forme, la poésie est un jeu subtil de sonorité, de musique interne, de rythmes, et de rimes. 


Dylan ne se dit pas écrivain ni poète, mais quand on crée avec les mots, quand on joue avec la langue, on suscite des images, puis des pensées et des émotions, on a le droit au titre de poète. Par le passé, la poésie étaient des mots chantés.  
Dans son livre d'autobiographie, Chronique 1, Dylan écrit, " La créativité a beaucoup à voir avec l'expérience (apprentissage), l'observation et  l'imagination. Si l'un de ces éléments clés est absent, cela ne fonctionne pas."  


Ce livre offre aux lecteurs un aperçu de l'esprit de l'artiste. Parmi les premières influences, Dylan discute dans ses mémoires sa relation avec Suze Rotolo (la jeune fille sur la couverture du deuxième album de Dylan), The Freewheelin, les œuvres de Bertolt Brecht et Kurt Weill, Arthur Rimbaud, la musique de Robert Johnson.


Durant ses premières années, Dylan a été influencé par la poésie d'Allen Ginsberg et Lawrence Ferlinghett, par Paul Verlaine et  Rimbaud. Ces deux poètes Verlaine et Rimbaud sont mentionnés dans plusieurs chansons.
Les films comme je ne suis pas là et de nombreux livres et articles sur Dylan laissent penser qu'il est un homme avec de nombreux masques. "Je est un autre", selon Rimbaud, permet à l'artiste d'échapper à la question d'identité. Il écrit : Quand je lis Rimbaud, les mots partent en cloches (musique).  

 

bob dylan parole chanson


Dylan a manifesté son intérêt pour d'autres auteurs que Rimbaud, comme T.S. Eliot cité dans plusieurs chansons, et Ezra Pound. Dylan les cite dans ses chansons mais il les critique aussi. " J'ai aimé T.S Eliot. Il valait la peine de le lire ".
James Joyce est une autre figure littéraire intéressante dans le monde de Dylan. Il explique dans ses Chroniques que James Joyce semblait être l'homme le plus arrogant possible, "il avait deux yeux grands ouverts et une grande faculté d'expression ".

D'autres figures littéraires dont les œuvres ont surgi dans le paysage de la musique de Dylan au fil des ans sont Lewis Carroll ( "Tweedle Dee et Tweedle Dum"), Anton Chekhov (Blood on the Tracks), Arthur Conan Doyle ( "Talkin ' John Birch Paranoid Blues "), F. Scott Fitzgerald (" Ballad of a Thin Man "et" Summer Days "), les frères Grimm (Highway 61 Revisited et" Sara "), Victor Hugo (" Desolation Row "), Herman Melville ( "115 e rêve de Bob Dylan" et "et voilà!"), Friedrich Nietzsche et Wilhelm Reich ( "Joey"), Junichi Saga (souvent cité sur Modern Times) et John Greenleaf Whittier ( "Scarlet Town").


Dans ses Chroniques, Dylan décrit ses liens avec les écrivains qui ont façonné ses idées, les penseurs des Lumières comme Voltaire, Rousseau, Locke et Montesquieu, les Modernistes comme Eliot, Fitzgerald et Faulkner, les romantiques comme Victor Hugo, les réalistes comme Balzac (que Dylan trouve "hilarant"), des théoriciens comme Nietzsche, Marx et les écrivains grecs et romains classiques comme Sophocle et Ovide. Il décrit également ses amours pour Byron, Milton, Coleridge, Shakespeare, Villon, Poe.


Dans son interview Playboy 1978, Dylan cite Chekhov son auteur favori, et Henry Miller comme "le plus grand écrivain américain, avec Hemingway et James Baldwin.

 

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Blowin' In The Wind

How many roads must a man walk down
Before you call him a man?
Yes, 'n' how many seas must a white dove sail
Before she sleeps in the sand?
Yes, 'n' how many times must the cannonballs fly
Before they're forever banned?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind

How many years can a mountain exist
Before it's washed to the sea?
Yes, 'n' how many years can some people exist
Before they're allowed to be free?

Yes, 'n' how many times can a man turn his head
Pretending he just doesn't see?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind

How many times must a man look up
Before he can see the sky?
Yes, 'n' how many ears must one man have
Before he can hear people cry?
Yes, 'n' how many deaths will it take till he knows
That too many people have died?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind

Combien de chemins un homme doit-il marcher
Avant qu'on l'appelle un homme ?
Oui, et à travers combien de mers, une colombe blanche doit-elle voguer
Avant qu'elle ne dorme dans le sable
Oui, et combien de fois est-ce que les boulets de canons doivent-ils voler
Avant qu'ils ne soient bannis
La réponse, mon ami, est dans le vent
La réponse est dans le vent.

Combien de fois un homme doit-il regarder vers le haut
Avant qu'il ne puisse voir le ciel ?
Oui, et combien d'oreilles est-ce qu'un homme doit-il avoir
Avant qu'il ne puisse entendre les gens pleurer ?
Oui, et il faut combien de morts avant qu'il ne sache
Que trop de gens sont morts
La réponse, mon ami, souffle  dans le vent
La réponse est dans le vent

Combien d'années une montagne doit-elle exister
Avant qu'elle ne soit entraînée par la mer
Oui, et combien d'années est-ce que certaines personnes peuvent exister
Avant qu'ils ne puissent être libres
Oui, et combien de fois est-ce qu'un homme doit-il tourner la tête
En faisant semblant de ne rien voir
La réponse, mon ami, est dans le vent
La réponse est dans le vent

On retrouve dans ce texte une belle poésie composée d'images de voyages, de distance, pour nous envoyer subitement vers d'autres sens : les autres, la violence la mort, la souffrance. Des mots qui expriment au delà de leur sens.  Chaque strophe est une question qui nous est posée et ces questions n'ont rien à avoir avec la question principale

 

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Girl Of The North Country

If you're travelin' in the north country fair,
Where the winds hit heavy on the borderline,
Remember me to one who lives there.
For she once was a true love of mine.

If you go when the snowflakes storm,
When the rivers freeze and summer ends,
Please see she has a coat so warm,
To keep her from the howlin' winds.

Please see if her hair hangs long,
If it rolls and flows all down her breast.
Please see for me if her hair's hanging long,

For that's the way I remember her best.

I'm a-wonderin' if she remembers me at all.
Manytimes I've often prayed
In the darkness of my night,
In the brightness of my day.

So if you're travelin' the north country fair,
Where the winds hit heavy on the borderline,
Remember me to one who lives there.
For she once was a true love of mine.

 

Si tu passes là-bas vers le Nord
Où les vents soufflent sur la frontière
Rappelle mon souvenir à quelqu'un qui vit là-bas.
À la fille, qui fût mon amour

Si tu croises les troupeaux de rennes
Vers la rivière à l'été finissant
Assures-toi qu'un bon châle de laine
La protège du froid et du vent

A-t-elle encore ses blonds cheveux si longs

Qui dansait jusqu'au creux de ses reins
a-t-elle encore ses blonds cheveux si longs
C'est comme ça que je l'aimais bien

Je me demande si elle m'a oublié
Moi j'ai prié pour elle tous les jours
Dans la lumière des nuits de l'été
Dans le froid du petit jour.

Si tu passes là-bas vers le Nord
Ou les vents soufflent sur la frontière
Rappelles mon souvenir à quelqu'un qui vit là-bas.
À la fille, qui fût mon amour

Dans ce texte, les images défilent, sous forme de détails d'un lieu, d'un monde ancien, pour dessiner l'image centrale du texte : le souvenir tendre et bienveillant d'un amour passé. La musique country rend la chanson mélancolique et lente. Il avait 22 ans quand il a écrit cette jolie chanson romantique et nostalgique.

 

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Mr Tambourine Man

Oui, danser sous le ciel de diamant avec une main s'agittant librement,
Silhouette sur la mer, entouré par les sables du cirque,
Avec toute la mémoire et le destin entraînée en profondeur sous les vagues,
Laissez-moi oublier aujourd'hui jusqu'à demain.

Il est possible de tracer un lien entre ce texte et le fulgurant poème de l'illumination de Rimbaud :  " J'ai tendu des cordes de clocher à clocher ;
Des guirlandes de fenêtre à fenêtre ;
Des chaînes d'or d'étoile à étoile,
Et je danse. "


Le poète est libre, son imagination illumine ses nuits, le libère, c'est son passeport vers un monde où les autres n'ont pas accès.


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Subterranean Homesick Blues

Gardez un nez propre
Laver les vêtements simples
On n'a pas besoin d'un homme de la météo
Pour savoir de quel côté le vent souffle


La poésie permet de dire au delà des mots, ce qu'il fait Dylan dans ce texte. Il utilise plusieurs images simples sans lien apparent pour inciter à la lucidité, voire au delà des apparences directes, à se faire un jugement par soi même, à regarder le ciel pour avoir une idée de la météo sans attendre monsieur météo nous annoncer la pluie et le beau temps        

 

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A Hard Rain's Gonna Fall," The Freewheelin' Bob Dylan, 1963

Je vais marcher dans les profondeurs de la plus profonde forêt noire
Lorsque les gens sont nombreux et leurs mains sont tous vides
Lorsque les boulettes de poison inondent leurs eaux
Lorsque la maison dans la vallée rencontre la prison sale et humide
Lorsque le visage du bourreau est toujours bien caché
Lorsque la faim est laide, où les âmes sont oubliées
Lorsque le noir est la couleur, là où il n'est le nombre
Et je le dis et je pense et parle et respire
Et refléter de la montagne afin que toutes les âmes puissent le voir
Ensuite, je suis sur l'océan jusqu'à ce que je commence à changer sinkin '
Mais je connais ma chanson avant que je commence à chanter Singin '


Selon Allen Ginsberg,  cette chanson de protestation fut écrite dans le sillage de la crise des missiles de Cuba. Dylan révèle la sensibilité de l'écrivain face à l'injustice : d'abord une litanie des souffrances qu'il a vu (à la façon de T.S.F. Eliot) puis la promesse de prendre tout cela et de le transformer en art.  

 

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"The Times They Are a-Changin," The Times They Are a-Changin (1964)

Venez écrivains et critiques qui prophétisent avec votre stylo
Et gardez vos yeux écarquillés, la chance ne viendra pas à nouveau
Et ne parlez pas trop tôt pour le reste de la roue en mouvement
Pour le perdant, il sera désormais trop tard pour gagner
Car les temps sont un 'Changin'! (mouvement)


En bon poète, Dylan comprend que dans les temps de bouleversements sociaux, il est préférable d'être observateur que de tirer des conclusions prématurées.


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"Ballad of a Thin Man," Highway 61 Revisited (1965)

Ah, vous avez été avec les professeurs et ils ont tous aimé vos regards
Avec de grands avocats que vous avez discuté des lépreux et des escrocs
Vous avez traversé tous les livres de F. Scott Fitzgerald
Vous avez très bien lu, cela est bien connu
Mais quelque chose se passe ici et vous ne savez pas ce que c'est
le sais-tu monsieur Jones?


Dylan a beaucoup lu, et a un esprit sceptique et un sens critique aiguisé. Combien de livres détiennent du bon sens ?


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"Desolation Row," Highway 61 Revisited (1965)

Le Titanic navigue à l'aube
Et les cris de tout le monde
"De quel côté es-tu ?"
Et Ezra Pound et T.S Eliot
Les combats dans la tour du capitaine
Alors que les chanteurs calypso se moquent d'eux
Et les pêcheurs détiennent des fleurs


Avec ces paroles, il est difficile de dire exactement ce qu'il voulait dire quand il a écrit que les modernistes poètes Ezra Pound et T.S Eliot ont été "combattants dans la tour du capitaine." Mais les paroles peuvent être interprétées comme une critique des écrivains sophistiqués, érudits, mais abstraits et si éloignés de la vie des gens ordinaires.
 

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"You're Gonna Make Me Lonesome When You Go," Blood on the Tracks (1975)

Les relations ont tous été mauvaises
Les miennes étaient comme celles de Verlaine et Rimbaud
Mais il n'y a aucun moyen de comparer
Toutes ces scènes pour cette liaison
tu vas me transformer en solitaire quand tu partiras.


Dylan cite ici ses deux grandes influences Arthur Rimbaud et Paul Verlaine.


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" I Feel a Change Comin 'On ," Ensemble Through Life 2009

Je suis à l'écoute Billy Joe Shaver
Et je lis James Joyce
Certaines personnes me le disent
J'ai le sang de la terre dans ma voix


Dylan semble avoir des sentiments mitigés au sujet de James Joyce. Dans les Chroniques, Dylan dit de sa tentative de lire Ulysse: "Je ne pouvais pas faire peau ni les cheveux de celui - ci. James Joyce semblait être l'homme le plus arrogant, avait ses yeux grands ouverts et une grande faculté d'expression, mais je ne sais pas ce qu'il voulait dire. "
Ulysse est le genre de livre difficile que les gens veulent lire sans toujours arriver jusqu'à la fin du livre.

Beaucoup de fans citent déjà Dylan comme s'il était Shakespeare, il y a des cours sur lui dans les collèges et des volumes savants consacrés à ses chansons ;   


"Blowin 'in the Wind" est un hymne de protestation des années 1960, mais sonne comme un psaume comme si cette chanson avait été énoncée par la tradition orale d'un autre siècle, avec les lignes comme "Combien de fois les boulets de canon doivent-ils voler avant qu'ils ne soient interdits pour toujours? "


Lors d'une conférence de presse 1965, on lui avait demandé s'il se considérait avant tout un chanteur ou un poète.

Dylan dira : "Je me vois plutôt un homme qui chante et danse."
Pourtant, il est un poète aussi.

 

 

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Balthus: réalisme et modernité dans un style unique

balthus La Toilette de Cathy

La Toilette de Cathy

Balthus, étoile solitaire et unique


Ce peintre contemporain est après tout un peintre discret, cosmopolite et mondain, d'une famille aisée, germanique d'origine polonaise par son père, artiste peintre qui fréquentait les milieux artistiques européens.
Balthus, diminutif de Balthazar Klossowski de Rola est né 1908 à Paris.

 

balthus Jeune fille a la fenetre

Jeune fille à la fenêtre

Il passe son enfance à Paris. A la 1ère guerre, ses parents gagnent Berlin puis s'exilent en suisse, et se séparent. Sa mère " Baladine " d'origine russe fréquente Gide, Bonnard, et Rilke.
Rilke devient le compagnon de sa mère, l'encourage, préfaçant un petit livre de ses dessins (l'histoire de Mitsou, le chat)
A 16 ans Balthus suit l'enseignement de Pierre Bonnard et de Maurice de Vlaminck pour devenir peintre. Il est en admiration devant Cézanne. Comme Cézanne pense que l'art doit rester en harmonie avec la nature et ne pas tendre vers l'abstraction, Balthus le pensait également.

balthus Grand paysage aux arbres

Grand paysage aux arbres


Il copie les œuvres des grands maitres au Louvre, copie les maîtres italiens de la renaissance (Piero della Francesca).
En 1934 il participe à sa première exposition sans grand succès, se lit d'amitié avec Miro, Giacometti, fait des portraits (de Miro, Derain). La fréquentation du surréaliste Artaud le conduit à chercher et affirmer ce qu'il y a de profondément moderne chez les peintres anciens.

 

balthus La joie de vivre

La joie de vivre


En 1937 il épouse Antoinette de Watteville qui lui donnera deux garçons.
Après la deuxième guerre, il se retire dans la campagne savoyarde où la nature l'inspire, à Champrovert dans une ferme fortifiée. Là il peint des tableaux intimistes montrant des enfants, des fillettes avec chat, réunis en tableaux familiaux.

En 1943, il s'installe en suisse. En 1946, il se sépare de sa femme, voyage entre la France, la Suisse, l'Italie, et l'Allemagne.
De 1954 à 1961, il change d'habitat et s'installe dans le Morvan au Château de Chassy après un séjour chez Georges Bataille qui lui montre la région. Il y peint 60 tableaux.

En 1961, Malraux le charge de rejoindre la villa Médicis à Rome (pour diriger l'académie de France à Rome) qu'il repeint et aménage, restaure, fonction qu'il remplira pendant 15 ans. Sa fonction le conduit au Japon, pays fascinant où il rencontre sa deuxième femme Setsuko authentique aristocrate avec laquelle il aura une fille. Sa seconde épouse, Setsuko Ideta, inspira trois toiles (La Chambre turque, Musée national d'art moderne, Paris).
Par sa formation et sa vaste culture, il a incarné le rôle de l'Académie de France : création, respect du passé et être dans le présent. L'influence exercée par Balthus durant son long mandat (1961-1976) s'avéra déterminante, avec la restauration du palais et des jardins de la Villa Médicis, restauration conduite de bout en bout par le peintre.
Il meurt en 2001 dans son chalet suisse.

 

balthus Lenfant aux pigeons

L'enfant aux pigeons


Dans les années 1930, Balthus élabora une œuvre marquée par le réalisme puissant, teintée d'onirisme et de réminiscences enfantines : La Rue (Museum of Modern Art, New York), ou d'un érotisme violent : Alice et La Toilette de Cathy (Musée national d'art moderne, Paris), La Leçon de guitare.
Il peint des paysages, des natures mortes et des portraits au visage lunaire, aux traits peu précis, des nymphettes aux allures provocantes. " Le roi des chats " comme on le surmonte.

S'il peint des lolitas aux poses décontractées, insolentes, provocantes ou équivoques, il semble qu'il s'agisse plutôt de la nostalgie pour ce moment magique de l'enfance et de la promesse que représente la jeunesse, jeunesse que l'on quitte à regret pour tomber dans le conformisme de l'âge adulte.
Ainsi ces peintures provocantes de nus ambigus feront sa célébrité (la leçon de guitare).

 

balthus Nu devant la cheminee

Nu devant la cheminée

Corps exposé, pose impudique, exhibition, provocation : tableaux annonciateur de l'époque actuelle où le partage de l'intimité et le dévoilement du corps se pratiquent sans réserve chez les jeunes qui naviguent sur la toile et les réseaux sociaux.
Balthus se voulait " un peintre dont on ne sait rien ", un artisan discret et solitaire. Il nous a laissé une œuvre troublante, sans lien avec les courants d'Art du 20ème siècle. Il ne ressemble à personne, il n'a pas non plus fait école.

Personne n'a voulu ressembler à Balthus.


" Sa grandeur, c'est d'avoir récupéré les archétypes de la peinture depuis le XIIIe siècle et d'en avoir fait des images modernes. "

 

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Avant toi, film romance à partir d'un best seller anglais

avant toi film affiche

Avant toi, roman de Jojo Moyese qui devient film


"Vous allez vous sentir un peu mal à l'aise dans votre nouveau monde. Mais j'espère que vous vous sentez un peu émerveillé aussi. Vivez autant que vous pouvez, Ne vous contentez pas. C'est bien de vivre, il suffit de vivre. Avec mon amour, Will ".  


Voilà la lettre que Will laisse à Lou après son départ.  

Dans son best-seller publié en 2012, Jojo Moyes dessine le personnage de Louisa Clark, une fille ordinaire qui vit une vie ordinaire. Elle accepte d'accompagner un riche patient handicapé. Cette rencontre va transformer sa vie. Jojo Moyes nous décrit , dans son roman de 353 pages dans sa version d'origine,  deux familles, deux milieux, deux classes sociales.

 

avant toi film livre jojo moyes

 

Lou est une fille ordinaire qui mène une vie monotone dans un trou paumé de l'Angleterre dont elle n'est jamais sortie. Quand elle se retrouve au chômage, elle accepte un contrat de six mois pour tenir compagnie à un handicapé. Malgré l'accueil glacial qu'il lui réserve, Lou va découvrir en lui un jeune homme exceptionnel, brillant dans les affaires, accro aux sensations fortes et voyageur invétéré. Mais depuis l'accident qui l'a rendu tétraplégique, Will veut mettre fin à ses jours. Lou n'a que quelques mois pour le faire changer d'avis.

Lou Clark sait beaucoup de choses. Elle sait combien de pas il y a entre l'arrêt de bus et la maison. Elle sait qu'elle aime travailler dans le magasin de thé, elle sait qu'elle pourrait ne pas aimer son petit ami Patrick. Mais elle ne sait pas comment se protéger de l'amour qui va naître avec ce patient, ni comment rester à distance de la souffrance.  Le livre est un best seller en Angleterre, un roman d'amour qui fait pleurer, et qu'on n'abandonne pas avant de l'avoir fini.  

 

avant toi film Emilia Clarke Sam Claflin

 

Avant toi, film romance de Thea Sharrock.  

Le film est sorti en juin 2016 en Angleterre, il sera en France au mois de Décembre.   
"Avant toi", est une adaptation du roman de Jojo Moyes, réalisée  par Thea Sharrock.  On s'attache doucement à ce duo entre Will, tétraplégique et Louisa, sa demoiselle de compagnie.

 

avant toi Emilia Clarke Sam Claflin


Emilia Clarke fait bonne figure sans arriver à éviter de sur-jouer. Dans certains passages, son jeu est excessif, trop forcé surtout dans les passages comiques. Elle arrive à séduire aussi bien son patient puis le spectateur surtout dans la deuxième moitié du film.  Les deux personnages vont s'écouter, s'aimer.

 

avant toi film emilia clarke


C'est un film sincère et sans vulgarité, drôle parfois, émouvant. Le film est très fidèle au roman, ce qui rend le scénario brillant et solide.
Après une réussite planétaire de Games of Thrones, Emilia Clarke est pétillante, parfois trop même, charmante avec son sourire et sa joie de vivre.
La réalisation est soignée, un esthétisme séduisant dans la deuxième partie du film. Couleurs, lumières, dépaysement pour alléger le thème central du film

Le film manque par certains cotés et ne peut transmettre la profondeur de certains passages du livre. Les réflexions sur l'handicap, la vie, la qualité de vie, les arguments pour vivre ou pas, aimer ou pas, on ne les retrouve pas dans le film.


C'est un film romance, léger, bien fait, formaté pour plaire. La bande originale, est bien faite.
et permet de passer une bonne soirée.


Scénario : 3 etoiles
Réalisation :  3 etoiles
Impression générale : 3 etoiles
Inivitation d'aller voir le film  : 4 etoiles

 

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L'avenir : film très français, mais plaisant et intello

Isabelle Huppert Mia Hansen Love lavenir

 

L'avenir, un film qui peut plaire 

 

La réalisatrice française a reçu en février l'Ours d'argent, de la meilleure réalisatrice lors du festival du cinéma à Berlin, jury présidé par Meryl Streep, pour son dernier film " l'avenir ". Un prix qui vient couronner une carrière entamée en 2007. A 35 ans, cette cinéaste discrète a eu son premier rôle auprès d'Olivier Assayas (son mari) pour Fin août, début septembre. Elle réalise son premier film Tout est pardonné, sorti en 2007, puis Le Père de mes enfants (2009),  Un Amour de jeunesse (2010), et  Eden (2014).

 

Mia Hansen Love Ours argent lavenir

Mia Hansen-Love,  Ours d'argent, meilleure réalisatrice, festival du cinéma en Allemagne

 

C'est l'histoire d'un couple de professeurs qui se séparent. Dans cette " comédie de mœurs ", la vie de Nathalie (Isabelle Huppert) professeur agrégée de philo connait des changements : maladie de sa mère, séparation d'avec son mari, et les enfants qui partent.  Un film très français qui ressemble fidèlement aux films des années 70, de Claude Sautet ou d'Eric Römer. On peut facilement imaginer Romi Schneider dans le rôle d' Isabelle Huppert : une femme qui divorce, dans une société qui change. Ce genre de film cher à certains amateurs de films intello, si moqué par ceux qui y voient nombrilisme, prétention et clichés.  


Cette prof de philo dans la cinquantaine nous parle de l'amour, du couple, du vieillissement, de la mort, de la naissance, et de philosophie.  Film d'auteur parisien et bourgeois, avec pas mal de clichés. Pourtant, le film est plaisant, où un chat allège la lourdeur de la prétention philo, où la mère de la prof est largement plus joyeuse que la fille.

Le scénario est un simple dialogue, où il ne se passe pas grand-chose. Les événements existent mais leur retentissement sur les personnages est limité. La réalisatrice nous propose de la nostalgie, de mélancolie et de la sensation du temps qui passe. Les acteurs sont bien dirigés, l'interprétation est juste sans lourdeur ni excès.  La réalisation est remarquable.

 

Isabelle Huppert lavenir


Il existe des points forts, l'apprentissage de la vie en solo par ex, Nathalie qui affronte la vie qui change avec retenu, sans larmes, avec distance, acceptation, et une dose de stoïcisme. Elle n'a pas le choix, elle doit vivre. On devine la douleur de sa séparation, on ne la voit pas, on devine sa colère, elle ne la montre pas. A travers ce personnage, Nathalie (Isabelle Huppert), Mia Hansen-Løve aborde avec retenue et humour le sort cruel des femmes après quarante ans, qui ne seraient alors que " bonnes à jeter à la poubelle " selon l'héroïne. La philosophie et la parole nous sauvent-elles de la vie réelle ?
Difficile liberté d'un personnage qui sera enfin apaisé malgré la tourmente. Je n'ai plus de mari, plus de mère (elle est morte), les enfants sont partis ; je suis tout à fait libre. Liberté douloureuse.

 

Mia Hansen-Love signe son meilleur film grâce à une actrice en parfaite maîtrise, un film français sur la crise existentielle, un film à prétention intello où des discussions philosophiques sans lien avec l'évolution des personnages tentent d'ajouter un sens à travers des citations de Rousseau ou de Pascal.


Par contre, c'est un film parisien à clichés, comme professeur de philosophie parisien avec maison de campagne. De jeunes philosophes en herbe vivant dans une maison perdue du Vercors débattent du sens de la vie dans toutes les langues et font du fromage.  On est dans la mauvaise caricature ou pas loin, dans les clichés des années 70.


Isabelle Huppert, émouvante, et juste, et une réalisation inspirée ont sauvé un scénario sans événements.  Espérons que ce film trouve son public.   

 

Scénario: 1 etoile

Réalisation: 4 etoiles
Notre appréciation : 3 etoiles

Invitation à voir le film:  3 etoiles

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Stricke Back, série à succès d'après les livres de Chris Ryan

Strike back Stapleton Winchester Green

 

Stricke Back, des soldats un peu spéciaux 


Chris Ryan intègre le Special Air Service (SAS) en 1984. Au cours de ses dix années de service, il accomplit plusieurs missions qui l'emmènent aux quatre coins de la planète pour des entraînements ou des opérations spéciales. II assume, en outre, le commandement de l'équipe des snipers pour les missions de contre-terrorisme.
En janvier 1991, durant la 1ère Guerre du Golfe, un commando de huit hommes du SAS - nom de code " Bravo Two Zero " - est infiltré en profondeur derrière les lignes ennemies irakiennes.
La mission tourne à la tragédie. Un seul homme échappe à la mort ou à la capture, Chris Ryan. Il réalise alors la plus grande évasion jamais accomplie par un membre du SAS, ce qui lui vaut de recevoir la Médaille Militaire.
En 1994, Chris Ryan quitte le SAS pour se consacrer à l'écriture. Quinze ans plus tard, Chris Ryan est l'un des auteurs de thrillers les plus célèbres en Angleterre. Il a publié une dizaine d'ouvrages, qui ont tous dépassé plusieurs centaines de milliers d'exemplaires vendus. Il est à l'origine du phénomène " SAS thriller " en Angleterre.

 

Strike back Stapleton Winchester Mitra


La série Strike Back est une production américano-britannique basée sur les romans de Chris Ryan. La série prend notamment racine dans le roman homonyme (2007) de Ryan.
La cinquième et la dernière saison de cette série vient d'être diffusée dans certains pays européens. Ca sera le cas en France début décembre.     
C'est presque une tradition littéraire anglo-saxonne, raconter des exploits attribués aux soldats, et mettre en lumière la valeur de l'individu et son courage. C'est la tradition James Bond, des livres à succès à des films devenus mythiques.  
Cette série relate les aventures et péripéties d'une unité d'élites de l'armée britannique, dite " la section 20 " une unité secrète de renseignement militaire britannique, composée d'hommes et de femmes qui partent sur le terrain en mission spéciale, dangereuse voire en " mission impossible " pour lutter contre les terroristes.

 

Je me sens nu sans mon fusil

Organisation, compétence, efficacité, précision, force physique, sang-froid, logistique et ingéniosité sont requis par ses hommes face à des conditions extrêmes. Personne ne discute le bien fondé des ordres ; Scott et Stonebridge amis et complémentaires sur le terrain, le disent eux-mêmes nous sommes des soldats. Ces soldats sont commandés par un officier et le lieu de commandement s'appelle " la bergerie ", l'officier (homme ou femme) descend sur le terrain quand son équipe est dépassée par les événements.

 

Strike back Winchester

 

Cette série nous montre aussi les erreurs de ces officiers; hommes et femmes commettent des erreurs. La dure réalité de l'action n'épargne personne et la sanction ne tarde pas.  Cinq saisons de réussite, puis la saison 5 diffusée en 2016 met un terme à la série.  Ce n'est pas James Bond, ici, on meurt, on est blessé, on est capturé, on est humain. Courageux, dévoué, discipliné, professionnel mais humain.   
Vous aimez l'action, les kalachnikovs, les bagarres, et le sexe joyeux, vous serez servis.
Cette série est plaisante à voir, addictive, moments d'humour, solidarité dans l'action, quelques scènes de sexe et d'amitié tempèrent les moments de violence.  La série se passe dans diverses régions du monde où des conflits ont lieu, Afrique, Colombie, Thaïlande, Moyen orient, Corée, Ex-Yougoslavie, décors émouvants et beauté des paysages exotiques accompagnent les personnages à travers le monde.  Nous sommes loin aussi de l'ambiance de la série mission impossible.
C'est une série passe-temps, agréable à regarder sans autre prétention.

 

Strike back Stapleton Srbova

 

 

Nous sommes des soldats ou des putains de pions ?  

Nous sommes loin de James bond et ses exploits qui ont fait sourire nos parents.  La dernière saison se termine par la condamnation du pouvoir politique corrompu, cynique et incompétent, ces hommes politiques si loin du terrain et des risques de la vie réelle qui décident de supprimer la section devenue trop gênante. Des soldats qui croyaient servir leur patrie découvrent qu'ils sont des pions à sacrifier sur un échiquier politique ou diplomatique. Dans la dernière saison, la série a montré ces hommes soldats autrement, leurs fragilités, leurs questions et leurs problèmes personnels. Il ne s'agit pas de James bond, ni cowboys mais des hommes et des femmes soldats, des humains.

 

Strike back Srbova


Vous regardez plusieurs saisons de stricke back, vous pouvez dire que cette série rend insensible à la violence et à la mort, qu'il s'agit d'un spectacle.  La saison 4 puis la saison 5 entrainent les personnages vers l'émotion, vers l'introspection. La mort d'une camarade provoque chagrin, larmes et respect. On va un peu plus loin, ces soldats sont des maris, des pères, et des amis. Ils se permettent même de tomber amoureux et de pleurer.

 

Strike back Stapleton

 

Dans le monde occidental, après la guerre du golfe et la guerre d'Iraq, après les mensonges qui ont impliqué l'armée britannique en Iraq, les anglais, comme de nombreux occidentaux semblent ne plus croire dans le discours politique manipulateur, refusent même d'encourager tout engagement dans leur armée dans un conflit extérieur pour éviter que les soldats et les citoyens deviennent des pions dans un jeu cynique. La série sticke back va dans ce sens. Ils quittent l'armée et ses magouilles, ils gardent l'essentiel : le souvenir des disparus pendant les opérations et l'amitié avec les copains toujours en vie.   


C'est une fin intelligente, qui va dans la tendance générale des opinions publiques en occident qui désirent moins de guerre et plus d'intelligence dans la gestion des conflits .

 

 

 


 

 

 

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3 films de Michelle Pfeiffer, à partir de trois romans

Michele Pfeiffer beaute coprs

 

Michelle Pfeiffer, trois films de trois romans

Pour certains, Michelle Pfeiffer restera à jamais la Catwoman de Batman, Pour d'autres, c'est l'actrice des rôles sérieux, complexes et des scénarios littéraires.

 

Biographie de Michelle Pfeiffer

 

Née le 29 Avril 1958 à Santa Ana, Californie, Michelle Marie Pfeiffer est la fille de Richard Pfeiffer, un créateur de jeu vidéo et Donna Pfeiffer, une femme au foyer. Sa famille originaire du Dakota du Nord a déménagé à Midway City où Michele allait passer ses premières années scolaires. Après des études d'art dramatique, en Californie, elle rejoint la ville du cinéma pour intégrer le casting d'une série télévisée, Delta House, en 1979.
Pfeiffer fait ses débuts à la télévision en 1978, quand elle décroche un petit rôle dans la série d'ABC, Fantasy. Elle continuera à jouer dans un certain nombre d'émissions mineures de télévision.
Premier rôle en 1982 est dans la comédie romantique musicale, Grease2 de  Stephanie Zinone  Grease 2. En dépit des critiques négatives pour ce film,  Pfeiffer va jouer dans le film Scarface, de Brian De Palma en 1983.

En 1988, elle joue le rôle de la vertueuse Madame de Tourvel dans Les Liaisons Dangereuses, sous la direction de Stephen Frears. Son interprétation est acclamée par la critique, et elle remporte le BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle et est nommée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle.

 

Michele Pfeiffer filmographie romans

L'actrice est au sommet de sa gloire au début des années 90. Elle va avoir un rôle dans une production grand public en 1992, elle se glisse dans la tenue sexy de Selina Kyle, plus connue sous le nom de Catwoman. Son personnage d'héroïne féline dans le Batman, le défi de Tim Burton est son plus gros succès au box office.


Après cette superproduction, elle choisit encore pour la deuxième fois un scénario littéraire avec Le Temps de l'innocence (1993) de Martin Scorsese.
A partir de la fin des années 90, l'actrice se cantonne essentiellement dans le registre romantique  Personnel et confidentiel, Un beau jour, Une vie à deux.

Elle tourne un scénario littéraire, Chéri sous la direction de Stephen Frears en 2012.
Puis People Like Us (2012) et la comédie de crime Malvita en 2013, puis le Crime de l'Orient-Express qui sera tourné en 2017.
Parmi ces trois films, il est possible de trouver le meilleur rôle du cinéma de Michelle Pfeiffer. Elle a accepté ces scénarios tirés de trois chefs d'œuvre littéraire et le défi de jouer ces rôles complexes.

Michele Pfeiffer les liaisons dangereuses

Les liaisons dangereuses (1988)


Deux aristocrates brillants et spirituels, la marquise de Merteuil et le séduisant Vicomte de Valmont, signent un pacte d'"inviolable amitié" à la fin de leur liaison. C'est au nom de celui-ci que la marquise demande à Valmont de séduire la candide Cécile de Volanges qui doit prochainement épouser son ex-favori, M. de Bastide. Mais Valmont a entrepris de séduire la vertueuse Mme de Tourvel.
C'est la meilleure adaptation à l'écran du roman de Choderlos de Laclos. Œuvre littéraire majeure de la littérature française du XVIIIe siècle, ce récit épistolaire devient plus léger et plus rythmé, fruit de la collaboration du réalisateur Stephen Frears avec Christopher Hampton. Cette version est directement adaptée de la pièce que Christopher Hampton a montée à Broadway en 1987.
Ce film passe de la comédie noire au ton du polar. Stephen Frears reste fidèle à lui-même en portant un regard ironique et incisif envers les membres d'une classe sociale, les nobles de la période prérévolutionnaire. Les passages dramatiques du roman sont abordés avec un ton humoristique. Le film fut un succès planétaire et consolida la place de Frears dans l'industrie hollywoodienne, et ouvrit les portes du cinéma à Michele Pfeiffer.
Michelle Pfeiffer joue tout en retenue, sa beauté est magnifiée par la mise en scène, subtil mélange d'élégance et gravité. C'est un de ses plus grands rôles au cinéma.

 

Michele Pfeiffer le temps de linnocence


Le Temps de l'innocence  (1993)


Le Temps de l'innocence est une curiosité réussie dans la carrière de Scorsese, plus habitué aux films de gangsters et d'affranchis.
Le Temps de l'innocence, du roman de l'américaine Edith Wharton  prix Pulitzer 1921 est un mélodrame, histoire d'amour impossible au sein de l'aristocratie new-yorkaise des années 1870. Michelle Pfeiffer (Ellen) et Winona Ryder (May) partagent l'affiche avec Daniel Day-Lewis (Newland).
Newland Archer/Daniel Day Lewis est amoureux de la comtesse Olenska/Michelle Pfeiffer, victime d'un mariage malheureux. Newland, conformément à son rang et aux conventions familiales, doit épouser May/Wynona Ryder. Autour d'eux, gravitent beaucoup de personnages faisant plus ou moins partie de leurs cercles familiaux. On y retrouve ses thèmes favoris d'Edith Wharton : la solitude, l'amour frustré, la force des barrières sociales, l'atmosphère d'un New-York puritain, les bourgeois.
Il n'y a pas de héros ici, pas de morale, juste un roman lucide sur la condition humaine et sur la société d'une période puritaine qui étouffait ses jeunes et leurs émotions dans un univers de politesse, de bonnes manières et de ragots.
Le film bénéficie d'un cadre stylisé, robes de satin, demeures fastueuses, tableaux de grand maîtres, cérémonies, luxueux mets et superbes meubles.  Voilà le décor qui protège le poids des conventions, surtout quand il s'agit de mariage.
L'irruption de l'émotion dans ce monde va entraîner l'hostilité. Une femme en instance de divorce tombe amoureuse d'un homme marié. La société va protéger le mariage de cet homme, en faisant bloc contre cette liaison.
La lumière tout à fait prodigieuse illumine l'ensemble des scènes avec délicatesse. La photographie est superbe. Le réalisateur a une science du cadrage et à des mouvements de caméra virtuoses.
Un film réussi sans être le meilleur de Scorsese, ni de michelle Pfeiffer. Elle porte son rôle avec minutie, elle sait jouer comment montrer ses émotions, comment les dissimuler en société, comment se retenir, comment parfois s'abandonner.   

 

Michele Pfeiffer cheri film roman collete


Chéri (2009)


Dans Chéri de Stephen Frears, une courtisane vieillissante nommée Léa est allongée à côté de son amant.  Il lui murmure : Vous êtes si belle.  Fred, dont le surnom est Chéri, a 30 ans moins que sa maîtresse. Léa, jouée par Michelle Pfeiffer lui réponds : Un bon corps dure longtemps, Tout le monde le sait.
Le film, une adaptation d'un roman des années 20 de Colette, donne l'impression d'une liaison légère. Il est beau superficiel, elle est une "femme d'affaires" blasée. Le film nous mène tranquillement dans la légèreté puis la quasi-totalité de l'impact du film est livrée dans ses dernières minutes, fin d'une époque, la guerre, le réel qui intervient dans la chambre des amoureux.  
Lea est tragiquement consciente d'elle-même, de ses avantages et ses faiblesses. L'affaire est amusante au début, badinage et séduction puis attachement réel à un presque adolescent. Le roman de Colette comme le film revisite certains thèmes ; la rivalité féminine, la perte de la beauté, la sexualité.
Dans ce film, Michelle Pfeiffer a osé briser l'image de la femme belle et séduisante, elle joue avec justesse le rôle d'une courtisane vieillissante, qui joue ses dernières cartes, le corps séduit moins qu'avant, les amants plus jeunes rencontrent des femmes plus jeunes. Michelle Pfeiffer impressionne en femme à l'automne de son charme, dans une reconstitution du Paris des années 1910 qui ne laisse pas indifférent. Chéri offre un rôle écrit sur mesure pour Michelle Pfeiffer, brillante, complexe, d'une beauté finissante, témoignage de Stephen Frears à la littérature française.

 

On se trompe en réduisant le cinéma américain aux films grand public, et les acteurs américains à des produits du box office.
Dans ces trois films, Pfeiffer rend hommage à la grande littérature affirmant que l'association de ces arts peut faire de belles réalisations.

 

 

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Attraction ou the Human Contract : film mystérieux qui peut plaire

human contract attraction

 

Attraction ou the Human Contract: aimer pour oublier le passé

Voilà un film tourné en 2008, sorti en 2011 et qui vient d'être en DVD depuis Aout 2016. Je ne sais pas si ce film était dans les salles en France après sa sortie aux USA.  


Jada Pinkett Smith a réalisé un film sombre, un film sur les secrets et les blessures que nous cherchons à garder sous clé, et qui influencent nos vies et nos comportements. On suit l'histoire mais on reste en attente, les personnages n'avancent pas, n'évoluent pas.  Chacun est figé dans son passé.


On nous raconte l'histoire d'un homme (Julian) qui réussit socialement, et professionnellement, mais il est seul, il hésite à signer les papiers de son divorce.

 

human contract attraction Paz Vega


Essayons de simplifier l'histoire.
Au début du film, pendant une relation sexuelle, Julian est dans sa salle de bain et se regarde et frappe le miroir. Il refuse de donner le code de sa chambre de photos à petite amie. Il est en colère tout le temps car il y a un grand secret dans sa vie qui le tracasse.  
Julian Wright (Jason Clarke) est spécialiste compétent en marketing, mais est incapable de faire face à plusieurs événements de son passé. Il a perdu sa femme et envisage de signer les papiers du divorce. Avec sa vie amoureuse en lambeaux, il se concentre entièrement sur son travail avec une grande augmentation de salaire et un nouveau bureau à l'horizon. Il rencontre "Michael" (Paz Vega), une femme étrangère, avec une overdose de charme et de chaos


Cette femme séduisante, sexy, et libre, va compliquer sa vie. Le héros de ce film porte en lui un passé sombre, une mère alcoolique et abusive qui ne l'a jamais aimé. Il est violent dans ses réactions, et dans ses jugements.
Au contact d'une femme séduisante et légère, jouée Paz Vega, il découvre à nouveau ses propres souffrances et sa propre solitude. Elle le pousse à faire face à son passé. Il dérape, il refuse, il devient violent même avec elle.

 

human contract attraction Vega clarke


Vers la fin du film, on découvre que  sa mère avait tenté de se suicider et qu'il lui avait sauvé la vie. Au début du film, sa mère lui demande de repeindre sa chambre (où il a passé son enfance), mais il refuse. A la fin, il repeint la chambre et confronte sa mère sur le passé.  Pourquoi cela est-il arrivé ? Parce qu'il a eu une relation sexuelle avec sa mère quand il était enfant, et au début du film, le gémissement de la femme pendant l'acte sexuel lui rappelle cet acte sexuel avec sa mère.

La scène de fin est bien réalisée.  Il donne à la jeune femme la clé de la chambre où il range ses photos, des clichés sur la laideur du monde, puis peint sa chambre bleue en blanc, il dépasse enfin son passé douloureux avec sa mère, la page est blanche.

 

human contract attraction Paz Vega .jason clarke


Mention très bien pour l'actrice espagnole Paz Vega, elle joue avec réussite son rôle, de femme optimiste et enjouée, une infirmière pour adulte comme elle dit. Elle est belle, séduisante, humaine, avec justesse.  Les rares scènes de nudités sont tournées avec élégance.


Julian et Michael, une rencontre entre deux personnes à problèmes. Deux personnages négatifs qui peuvent séduire certains spectateurs.


C'est un film bien réalisé par l'actrice Jada Pinkett Smith. Sa première réalisation semble s'adresser à un public qui aime les scénarios sophistiqués. Chaque événement est à interpréter.  L'histoire est racontée d'une façon allusive, parfois difficile à suivre.    


Après ce film, la réalisatrice Jada Pinkett Smith a continué sa carrière d'actrice dans Menace II Society, Le Professeur Foldingue, Scream 2, Matrix sans oublier son rôle dans de Fish Mooney dans la série Gotham.

 

 

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Klimt: le baiser en or, un art nouveau

klimt attente

" L'attente " Klimt 1905-1909

Quand l'art devient nouveau


Gustav Klimt est un artiste complexe, un cas particulier parmi les artistes du 20ème siècle. Son parcours, son œuvre, ses influences continuent à dérouter les historiens d'Art.
On trouve chez lui des décorations murales néoclassiques de style académique qui ont fait son succès avant de devenir l'un des fondateurs de la Sécession viennoise, puis le chantre de la modernité en Autriche. Sa notoriété était telle que les historiens d'art baptisent parfois le début du 20è siècle en Autriche " l'âge de Klimt ".

Klimt est né le 04 juillet 1862 dans la proche banlieue de Vienne, capitale de l'empire austro-hongrois, d'un père orfèvre -ciseleur. Dès 14 ans, il suit les cours de l'école des arts et métier et devient par la suite artiste-peintre, il peint la cour intérieure et l'escalier du Kunst muséum de Vienne, dans le style néo-classique, style en vogue à l'époque. Il peint des salles de théâtre.


Avec des amis, il crée en 1897 la sécession mouvement artistique qui veut sortir l'art, du néo-classique vers l'art nouveau, style qui se développe en France, en Belgique mais aussi en Allemagne avec le jugenstil.

L'Art nouveau est un terme générique, on dit modernisme en Catalogne, Jugendstil en Allemagne, style Sécession en Autriche, art nouveau en France.
C'est un art nouveau en Europe qui fait son apparition au début de 20ème siècle, en opposition à la laideur du monde industriel florissant de cette époque.  La société européenne a changé. La nouvelle bourgeoisie, industriels, commerçants, professions libérales, et financiers, désire un style nouveau qui n'imite pas l'art de la cour ou les peintures d'une noblesse vieillissante.

 

klimt accomplissement

" L'accomplissement " Klimt 1905-1909
L'art nouveau va influencer l'architecture, les objets, les décorations et la peinture.     
L'Art nouveau au début de 20ème siècle repose sur certains principes : le rejet de l'académisme (l'abandon des références à l'antiquité), l'inspiration de la nature (des formes sinueuses, des décors végétaux ou floraux, des influences japonisantes ou gothiques), la fusion entre arts majeurs et arts mineurs, c'est-à-dire art décoratif (exubérance du décor), art pour tout le monde (art des objets du quotidien).
Klimt peindra de nombreux portraits de grands bourgeois, industriels, décorera de mosaïques les murs d'hôtels particuliers.
Klimt entre dans une période très productive durant l'année 1897 : création de nombreux tableaux et d'environs 4000 dessins. Ses thèmes : l'érotisme, représentation de la fragilité du corps et de l'amour en autres.  

 

Le baiser doré et les yeux fermés

Dans la période dorée, Klimt peint des tableaux dorés à la feuille d'or et d'argent (Danaé, le baiser, le portrait d'Adèle Bauer)
L'artiste va créer un style personnel, l'ornement n'est plus seulement décoratif mais fait partie du sujet. Il va utiliser la feuille d'or dans des tableaux montrant un traitement figuratif du visage, des épaules et des mains. Cet ornement conjugue différents motifs empruntés aux arts byzantin, gothique, égyptien, japonais et celtique. Cette juxtaposition du sujet et du décor, est à la source de la fascination qu'exerce la peinture de Klimt durant la deuxième moitié du 20ème siècle.

 

klimt le baiser


Le baiser est un tableau peint en 1907-09. Il s'agit d'un couple tendrement enlacé qui vient de s'embrasser, la femme longiligne tombe à genou enserrant dans ses bras le cou du partenaire. Les yeux fermés témoignent de son abandon. L'homme la retient et enserre son visage et l'englobe dans son magnifique vêtement fait de carrés noirs, dorés et argentés, le vêtement de la femme est riche en cercles de couleur bleu -rouge-vert sur un fond doré.
Les deux amants portent des fleurs dans les cheveux et sont cernés d'un halo d'or tel une icône byzantine. Le sol à leurs pieds est fait d'un amoncellement exubérant de fleurs de toute couleur sur lequel ruisselle des lianes d'or.
Dans Le Baiser, (musée du Belvédère, Vienne),  l'étreinte charnelle revêt le caractère sacré d'une icône byzantine sur fond d'or. L'ornement abstrait confond les corps en les dématérialisant, tandis que le parterre floral stylisé rappelle la représentation du paradis dans l'imagerie gothique.

En arrière plan, la femme est bordée de cercles concentriques symbole rappelant les théories et découvertes récentes de Freud sur l'inconscient.
Ce tableau est le tableau culte de l'art nouveau à Vienne.


La devise du groupe la sécession est " chaque époque son art, à l'art sa liberté "

 

 

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Peintre impressionniste japonais : Kuroda Seiki

Seiki Kuroda Le lac

Le lac, Kuroda Seiki, musée national de Tokyo 1897

 

Les impressionnistes japonais existent  


Les années 20 furent l'apogée d'un renouveau artistique et culturel en occident et surtout en France, Expressionisme, Fauvisme et cubisme ouvraient des perspectives nouvelles dans la peinture. Certains peintres japonais partirent en France étudier la peinture. Le modèle artistique occidental et ses écoles sont à partir de cette époque de plus en plus présents au japon.

 

Seiki Kuroda


Kuroda Seiki, (1866 -1924) est un peintre japonais impressionniste. A 17 ans, il s'inscrit à des cours pré-universitaires en français ; il accompagne son beau-frère nommé en France et commence des études de droit en 1884. Il restera dix ans en France et abandonne le droit pour la peinture.

A Paris, il rencontre d'autres peintres japonais comme Hosui Yamamoto et Fuji Masazo. En mai 1886, Kuroda entre dans l'atelier de Louis-Joseph-Raphaël Collin, peintre d'art académique et suit ses cours jusqu'en 1891.
Après 10 ans, il rentre chez lui au Japon et habite Kyoto. Ses tableaux sont exposés dans le musée national de Tokyo.

En tant que l'un des rares artistes japonais ayant étudié à Paris, il enseignera le monde de l'art occidental.

 

Seiki Kuroda sentiment

Kuroda Seiki, Sentiment (de Sagesse, Impression, Sentiment), 1900, Kuroda Memorial Hall, Tokyo

 

Choc culturel

Comme les autres artistes influencés par l'art occidental, les tableaux de Kuroda ont choqué le public et les critiques, par leur radicalisme, par une utilisation fauviste des couleurs primaires, et par la réduction cubiste de la géométrie. Ces artistes occidentalisés n'ont pas eu beaucoup de succès auprès du gouvernement, n'ont pas réellement bénéficié de commandes d'État. La réponse de ces artistes était d'ignorer l'État, de créer des sociétés privées pour faire des expositions, et pour vendre leurs tableaux.

 

Seiki Kuroda Sous larbre

Sous l'arbre, Kuroda Seiki, 1898

Dans l'histoire de l'art occidental, il existe une étape critique, à la fin de XIXe siècle, montrant les limites de l'impressionnisme. Cette transition va être progressive vers d'autres écoles de peinture. Le travail de Cézanne a préparé le cubisme, le travail de Van Gogh s'approche de l'expressionnisme, les productions de Gauguin vont s'orienter vers le fauvisme et le primitivisme. On ne retrouve pas dans l'art japonais occidentalisé une vraie traduction de ces transitions.

L'art occidental était une entité, appréciée dans sa globalité, sans entrer dans les détails des écoles artistiques, ou dans ses messages culturels. Au japon, on discutait l'individualisme intransigeant de Van Gogh et de Gauguin, leur attachement aux idéaux personnels, se moquant des conventions artistiques et sociales. Van Gogh continu d'être admiré au Japon, au-delà de son talent, et de la qualité de ses œuvres, il est admiré pour sa capacité à dépasser sa propre société et pour sa modernité.

 

L'individualisme, la personne humaine au centre du tableau, la nudité académique, ces sujets étaient étrangers au public japonais, ils ont fasciné, choqué, suscité des discussions et des controverses.

 

 

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Hollywood pré code : liberté, divertissement et désir

harlow jane red dust

Jane Harlow , film : red dust

 

Hollywood pré code :  le divertissement et le désir  

La crise financière de 29 va se prolonger par un désastre économique sans précédent, ce qui va modifier en profondeur les valeurs et les croyances des Américains dans leur système, dans leur pays, dans leur classe politique.
Le rêve américain ne séduit plus en 1929, l'exception américaine, l'universalisme, l'autonomie et surtout l'individualisme, voilà des valeurs qui ne séduisent plus personne, laissant la place à des valeurs plus urgentes comme la solidarité, le collectif, la communauté.
Les valeurs traditionnelles trouvent alors une popularité croissante.
Le terme Pré-Code évoque l'époque de l'industrie cinématographique américaine avant 1934, avant l'instauration de " Motion Picture Production Code ", une sorte de code de bonne conduite dans la production du cinéma et des images nommé le code " Hays ", adopté en 1930 et appliqué à partir de juillet 1934.
Les films avant ce code contenaient des scènes de nudité, des insinuations à caractère sexuel ou érotique, des scènes de consommation de drogue, prostitution, infidélité, avortement, violence, et homosexualité.

 

Les films pré-code

Entre l'avènement du parlant et la mise en place du code, c'est à dire entre 1930 et 1934, un vent de liberté et de légèreté souffle sur l'industrie du film américain, avec colts et dentelles, gangsters et prostituées.
La fascination pour ces films "pré-code" peut être expliquée par le contenu léger, comique et suggestif de ces films : hommes et femmes se désiraient, s'aimaient, couchaient sans culpabilité, période qui se prolongea 7 ans (entre 1927 et 1934) de sexe, drogue, et adultère. Les films avant code exhibaient les problèmes sociaux, ridiculisaient les hommes politiques en les montrant incompétents et menteurs. Le besoin de leaders forts pouvant prendre en charge et orienter l'Amérique vers la sortie de crise, était un thème fréquent.

 

Norma Shearer la divorcee

Norma Shearer dans la divorcee

 

Les films avant code n'avaient aucun problème avec les dictateurs, on trouve des films pour glorifier Mussolini ou Adolf Hitler.
La violence attirait les spectateurs, les films avant code traitaient la criminalité individuelle et en groupe, la violence était présente, Hollywood avaient ses gangsters "célèbres", le genre était populaire, les affiches et les photos publicitaires éclatantes, provocantes.

Le film le plus souvent cité comme le premier film pré-code est "la divorcée" de Norma Shearer. On trouve un look sophistiqué, des dialogues drôles, le double standard sexuel, un homme qui couche est un séducteur, une femme qui couche est une garce. Le film fut considéré comme immoral, mettant en valeur une femme indépendante moralement et sexuellement. Le film fut un grand succès, et Shearer a remporté l'Oscar de la meilleure actrice pour sa performance.

 

Del Ruth Blonde Crazy

Del Ruth dans le film Blonde Crazy

 

Rétrospectivement, ces 7 ans de pré-code furent une croisée des chemins : émergence des entreprises de studio de production et de leur professionnalisation. Transition maladroite et hésitante du cinéma muet vers le parlant, révolution technologique concernant les caméras, la réalisation, et l'installation de la radio comme moyen de communication incontournable, l'apparition du monde des stars de cinéma grâce aux médias et aux journalistes, et le début de nombreux genres qui vont marquer le cinéma comme les comédies musicales ou les films d'action.

Cette époque se distingue par une liberté de création, et un esprit pionnier, novateur de certains producteurs, de certains réalisateurs.
La chose la plus étrange à propos de ces films pré-code est leur longévité, et l'engouement du public pour ces films avec des femmes en sous-vêtements, aux coiffures sophistiquées, et aux robes drapées ou stylisées. L'humour du dialogue, la nostalgie, le talent des actrices et des acteurs peuvent expliquer la longévité de ces films.

 

Wellman Safe in Hell

Wellman dans le film Safe in Hell

 

Les films avant code montraient les relations avec des maîtresses, l'adultère. Jean Harlow a été décrite dans le Encyclopédie de Hollywood comme "le sex-symbol des années 1930, propulsé à la célébrité dans les films pré-code, comme Platinum Blonde, Red Dust et Red-Headed Woman."

 

jane harlow red headed

Jane Harlow dans le film red headed

 

Le film Red-Headed Woman est cité comme exemple de ces films pré code. Elle y joue le rôle d'une secrétaire qui cherche à séduire son patron et à briser son mariage.
Au cours de cette séduction, il tente de résister, il la gifle. Ils finissent par se marier. Jane Harlow séduit ensuite un riche industriel qui est en affaires avec son mari. Bien que ce plan réussisse, elle a une autre liaison, et tue son mari pour partir avec son amant. Le film a été décrit comme un "chef-d'oeuvre", et nommé aux Oscars. Cependant, le film Red-Headed Woman fut interdit dans de nombreux états américains.

En 1932, personne ne souffre du péché de chair, les personnages de Gable et Harlow savourent le désir, la sexualité sans culpabilité. Bien que la caméra s'éloigne pour ne pas trop insister, le désir est présent, franc, montrable, et non pas un jeu subtile ou ambigu.

Ces films représentent un virage vers un contenu pour adultes, une vision du monde du plaisir et de la légèreté.

La mobilisation de l'église catholique s'organisa à partir de 1933, par la formation de la légion catholique de la décence. Il s'agit d'un groupe affilié à l'église catholique, qui émet une classification sur les films, pour déconseiller ou pour encourager la famille à regarder le film.
Au début, ces classifications n'affectaient pas les revenus des films. Progressivement, l'organisation a grandi, a commencé à faire pression sur le gouvernement.


Les studios et les producteurs ont décidé de négocier avec le gouvernement fédéral un code de bonne conduite autorisant une autorité désignée à censurer les scénarios, et les films selon des critères précis.
Ce code demandait aux producteurs et aux réalisateurs de promouvoir les valeurs traditionnelles de l'Amérique. Par exemple, les relations sexuelles hors mariage ne devraient pas être présentées comme des relations attirantes ou joyeuses, mais comme des relations coupables et problématiques.
Tout acte criminel devrait être jugé et puni, jamais récompensé. La violence devrait être maîtrisée. Les autorités morales, judiciaires et politiques devraient être traitées avec respect. En cas de présentation de policiers, d'hommes politiques, ou de juges méchants ou corrompus, il est important de signifier aux spectateurs qu'il s'agissait d'une exception à la règle.
Le code Haye affirme que le rôle des films est de divertir, qu'un excès de réalisme conduit à des présentations sociales, juridiques ou raciales problématiques. Cette tendance va durablement marquer le cinéma américain. Le cinéma hollywoodien sera critiqué par la suite en raison de sa capacité à divertir, sans présenter la réalité économique ou sociale du pays.
Les discussions qui ont accompagné l'élaboration du code de bonne conduite indiquaient que les films ne peuvent changer la société, ne peuvent cultiver un esprit de révolte ou de désespoir, ne peuvent fragiliser le système économique ou le système politique en place.

En 1934, le Production Code, code de censure connu en France sous le nom de "Code Hays" est adopté et un bureau mis en place pour relire tous les scripts de film en production.

 

C'est le début d'une censure organisée et centralisée aux USA, entreprise à l'initiative des studios eux mêmes pour éviter de voir leurs films dépecés par les censures étatiques locales.
Le code de bonne conduite est appliqué à partir de 1934 dans le cinéma américain. Il restera en vigueur jusqu'en 1968.

 

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Brooklyn

brooklyn movie

 

From ireland to brooklyn

J'ai bien aimé le film Brooklyn un film de 2015 de John Crowley et Paul Tsan avec Saoirse Ronan, Domhnall Gleeson à partir du roman de Colm Tóibín.

Une bien modeste jeune fille dans un village négligé mène une vie ordinaire entre sa mère et sa sœur, dans l'Irlande pauvre des années 50.

 

brooklyn ireland

 

Sa sœur la voyant sans avenir, aidée par le prêtre du village, la pousse à trouver du travail en Amérique, elle voyage par bateau avec d'autres migrants et est accueillie dans la communauté irlandaise de Brooklyn.
La- bas elle sera une vendeuse dans un grand magasin, malgré le mal du pays et de sa famille. Elle loge et vit dans une pension de famille. Jusqu'au jour où le prêtre de la communauté l'inscrit à des cours de comptabilité, lui permettant d'obtenir enfin un diplôme.

 

brooklyn film

 

A partir de ce moment, son destin change, la jeune fille voit s'ouvrir devant elle les portes jusqu'alors fermées. Elle rencontre un jeune italien qui veut l'épouser. Elle retourne en Irlande pour l'enterrement de sa soeur, et se voit proposer un emploi de comptable dans une entreprise. Un jeune homme irlandais de bonne famille lui fait la cour et veut la retenir auprès de lui. Sa mère désormais seule souhaite aussi sa présence.

Elle constate tous ces changements et dira " j'aurai bien aimé qu'on me propose tout cela avant "
Cette modeste jeune fille devenue une jolie jeune femme instruite, diplômée et capable, se voit solliciter à prendre son destin en main.

 

brooklyn film amour

 

La narration simple, efficace, rafraichissante sans le misérabilisme généralement associé aux migrants irlandais de cette époque, nous montre la lente transformation de la chrysalide en papillon aux couleurs éclatantes.

 

Elle choisira l'avenir à construire plutôt que le passé. Quand diplôme et éducation vous ouvrent les portes du destin....

 

 

 

 

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Hemingway : l'amour devient roman

hemingway love and war

 

Hemingway, vie de fêtes, d'amours, et des romans

En 1914, le jeune Hemingway rêve de participer à la Grande Guerre. Il est réformé à cause d'une mauvaise vue. Pour un salaire de 15 Dollars par semaine, il se fait engager au Kansas City Star comme apprenti reporter.
Il voulait apprendre à écrire, il devint journaliste chargé des faits divers et resta six mois dans cet emploi.

Il voulait de l'action, découvrir le monde, et la guerre. La Croix-Rouge a besoin d'ambulanciers en Italie. Il put, avec deux amis, s'embarquer sur le "Chicago" à destination de la France, passer deux jours à Paris et prendre le train pour Milan.
A 19 ans, il rejoint la Croix Rouge en Italie. Sur les photos, on voit un beau jeune-homme au front large, avec une chevelure abondante, un regard animé des certitudes de la jeunesse, le sourire des jeunes gens immortels.

Il débarque en Italie le 7 juin 1918, pour devenir ambulancier. A peine arrivé, il doit transporter les victimes d'une fabrique de munitions qui a explosé, aider les blessés en surveillant de grands dépôts de munitions encore susceptibles d'exploser, aider à éteindre l'incendie, et transporter les morts à une chambre mortuaire de fortune.
Ernest connaissait la mort, le sang et l'agonie des animaux pendant ses journées de chasse. Cette fois, la mort est différente.

Il voit des corps sans vie, inanimés sans émotion, sans rire, sans colère, même sans souffrance.
Il voit la fin tragique de la condition humaine, les mains froides, les joues pâles, les yeux fixés sur un horizon inconnu. Une dose amère de réalité va secouer ce jeune homme qui chassait pourtant depuis des années. Il perdra sa candeur pour entrer brutalement dans le monde des adultes.
Il est envoyé à Schio, ville plus calme, au pied des Dolomites puis sur le fleuve Piave en Vénétie, son rôle consistait à aller en bicyclette distribuer vivres et cigarettes aux soldats. Il se rendait souvent à la distillerie de grappa Nandini à Bassano, et pour boire et savourer de la grappa, boisson que l'on retrouve souvent dans ses récits de guerre.

Le 8 juillet 1918, il fut frappé, au genou et au pied par un obus autrichien. Dans cette tranchée avec trois hommes, les jambes criblées d'éclats, il évacue le seul survivant sur son dos et le ramène en lieu sûr. Acte héroïque d'autant plus qu'il est le premier Américain à être blessé en Italie. 237 éclats dans les jambes, deux balles de fusil mitrailleur dans le genou.

On l'hospitalise le 17 juillet à Milan, il risque de perdre sa jambe droite. Impatient comme il le sera toujours, il avait tenté d'extirper lui-même les éclats de mortier avec un canif, sa bouteille du cognac comme anti septique et comme calmant.
Il fut plusieurs fois opéré dans cet hôpital militaire où on l'a surnommé "Poupée cassée".
Il est décoré pour cet acte de bravoure de la Croce al merito di guerra (croix du mérite militaire), on retirera 28 éclats métalliques de sa jambe droite. En trois mois, et après plusieurs opérations, il peut remarcher à nouveau avec des béquilles.

 

hemingway Agnes Von Kurowsky

 

Aimer une belle infirmière

Pendant cette longue hospitalisation, il rencontre Agnès Von Kurowsky une infirmière originaire de Pennsylvanie, brune, grande, gracieuse, cheveux sombres et aux yeux gris-bleus.
Son aînée de sept ans. Jolie, brillante, spirituelle, joyeuse et sérieuse à la fois. Après le décès de son père en 1910, Agnès a pris un travail à la bibliothèque publique de Washington.
Elle suivra une formation pour devenir infirmière. A l'entrée de l'Amérique dans la Première Guerre Mondiale en 1917, elle s'est appliquée à rejoindre la Croix-Rouge. Après une formation additionnelle en France, Agnès et ses compagnes ont été envoyées par train dans le nord de l'Italie.
Agnès s'occupe alors d'Ernest blessé, transporté en ambulance vers l'hôpital militaire de Trévise, où on lui administre de la morphine et des vaccins anti-tétaniques.


- vous êtes trop jeune pour vous appeler Ernie. Je vous appellerai M. Kid.
- dans ce cas je vous appellerai Mme Kid. Ok ? "


Hemingway a 19 ans quand il tombe amoureux de cette américaine de 26 ans.
De jours, ils sont patient et infirmière, la nuit ils sont amants. " Je suis amoureux " écrit Ernest à ses parents. Elle l'appelle Ernie, Kid (gamin), Mr Kid, et signe Mrs Kid. Elle est amoureuse avec une certaine dose de prudence.
Elle est déjà une jeune femme, et juge Ernie trop jeune pour une relation sérieuse ou durable.
Pendant la convalescence d'Ernie, et qu'il recommence à marcher, les deux amoureux explorent Milan et vont même à l'opéra.
Il lui envoie 52 lettres durant cette liaison. La première date du 25 septembre 1918. Hemingway se trouve provisoirement à Stresa. La dernière lettre date du 7 mars 1919. Les lettres envoyées par Hemingway ont été brûlées, victimes de la jalousie du fiancé d'Agnès. Le règlement de la Croix rouge était strict ; les relations sentimentales étaient interdites. La correspondance entre Agnès et Ernest était clandestine.

En octobre, Hemingway retourna au front, puis revint à Milan pour une jaunisse. Ils se revirent alors une semaine avant qu'Agnès ne soit transférée de nouveau dans un autre hôpital à Trévise. Ils s'y rencontrent le 9 décembre 1918. Elle lui annonce qu'elle ne passera pas les fêtes avec lui.
Agnès apprécie le plaisir de se sentir désirable et séduisante. Les médecins italiens la courtisent. En mars elle lui écrit sa dernière lettre - une lettre de rupture un peu maternelle - à ce jeune amoureux, son " Kid ", qu'elle n'aime plus d'amour parce qu'elle vient de donner son coeur à un Italien qui désire l'épouser. Ce qui ne se fera pourtant pas, la future belle famille vénitienne ne voulant pas d'une Américaine.
Interrogée plus tard, elle dira que pour elle il s'agissait d'un simple flirt, en dépit des 52 lettres échangées en six mois.

En Janvier 1919, Hemingway quitte l'hôpital, continue à lui écrire. Alors qu'ils avaient décidé quelques mois plus tôt, dès sa sortie de l'hôpital de retourner aux États-Unis pour se marier, Ernie rentre seul aux USA, il espère qu'elle l'y rejoindra pour l'épouser.
Agnès Von Kurowsky a décidé qu'elle devait finalement le convaincre que la relation était finie. Le 7 Mars 1919, elle écrira à Hemingway :
" Ernie, cher gamin,
Je vous écris tard dans la nuit après une longue réflexion, je crains que cela puisse vous faire du mal, je suis sûre que ce ne peut vous nuire de façon permanente.
Je tentais de me convaincre qu'il s'agissait d'une véritable histoire d'amour. Après quelques mois loin de vous, je sais que je suis toujours attachée à vous, plus comme une mère  qu'une amie.
Gamin, pouvez-vous me pardonner un jour pour vous avoir inconsciemment trompé ? Je ne suis pas vraiment mauvaise, je ne veux pas faire du mal. Je me rends compte que c'était ma faute dès le début. Je me sens qu'un jour je serais fière de vous.
Je pense à me marier bientôt. J'espère et prie pour que vous seriez un jour en mesure de me pardonner, de commencer une belle carrière et de montrer l'homme vous êtes vraiment. Avec mon admiration et ma tendresse,
Ton amie, Aggie "

On ne connait pas la réponse d'Hemingway à cette lettre de rupture. Dans une lettre de Juin 1919 à son ami Howell Jenkins, Hemingway écrit :
" Je l'ai aimée, elle m'a largué. Je ne lui donne pas tort. J'ai fait en sorte de cautériser son souvenir et je l'ai brûlé avec de l'alcool et d'autres femmes et maintenant c'est envolé ".

 

hemingway amour et guerre

 

Un souvenir "envolé" mais pas entièrement.

Agnès Von Kurowsky va inspirer le personnage de Catherine Bakley, belle et infirmière américaine qui soigne et tombe amoureuse d'un soldat américain dans un hôpital italien en 1929 dans le roman "A Farewell to Arms" (l'adieu aux armes).
Leur histoire est le scénario d'un film en 1996, In Love and War (Le Temps d'aimer), réalisé par Richard Attenborough, et interprété par Sandra Bullock, Chris O'Donnell, Mackenzie Astin.

Hemingway n'a jamais revu Agnès Hannah von Kurowsky. Il a reçu une lettre d'elle, le félicitant pour son premier mariage, et lui disant qu'elle était fière d'avoir connu son " Kid ".


Hemingway va utiliser ses expériences en Italie comme base de plusieurs nouvelles. Les personnages de romans basés sur Kurowsky apparaissent dans les nouvelles, les neiges du Kilimandjaro ou l'Adieu aux armes.

 

 

 

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Larsson: peindre le bonheur familial

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Larsson  dessine son bonheur en famille 

Il est un des peintres suédois les plus connus ; Larsson est célèbre pour ses aquarelles réalisées pour la plupart dans sa maison à Sundborn, où il vivait avec sa femme artiste et ses enfants pendant les années 1880.
Son style de peinture est bien identifiable riche en couleurs. Ce style ne reflétait pas la personnalité du peintre éprouvé par des épisodes de dépression, de difficultés et de doute.

Carl Larsson est né en 1853 dans le vieux Stockholm. A l'époque, la suède connait de mauvaises récoltes et les épidémies de choléra sévissent. Dans ce contexte dramatique, de nombreux suédois émigrent outre atlantique.


Les parents de Larsson vivent dans un quartier misérable, le père manœuvre et la mère blanchisseuse.
C'est de son grand-père peintre- artisan que son goût de l'art lui vient. Son instituteur le remarque et l'inscrit à 13 ans à l'école préparatoire des beaux arts. Il suit le cursus et est aussi caricaturiste dans le journal satirique Kasper. Il a un talent pour les esquisses et dessins pris sur le vif, il entre comme dessinateur au Ny illustrerad Tidning où il reçoit un salaire ce qui lui permet d'aider ses parents. Il veut devenir peintre officiel.
Par la suite, avec un ami il part à Paris et vit à Barbizon dans la petite colonie de peintres suédois expatriés en France, il y découvre la technique de l'aquarelle. Dans le cadre campagnard de Greze en Loing (près de fontainebleau), il est influencé par l'impressionnisme et sa palette devient plus fluide, transparente. Il peint en plein air célébrant la beauté de la nature. Il rencontre le mécène Furstengerg qui l'encourage, et en 1879 Karin Bergöö qu'il épouse, artiste-peintre également, elle lui offre un cadre familial serein propice à son art et il illustre des livres (les contes d'Andersen). Sa notoriété s'envole le jour où des éditeurs publient ses peintures et aquarelles sous forme de livrets illustrés en couleurs notamment en Allemagne (la maison sous le soleil) où ces publications conquièrent un public enthousiaste.

 

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A partir des années 1890, comme ses contemporains, ses aquarelles subissent l'influence des estampes japonaises avec un style plein de concision et une absence de relief et d'ombre en soulignant de noir ces sujets.
Ces aquarelles intimistes reflètent au détail près, sa vie de famille, sa maison que ces illustrations vont faire connaître au grand public. L'intérieur joliment décoré par sa femme Karin avec meubles élégants, boiserie claire, tapis coloré, étagères sur mesure, agencement spacieux et lumineux de la maison familiale vont diffuser une atmosphère douillette, un style de vie et le design moderne gustavien.

 

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Ses aquarelles sont une ode à la joie de vivre à la campagne et à la famille.
Les enfants faisant des boules de neige, se baignant l'été à la rivière, jouant des pièces de théâtre, ou avec les animaux de la ferme, la famille déjeunant en plein air etc.

 

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Ces aquarelles ont des thèmes simples et amusants et relatent comme des bandes dessinées ou des mangas, le quotidien familial dans un cadre calme et apaisé.

 

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On peut penser que cet hymne à la famille et aux joies simples furent un baume au cœur de cet homme dont l'enfance fut si misérable avec un père qui le détestait et qui lui manifestait tant de colère.

 

Cet amour des siens, de cette vie de famille heureuse, le bonheur d'être ensemble transparait, nous interpelle et nous rappelle que les joies simples du bonheur familial restent une valeur recherchée voire inégalée.

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De la romance aux films romantiques

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Films romantiques: bougies, Jazz et mer au loin

Les histoires d'amour nous sont familières, variées dans leur intensité, dans leur fin et selon les cultures, et selon les époques. Généralement, une histoire d'amour exige une dose de romance. L'attirance devrait être embellie de rêves, de rituels, de cadeaux, et de couleurs. Un homme aime une femme, il essaie de la séduire, dans un milieu plus ou moins hostile. Voilà comment se présente la formule de base de toute romance.

Dès ses débuts, le cinéma américain joua la carte de la romance comme genre populaire. Pendant la première moitié du 20ème siècle, les "bonnes" relations amoureuses se terminent en mariage. La nuit de noce après le fameux baiser était la fin heureuse d'une longue romance. Le cinéma rejoint la littérature pour produire des histoires sur les relations et les émotions.

 

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Amour romantique : thèmes imposés

Les films romantiques explorent certains thèmes : l'attirance, le coup de foudre, l'amour romantique, l'obsession amoureuse, l'amour platonique, amour sexuel et passionné, le couple, la rencontre et la séduction. Il n'existe pas de définition qui désigne un film de romance. C'est une histoire d'amour, avec quelques difficultés ou obstacle, qui déroule dans des lieux réputés romantiques par ex comme l'automne à New York sur un morceau de Jazz, à des moments particuliers comme la Saint valentin, ou au bord de la mer, dans les musées, ou à central Park. Chaque film a sa recette pour créer sa romance. Ces "histoires de relations" ont fini par influencer le discours de la société sur l'intimité, et sur les relations. Ces histoires écrites ou filmées sont à la base de la psychologie populaire. Ces films de romance ne détaillent plus comment un homme peut séduire une femme, mais comment évolue la relation, comment évolue le mariage, comment évoluent les relations extraconjugales.

Dans certains livres, comme dans certains films, il s'agit d'analyses plus ou moins simples sur l'intimité, sur les échanges dans le couple, sur les crises du mariage.
Récemment, on parle plus de la rencontre que du couple, Le discours dominant sur le couple et l'intimité n'est plus "Jusqu'à ce que la mort nous sépare ", mais plutôt un discours sur l'émotion, sur les relations, sur le rôle de l'autre dans notre vie. Si la littérature de romance a été considérée comme un genre littéraire secondaire aux États-Unis, le cinéma de romance a fait un progrès extraordinaire sur le plan technique, commercial, comme sur le plan de scénario. L'amour romantique moderne est l'enfant du cinéma hollywoodien, est le cousin de ces romans d'amour destiné aux femmes.

Dans ces films de romance, l'amour est roi, les hommes découvrent qu'ils ont besoin d'une relation et les femmes développent une meilleure estime du féminin dans le sillage de la deuxième vague du féminisme. Depuis les années 1970, le sexe est devenu une partie de la relation. Un film de romance doit avoir sa dose de sexe. C'est le cas des romans d'amour aussi. Le sexe marque le début de la relation, juste après l'attirance, et devient une question importante, quand le couple s'installe dans une relation sérieuse.

 

Amour romantique, consommation et capitalisme


De nombreux facteurs ont participé à la naissance de cette culture de l'amour romantique moderne : Au XXe siècle, la culture de la consommation encouragée par la recherche individualiste de l'amour, a institutionnalisé l'amour romantique et la culture de la romance. La consommation n'est pas seulement une culture matérialiste, mais une culture émotionnelle. Cette culture de la consommation a largement utilisé l'image du couple heureux et amoureux pour vendre des produits, et pour passer le message de la sécurité, et de l'autoréalisation dans une interaction romantique entre un homme et une femme. L'industrie des loisirs a utilisé l'image des couples pour vendre un film ou pour aller au restaurant. Le romantisme hollywoodien se définit par des repères visuels, par certaine atmosphère : Un dîner romantique se passe généralement dans un lieu isolé, élégant, à proximité de la mer par exemple, avec un rituel particulier comme les bougies, et la musique.

 

 

 


L'amour romantique moderne est une sorte d'utopie, un récit qui permet à l'être humain de dépasser sa condition ; l'utopie romantique décrit l'autoréalisation, l'authenticité, et le bonheur atteint dans une expérience amoureuse. Un des principaux facteurs est la distinction entre la sphère privée et la sphère publique.

 

L'amour devient le fondement de la sphère privée, et de plus en plus son unique fondement. L'amour romantique ne peut s'épanouir en dehors d'une culture individualiste.

 

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Film culte : Un singe en hiver

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Singe en hiver, poésie et d'ivresse

Un film de 1962, d'Henri Verneuil avec Jean Gabin, Jean-Paul Belmondo, Suzanne Flon.
Ce film prouve que le cinéma peut être une réussite sans effets spéciaux et sans vulgarité. Excellente comédie, à partir du roman d'Antoine Blondin, Verneuil réalisateur, Michel Audiard dialoguiste, Michel Magne à la musique, et deux comédiens brillants Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo.
Un des meilleurs films du cinéma français, une belle histoire d'amitié entre deux hommes. On peut dire que c'est le meilleur rôle de Belmondo. Dans ce film, il est jeune, beau, lumineux. Il est à la fois léger et vulnérable, inconscient et grave.


Si vous pensez que c'est parmi les meilleurs rôles de Gabin et de Belmondo, je suis d'accord avec vous. Un feu d'artifice du 7ème art, comme le spectacle pyrotechnique qui termine ce chef d'œuvre.
Fin connaisseur de littérature, Audiard proposa d'adapter le roman éponyme d'Antoine Blondin, qui avait obtenu le prix Interallié en 1959 ; un chef-d'œuvre de littérature, d'une plume sensible et talentueuse.
A sa sortie, en mai 1962, l'histoire ne fait pas l'unanimité. Parmi les rares critiques positives, on cite Jean Rocheteau dans La Croix : "Je sais je ne devrais pas écrire cela. Ce n'est pas bien, certes, de soutenir une œuvre querellée par le ministère de la santé publique mais qu'y puis-je si Un Singe en Hiver m'a mis le printemps au coeur." La réussite populaire est au rendez vous.

 

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Histoire simple : vin, voyage, ivresse  

 
L'action se situe en 1944 à Tigreville sur la côte normande aux environs de Deauville. Albert Quentin (Jean Gabin) ancien fusilier-marin d'indochine tient avec sa femme Suzanne (Suzanne Flon) l'Hôtel Stella. Albert, accro à la bouteille, promet à Suzanne de ne plus toucher une goutte d'alcool si leur hôtel échappe aux bombardements. L'hôtel tient bon, promesse tenue !

 


15 ans plus tard débarque Gabriel Fouquet (Belmondo) qui, lui, boit pour oublier l'échec de sa vie sentimentale avec Claire, qui vit à Madrid alors que leur fille est pensionnaire à Tigreville.
Les deux hommes, qui n'ont pas "le vin ni la cuite mesquine", vont connaître deux jours euphoriques, heureux, poétiques mémorables pour eux, et pour les habitants grâce à l'ivresse. L'un va retrouver l'Espagne, l'autre...la Chine.
L'apothéose de cette soulographie s'achèvera par un feu d'artifice (dantesque) sur la plage... Puis...chacun retournera à sa vie d'avant.

 

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Les films cultes sont composés de scènes cultes


On trouve dans ce film des perles, un mélange délicieux de la plume de Blondin et d'Audiard comme cette tirade de Quentin :


" Les princes de la cuite, les seigneurs, ceux avec qui tu buvais le coup dans le temps, mais qui ont toujours fait verre à part. Dis-toi bien que tes clients et toi ils vous laissent à vos putasseries, les seigneurs ; ils sont à cent mille verres de vous. Eux, ils tutoient les anges. Vous avez le vin petit et la cuite mesquine ; dans le fond, vous ne méritez pas de boire. "


Ou encore ce dialogue mémorable de Quentin :  


- Je ne vous apprendrais rien en vous rappelant que Wang-Ho veut dire fleuve jaune et Yang-Tse-Kiang fleuve bleu. Je ne sais si vous vous rendez-compte de l'aspect grandiose du mélange : un fleuve vert, vert comme les forêts, comme l'espérance. Matelot Hénault, nous allons repeindre l'Asie, lui donner une couleur tendre. Nous allons installer le printemps dans ce pays de merde !


Le lundi 22 septembre 2014, cinquante-deux ans après le tournage du film, Jean-Paul Belmondo est revenu dans la commune de Villerville (tigreville) pour recevoir un hommage largement mérité pour son talent et sa carrière exceptionnelle. Le public n'a pas oublié le grand acteur Belmondo ni ce grand film qui est devenu un des trésors du cinéma français.
L'année dernière, hommage à Lyon à Belmondo. Quand on demande à l'acteur quel film projeter pour cette soirée d'hommage, il choisit bien sûr un singe en hiver.     

 

 

 

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De Caruso à Pavarotti : rendre l'opéra populaire

caruso opera lyrique

 

Caruso:  l'opéra comme une chanson  

Tout le monde se souvient de Pavarotti et ses tournées mondiales réunissant la foule au champ de Mars ou à Coven Garden en compagnie de Queens, U2 ou Elton John ou encore de ses deux amis Dominguez et Carreras. Pendant ces concerts, Pavarotti et les autres ténors captivaient l'attention de leur public en interprétant des airs lyriques populaires. Ils prolongeaient ainsi une belle tradition.

 

Avant Pavarotti, un autre italien enchanta le monde avec les airs populaires de l'opéra : il s'agit d'Enrico Caruso, le célèbre ténor à la voix d'or.
Il est né à Naples en 1823 dans un milieu modeste d'un père mécanicien. Avec le soutien de sa mère, il est choriste à l'église et chante aux terrasses des cafés les airs populaires napolitains. Par la suite il suivra durant 3 années des cours de chant pour se préparer à faire carrière à l'opéra. En 1885 avec de grande difficulté, il débute à l'opéra.

En 1897, il est devenu un artiste reconnu, et vit de son métier. Il tombe amoureux d'Ada Giachetti-Botti, soprano étoile avec laquelle il chante la Traviata. Ces représentations furent un succès éblouissant pour les deux chanteurs. Ada bien que mariée et mère, quitte son mari pour devenir la compagne de Caruso et la mère de ses deux premiers garçons, Rodolfo et Enrico.

Avec l'aide d'Ada, Caruso améliore sa technique vocale, sa carrière lyrique s'envole. En 1989 il crée Fedora, célèbre opéra de Giordano, un immense succès. En 1900 il fait ses débuts à la Scala dans la Bohème sous la direction d'Arturo Toscanini, ce dernier dira : " si ce Napolitain continue à chanter ainsi, le monde entier parlera de lui ".

En 1902 il chante à Covent Garden, et réalise le premier enregistrement sonore de sa voix. Caruso rencontre Gaisberg ingénieur du son et représentant de la compagnie Gramophone qui l'entend pour la première fois et qui cherche des chanteurs pour lancer cette nouvelle technique d'enregistrement de musique sur cylindrique (avant la création du disque vinyle).
Caruso est enchanté. Il enregistre dix morceaux de deux heures pour une belle somme d'argent. Gaisberg déclara que les enregistrements de Caruso " avaient mis au monde le gramophone ". L'enregistrement de Caruso fut publié en 1903 comme le premier du label Victor Red Seal (le phoque rouge), et le premier enregistrement de Nipper, le chien de "La Voix de son maitre" logo de (HMV), écoutant le pavillon du gramophone.

Les premiers enregistrements du chanteur se vendent à plus d'un million d'exemplaires malgré la rusticité des gramophones de l'époque.

En 1903 à 30 ans il débute au Met de New York dans Rigoletto.
Acclamé par la critique, il va conquérir New York et devenir la coqueluche de cette ville et le Met son théâtre pendant 17 ans. Il va y créer la plupart des rôles de ténors italiens et devient célèbre et riche. Il fera de nombreux enregistrements sonores qui participeront à sa célébrité. Il est une personnalité joviale, une cour d'admirateurs s'installe autour de lui qu'il subventionne généreusement.
Il sillonne les états unis, l'Amérique du sud et devient une star.

En 1908, Ada le quitte brutalement lasse de tous les sacrifices consentis (de son mariage à sa carrière), elle abandonne son argent, ses maitresse et son succès.
A partir de 1909, des ennuis de santé surviennent, la première guerre mondiale le prive de l'Europe.
Il rencontre la jeune américaine Dorothy Park Benjamin qu'il épouse en 1918, et avec qui il aura une fille l'année suivante.

En 1920 il retourne à Naples se reposer mais y meurt d'une septicémie suite à un abcès mal soigné, les antibiotiques étant inconnus à l'époque, il a 48 ans.

L'Italie décrète un deuil national, il est un modèle pour les ténors de toutes les époques.

Il est possible d'écouter ses enregistrements de grands airs d'opéra ou de chansons traditionnelles parmi lesquels : Una furtiva lagrima, Addio a Napoli, Celeste Aida (Aida), Amore o grillo (Madama Butterfly), Vesti la giubba (I pagliacci), Libiamo ne' lieti calici (La traviata).

 

 

Daniel Auteuil dans la fille du puisatier (2011) a choisi pour la bande d'annonce la musique d'une chanson de Caruso, et termine son film sur une image tendre et nostalgique de la famille réunie avec core'ngrato (cœur ingrat) de Caruso (remixé par Alexandre Desplat) :

Les paroles de cette chanson populaire italienne sont simples :


Catarì, Catarì, Pourquoi me dire ces paroles amères,
Pourquoi tu me parles et tu me tourmentes le cœur, Catari ?
N'oublie pas que je t'ai déjà donné mon cœur, Catari N'oublie pas !
Catarì, Catarì, que veulent dire ces paroles qui me donnent des spasmes ?
Toi, tu ne penses pas à ma douleur, toi, tu n'y penses pas, tu ne t'en soucies pas
Cœur, cœur ingrat Tu as volé ma vie, tout est fini et tu n'y penses plus
Catarì, Catarì, Tu ne le sais pas, que même jusqu'à dans l'église
Je suis rentré et j'ai prié Dieu, Catarì Et je l'ai même dit au confesseur :
Je suis en train de mourir Pour celle là !
Je souffre, Je souffre, vous ne pouvez pas le croire,
Je souffre tous les tourments ! Et le confesseur, personne sainte,
M'a dit : Mon fils, laisse la, laisse la
Cœur, cœur ingrat
Tu as volé ma vie
Tout est fini
Et tu n'y penses plus

 

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Cabaret vert à Charleville et non pas à Charleroi

cabaret vert Rimbaud

 

Cabaret vert : Charleville fête Rimbaud 

En hiver 1870, Rimbaud continue ses voyages. Cette fois, il est en Belgique, ce pays voisin des Ardennes qu'il aimait fréquenter et passer du temps. Il arrive à Charleroi, il se restaure dans une auberge. Il écrit son poème, léger, enjoué le cabaret vert, comme on écrit dans son récit de voyage ou actuellement comme dans un blog.

 

Au cabaret Vert

"Depuis huit jours, j'avais déchiré mes bottines
Aux cailloux des chemins. J'entrais à Charleroi.
- Au Cabaret-Vert : je demandai des tartines
De beurre et du jambon qui fût à moitié froid.
Bienheureux, j'allongeai les jambes sous la table
Verte : je contemplai les sujets très naïfs
De la tapisserie. - Et ce fut adorable,
Quand la fille aux tétons énormes, aux yeux vifs,
- Celle-là, ce n'est pas un baiser qui l'épeure ! -
Rieuse, m'apporta des tartines de beurre,
Du jambon tiède, dans un plat colorié,
Du jambon rose et blanc parfumé d'une gousse
D'ail, - et m'emplit la chope immense, avec sa mousse
Que dorait un rayon de soleil arriéré."

Octobre 1870

Selon la pléiade, il n'y a jamais eu de cabaret vert à Charleroi, mais une maison verte, auberge avec une façade peinte en vert, meubles verts et une enseigne verte.
Certains habitants prétendent que la serveuse était une flamande prénommée Mia.
Dans ce texte, Rimbaud nous raconte le bonheur simple d'un voyageur qui se repose, prend un repas accompagné du sourire d'une jolie serveuse.
C'est un texte de jeunesse, un moment d'enchantement, différent des autres textes de Rimbaud, parfois plus sophistiqués ou plus mystiques.
Il était jeune, il avait 17 ans, aimait la vie. Le poète transforme une auberge en cabaret et immortalise la belle flamande rieuse.

Depuis plusieurs années, le cabaret vert n'est plus à Charleroi, mais un festival de rock à Charleville Mézières sur les bords de Meuse.


Rimbaud n'aimait pas sa ville natale, comme Mozart n'aimait pas Salzbourg, deux enfants rebelles qui voyagent loin, puis reviennent, plus tard, pour toujours dans la mémoire et les cœurs des habitants.
Plus le talent, un point commun entre Mozart et Rimbaud.


Ce festival semble grandir d'année après année avec ses deux piliers écologie et rock.
Rimbaud aurait aimé discuter écologie et écouter du rock,
Rimbaud a dit :

" Il faut être absolument moderne. "

 

 

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5 chefs d’œuvre de la peinture : Vénus

Les mythes sont des histoires que nous nous racontons. Ils sont les idées qui fleurissent dans nos vies. Les mythes sont des croyances religieuses simplistes et infantiles disent certains, mais dans notre civilisation fondée sur la raison, les mythes continuent à nous influencer pour expliquer ce que nous ne pouvons pas expliquer.

 

Aphrodite, vénus et  la peinture

L’archétype d’Aphrodite a capturé l’imagination humaine, en occident, au moyen orient, en méditerranée, comme symbole de désir et d’attirance sexuelle.

Aphrodite est la femme dans sa complexité, la mère dévouée, la séductrice, l’attirante, la séductrice, la jalouse, la fidèle et l’infidèle.

Séductrice ultime, elle prend plaisir à soumettre les autres par la force de sa beauté et de sa séduction, par ses attributs physiques qu’elle accorde comme un don à ses amants.

Elle met les hommes et les femmes ensemble, encourage l’amour et le couple, et rend les femmes désirables. Adorée par des artistes de sa naissance à nos jours, de Botticelli aux bandes dessinées les plus récentes, représentée nue ou drapée, habillée avec son sourire légendaire, moqueur, séduisant, et surtout belle.

 

venus titien

 

Titien et Vénus

Titien, 1538 (Tiziano Vecellio ou Titien (1488- 1576) à Florence.
En hommage à son maître, Titien s'inspira de la " Vénus endormie " de Giorgione, et réalisa un tableau similaire. Cette Vénus d'Urbino est située dans un cadre intérieur, parfaitement éveillée, avec un geste " pudique" de la main, exprime un certain coté lascif.
Titien nous fait définitivement sortir de l'antiquité pour nous inviter à une nouvelle forme d'expression contemporaine, celle de la Renaissance, car en dépit de sa nudité, son regard nous toise sans aucune inhibition pudique.
Pour la première fois, un peintre se permet de ne plus faire directement appel à un thème d'ordre mythologique ou biblique pour exposer un corps nu ; Titien propose une esthétique féminine dans sa forme la plus naturelle, belle, et épanouie.

Le coquillage traditionnel ayant disparu pour se métamorphoser en animal familier. Le chien symbole de fidélité, et aussi du désir charnel. Un superbe coucher de soleil se voit dans l'embrasure de la fenêtre.

 

venus Botticelli

 

La naissance de Vénus. Botticelli


XV siècle, Florence, Sandro Botticelli (1445- 1510).
C'est un tableau majeur de Botticelli, peint vers 1485, conservé aux Offices de Florence. Il a osé en dépit d'un christianisme hostile au corps n'acceptant que des femmes pécheresses punies et chassées du paradis.
L'action du tableau est simple. Venus sort de l'eau sur une coquille, conduite sur le rivage par le dieu du vent au milieu d'une pluie de roses. Lorsqu'elle va poser le pied sur la terre, une nymphe, l'une des Heures, l'accueille avec un vêtement pourpre.
Une pluie de rose accompagne la déesse de l'amour comme l'avait décrite le poète grec Anachréon (580 -495 av. J. C.). Les anémones à ses pieds et sa robe parsemée de bleuets annoncent le printemps, saison durant laquelle Vénus fait revenir la beauté et la vie après les rigueurs de l'hiver.
Le manteau pourpre présenté à la déesse sur le rivage n'a pas seulement une fonction esthétique, mais aussi une signification rituelle, il marque la frontière entre deux domaines : le nouveau né comme le mort était toujours enveloppé dans un linge rouge.

La Vénus de Botticelli est si belle que nous ne remarquons pas la longueur artificielle de son cou, la chute excessive de ses épaules et l'étrange façon dont son bras gauche est relié au corps.

 

venus bouguereau

 

Toilette de Venus, Bouguereau


1873, musée des beaux arts, Buenos Aires, William Bouguereau (1825 - 1905).
Fidèle à la peinture académique, Bouguereau dessine une Vénus seule, au bord de l'eau, pour nous offrir un nu académique qui porte la marque Bouguereau : réalisme presque photographique. Elle est prés d'une rivière, ou sur la rive de l'océan. Derrière elle, il y a des branches et le feuillage, puis des rochers pour la
protéger des regards. Elle regarde le spectateur, avec une expression sereine et amicale. Elle est à l'aise.

Son corps est d'une taille élancée à la peau lisse, seins fermes et juvéniles, taille fine, hanches étroites et les jambes bien en forme élégantes lisses. Elle est accroupie, pied gauche coincé sous elle, assise en équilibre avec élégance sur le terrain. Sur la gauche, ses bijoux sont placés dans une pile ordonnée sur le sol après avoir été retiré avant le bain.
C'est une belle femme comme on les aimait au 19ème siècle, bonne santé, peau blanche, quelques rondeurs. Sa nudité est plus réaliste qu'académique, montrée entièrement sauf le bas ventre dissimulé par la jambe droite.

 

venus cabanel

 

Naissance de Vénus, Alexandre Cabanel,


1863, musée d'Orsay, Alexandre Cabanel (1823-1889).
La Naissance de Vénus est l'un des plus grands succès de Cabanel, tableau acquis par l'empereur Napoléon III pour sa collection personnelle. Selon les principes de la peinture d'histoire, la déesse est peinte grandeur nature. Elle repose sur les vagues (Aphrodite anadyomène " celle qui sort de la mer ". De petits Amours forment une guirlande au-dessus d'elle).
Le corps de la déesse est idéalisé : les contours sont définis, les courbes sensuelles accentuées, toute pilosité a disparu. La position alanguie, les bras rejetés derrière la tête, le sourire et le regard coulés vers le spectateur ne sont pas dénués d'ambiguïté.

Émile Zola écrivit : " La déesse, noyée dans un fleuve de lait, a l'air d'une délicieuse lorette, non pas en chair et en os, cela semblerait indécent, mais en une sorte de pâte d'amande blanche et rose. Cet heureux artiste a résolu le difficile problème de rester sérieux et de plaire. "

 

venus Veronese

 

Vénus et Adonis dormant, Véronèse.


XVI siècle. Museo del Prado à Madrid.
Véronèse a réussit une toile magistrale qui mérite le détour, et une longue observation.
Torpeur du jeune homme et douceur champêtre de l'instant sont ainsi minées par l'annonce de la mort prochaine d'Adonis, déchiré par un sanglier au cours d'une chasse. Spectacle du bonheur et de la douceur de vivre, et aussi l'image du bonheur perdu.

Le sommeil d'Adonis préfigure sa mort. Les chiens et l'Amour, images de la modération et de la fougue des sentiments, suggèrent l'harmonie du couple. Selon un code suivi par Véronèse, l'amant mortel, vêtu de rouge, couleur de la passion, pose sa tête sur les genoux de la déesse, dont la semi-nudité parée de bijoux
exprime la volupté.


Cette toile témoigne de l'intérêt nouveau que Véronèse porte au paysage. Les personnages s'intègrent dans une nature qui semble refléter les sentiments ou la tension psychologique qui sous-tend le sujet. La lumière solaire dore le corps de Vénus et fait miroiter les feuillages protecteurs sur un ciel tendre et changeant. Mêlant mythologie, érotisme et observation psychologique, Véronèse donne à cette toile une densité lumineuse.

 

 

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Pathé et Gaumont : deux génies du cinéma français

pathe gaumont

 

Pathé et Gaumont  et le cinéma français

A chaque fois que je regarde un film, je suis saisi par le jeu des acteurs, par le scénario, conscient de la difficulté du réalisateur à transformer un texte en images. Je pense au producteur quand les logos familiers de Gaumont avec sa marguerite et de Pathé avec le fameux coq gaulois apparaissent.
On connait les noms Pathé et Gaumont, firmes de production de film mais qui connait les deux hommes et leur immense succès.

 

Deux personnages; génies et bagarreurs productifs.

La chaine Arte vient de diffuser, mardi 16 août, un reportage enrichi de nombreux documents d’archive sur cette époque si prometteuse.
Mais c’était quand ? C’était il y a un siècle ; à l’époque des écrans argentiques diffusant des films muets en noir et blanc.

 

fantomas feuillade film

 

En lisant leurs biographies ou en regardant des reportages, on est surpris de voir combien la concurrence acharnée fut productive, et combien l’ingéniosité, la perspicacité et la modernité de ces deux hommes se sont avérées pleines de succès. Ils ont démontré leur avance sur leur époque, et leur grande capacité à anticiper les évolutions dans ce milieu neuf et créatif du cinéma au début du 20ème siècle.


Cette avance technologique et industrielle sera ralentie par la première guerre mondiale, laissant le champ libre à l’industrie du cinéma américain.

On connait les noms des Frères Lumière, inventeurs du cinéma, le nom de Méliès et sa production pleine de créativité, suivront deux géants, hommes d’industrie. Charles Pathé et Léon Gaumont furent de véritables créateurs à leur époque. L’optimisme et l’ingéniosité de ces deux personnages s’affrontaient dans une compétition bénéfique pour le cinéma français sur le plan de la production, distribution et réalisation,
Ils ont transformé le cinéma débutant en 7ème art.

 

pathe affiche

 

Charles Pathé homme avisé et doué dans les affaires a réussi à créer des succursales et des alliances en Europe (Belgique et Espagne) et aux USA pour la production de films.
Léon Gaumont avec ses réalisateurs Alice Guy puis Louis Feuillade inventa le cinéma « esthétique » un genre qui se voulait bourgeois et recherché à l’opposé du cinéma populaire et comique de Pathé avec son cinéma burlesque de Max Linder.
Gaumont ingénieur de formation inventa avant tout le monde, le cinéma couleur et le parlant.

Tous les deux sont à l’origine des série-feuilletons à suspense, genre nouveau qui laisse le spectateur en haleine, comme les aventures de Pauline (aux USA), les mystères de New York, les vampires, Fantômas, Judex et autres.
Après de longues années de rivalité et compétition, ils ont fini par devenir amis après leur retraite. De vieux amis mêmes.

 

pathe affiche exploits elaine

 

On peut se demander qui aura la bonne idée de créer une série-télé, sur la vie de ces deux hommes, eux qui ont produit et inventé le cinéma d’aujourd’hui.

Pour savoir plus : Arte

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Amour : maladie, folie ou addiction ?

amour passion

 

Amour : émotion, sentiment ou addiction ?

Isaac singer disait que l'amour est plus fort que les convictions d'un homme.
Omar Khayyâm disait : "L'amour qui ne ravage pas n'est pas l'amour." On peut disserter sur l'amour pendant des heures, on finira par admettre que l'amour, et surtout l'amour romantique fait partie des mystères de la vie, de l'humanité.

L'amour est un sentiment plus complexe qu'une émotion. Il est difficile à définir, il est différent d'une personne à autre.

On reconnait facilement ce sentiment par ses conséquences et ses symptômes. On identifie le sentiment amoureux comme on identifie la grippe ; après le début des symptômes, on cherche la cause, on se questionne avant d'admettre qu'on est amoureux. L'amour est le sujet poétique par excellence. L'amour est un sujet philosophique également.

Aucun livre de poésie, de philosophie n'échappe à ce sujet. Cependant, la philosophie, la poésie ou les chansons ne peuvent pas aider réellement une personne qui souffre d'un amour non partagé ou non satisfait. Malgré des siècles de vaines tentatives à définir l'amour, la médecine et aussi la psychologie admettent l'existence de ce sentiment, admettent que l'amour est un besoin naturel et essentiel aux humains pour avoir une bonne qualité de vie, tout comme le besoin de se reposer, de dormir, ou de se divertir.

 

Par le passé, le sentiment amoureux était rattaché au "coeur". Le coeur des gens amoureux bat plus vite etc... réagit avant la rencontre amoureuse, ou après la déception ou la rupture. Progressivement, la relation entre le coeur et le sentiment amoureux devient métaphorique plus qu'organique, cette relation traduit combien le sentiment amoureux est vital et profond dans la vie humaine, aussi essentiel que le battement du coeur.

Dans l'amour romantique surtout, il existe au début de la rencontre une période d'euphorie et un sentiment profond de manque. La personne amoureuse exprime des sentiments étranges comme l'incapacité de vivre sans l'autre, des jugements excessifs et irréels sur les qualités de l'autre, et aussi des attentes déraisonnables vis à vis de l'être aimé. On retrouve ces moments d'euphorie surtout dans les amours des adolescents, avec des réactions parfois excessives, et parfois aussi dangereuses.


amour sexualiteLa passion comme folie-dépendance

Tu me rends fou. Elle me rends folle. Voila des phrases banales entre amoureux. Je suis fou de toi, traduit un comportement déraisonnable, un comportement de gens malades. L'amour peut rendre une personne incontrôlable, euphorique, et étrangère. L'adolescent amoureux peut devenir malade ou violent, peut négliger ses activités, peut avoir un comportement à risque. L'amour passionné était redouté au Moyen-âge.

 

La passion était une maladie, une folie en soi. Dans le passé, la passion amoureuse était nommée le mal d'amour, avant de devenir la maladie d'amour. Cette maladie d'amour était considérée comme une folie, une aliénation. Dans ces termes, on retrouve la maladie mentale sous une forme ou sous une autre. L'état amoureux peut faire surgir de chacun des faits étranges qui rappellent le comportement des malades mentaux. La personne euphorique en raison d'une attirance sexuelle débutante, ou en raison d'un amour romantique puissant perd sa capacité à être raisonnable, la passion devient l'ennemi de la raison, et de la sagesse. Dans la passion amoureuse, il y a la folie de l'attirance, la folie du manque.

Jean de la Croix écrivait :

 

"Je vis, mais sans vivre en moi-même, Et mon espérance est si haute, Que je meure de ne pas mourir."

 

Dans la passion, comme dans l'amour romantique, comme dans l'attirance sexuelle, il y a une euphorie, l'absence de limites, un manque cruel, une souffrance, et un comportement étrange. Curieusement, on a toujours noté que la séparation augmente ses symptômes, l'absence de la personne aimée et de sa sexualité aggrave les symptômes, et la souffrance de la personne.

 


baiser jeune coupleL'amour et le cerveau

L'évolution scientifique a permis une approche supplémentaire pour comprendre l'amour, pour comprendre précisément la biologie de l'amour. Le sentiment amoureux active des zones précises dans le cerveau humain identifiées par l'IRM (imagerie par résonance magnétique). D'autres approches scientifiques utilisant la neurobiologie permettent de cartographier les zones cérébrales activées pendant l'attirance, l'excitation sexuelle et l'épisode d'amour romantique.

Ces études ont suscité beaucoup d'intérêt à leurs débuts. Dans un journal de neurophysiologie, les chercheurs ont suivi l'activité cérébrale de 15 personnes (10 femmes et 5 hommes) auto-déclarées amoureuses. Les chercheurs ont comparé l'activité cérébrale de ces personnes après un contact avec le bien-aimé, un contact réel ou contact visuel par l'intermédiaire d'une série de photographies.

Les résultats montrent que le sentiment amoureux intense entraîne l'activation des régions riches en dopamine dans le cerveau comme le noyau strié qui abrite le centre du plaisir. Le sentiment amoureux entraîne l'activation de zones cérébrales associées à la motivation et à la recherche d'une récompense.

À partir de ces résultats de ce petit échantillon, les chercheurs ont formulé les premières conclusions : l'amour romantique est un état de motivation cérébrale à la recherche d'une récompense, l'amour romantique n'est pas une émotion, n'est pas un sentiment, mais une motivation.

La personne amoureuse est fortement motivée pour être avec son bien-aimé, à la recherche d'une récompense neurologique, c'est-à-dire à la recherche d'une satisfaction. La personne amoureuse se sent mieux, et plus satisfaite avec son bien-aimé.

 

Dans d'autres études publiées dans le journal de médecine sexuelle, l'activité cérébrale a été examinée chez 20 personnes, en utilisant l'I.R.M., après avoir visionné les photographies des personnes aimées ou désirées. Les auteurs ont dessiné une carte précise des ondes cérébrales activées pendant cette visualisation : le désir sexuel et l'amour romantique activent le noyau strié. L'amour romantique active une zone cérébrale nommée l'insula (ou le cortex insulaire) située au fond du sillon latéral.

Ainsi, on peut dire que le noyau strié est responsable de l'attirance initiale, du désir sexuel, alors que le cortex insulaire est responsable de transformer ce désir en amour, en associant les besoins inconscients aux comportements conscients.

 

couple champagneAmour dépendance

Cette découverte de la participation du noyau strié dans le sentiment amoureux entraîne une question simple : on sait déjà que ce noyau est responsable de la dépendance et de l'addiction chez l'être humain, par un processus d'anticipation du désir et de la récompense. Est-ce que l'amour romantique, ou l'attirance sexuelle sont une addiction ?

Dans les études récentes, aucune conclusion définitive n'est possible, par contre, on peut considérer l'amour comme une habitude constituée du désir sexualisé qui cherche une récompense.

Cette découverte de similitudes entre l'amour romantique et l'addiction comportementale (addiction sexuelle, addiction au jeu), entre l'amour romantique et l'addiction chimique (drogue, alcool) peut aider à expliquer certains comportements amoureux excessifs, voire obsessionnels. Dans certains cas, on retrouve dans le comportement amoureux un harcèlement, de la violence, suicide et dépression. L'amour romantique peut être considéré comme une forme de dépendance similaire à la dépendance aux sports, ou à l'exercice physique. En cas de manque, un sentiment d'inconfort surgit. En cas de manque sévère, un comportement agressif, violent ou dépressif peut apparaître.


En pratique

L'expérience amoureuse n'est pas une maladie, n'est pas un état pathologique. Pour la plupart des gens, on peut comparer le sentiment amoureux au plaisir du sport, au plaisir artistique, c'est un comportement joyeux, optimiste, sain, qui s'accompagne d'euphorie, de motivation et de projets. Ce sentiment amoureux est indispensable pour la survie de notre espèce comme les autres besoins essentiels de l'être humain.

Comme d'autres comportements, l'addiction peut surgir. En cas d'amour romantique, d'une attirance sexuelle forte, certaines personnes peuvent apparaître obsessionnelles, confuses, addictes ou même en état second car le contrôle cérébral raisonnable s'affaiblit, alors que d'autres personnes vont vivre la même expérience, les mêmes pensées et les mêmes sentiments d'une façon différente, avec motivation et esprit positif.

Schématiquement, en prenant l'approche neurobiologique, la relation amoureuse ou l'attirance sexuelle active des zones bien précises dans le cerveau, les mêmes zones responsables de la dépendance et de l'addiction, utilisant la même procédure : anticiper le désir, rechercher la satisfaction. Cet état amoureux évolue vers une relation modérée pour le reste du cerveau humain, s'accompagne d'émotions, de raisonnements, d'une construction consciente à la recherche de l'intimité, et de la relation durable.

 

Mais chez certaines personnes, surtout les personnes affectées d'anxiété, victimes de traumatismes pendant l'enfance, personne dépressive, ou souffrant d'une phobie sociale, l'amour romantique ou l'attirance sexuelle devient une addiction à la recherche d'un soulagement du stress, de l'anxiété, de la dépression ou de la phobie.

Ces personnes prolongent l'amour romantique, l'amour fusionnel, retarde autant que possible, la transformation de l'attirance sexuelle en intimité. La phobie sociale, la peur de l'intimité et ou la dépression invitent ces personnes, à la façon des toxicomanes, à rechercher leur soulagement sans aller plus loin. Dans ce cas, l'amour romantique et l'attirance sexuelle n'évoluent pas vers une relation, mais plutôt vers amour-dépendance, une dépendance affective.

On retrouve le même schéma en cas de rupture amoureuse. En cas de dépendance affective ou d'amour dépendance, la rupture amoureuse devient un sevrage, la personne souffre, refuse d'admettre ce sevrage, et peut manifester vis-à-vis de son partenaire un comportement de harcèlement, de chantage, ou parfois même un comportement violent et dangereux.

Cette approche théorique permet d'aider les personnes en souffrance après une rupture amoureuse ou en difficultés relationnelles. La personne serait invitée, avec l'aide de la thérapie, à comprendre déjà la nature du problème. L'amour n'est pas un problème en soi, l'attirance sexuelle n'est pas un état pathologique, mais peuvent devenir problématiques en dévoilant une dépression, une anxiété, ou une phobie sociale, etc. Le traitement pourra aider à soulager l'anxiété ou la dépression, l'amour romantique peut évoluer vers une relation durable apaisée, de même la rupture amoureuse peut être ainsi mieux acceptée, et rapidement oubliée.

Il s'agit d'un schéma de neurobiologie pour conceptualiser l'amour romantique et l'attirance sexuelle. Ce schéma ne peut tout expliquer bien sûr, mais il a sa place avec les autres schémas qui traitent le sentiment amoureux, y compris les schémas philosophiques ou poétiques.

 

"Je ne veux à l'union de deux ames sincères admettre empêchement.

L'amour n'est point l'amour s'il change en trouvant ailleurs le changement ou s'éloigne en trouvant en l'autre l'éloignement...."

Sonnet 116 de W. Shakespaere

 

Réf

A. Aron, H. Fisher, D. Mashek, G. Strong, H. Li, and L. Brown, "Reward, Motivation and Emotion Systems Associated with Early-Stage Intense Romantic Love," Journal of Neurophysiology, 2005, 93 : 327-337.
J.G. Pfaus, T.E. Kippin, G.A. Coria-Avila, H. Gelez, V.M. Afonso, N. Ismail, and M. Parada, "Who, What, Where, When and Maybe Even Why? How the Experience of Sexual Reward Connects Sexual Desire, Preference, and Performance," Arch Sex Behav, 2012, 41(1) : 31-62.
H. Fisher, L.L. Brown, A. Aron, G. Strong, and D. Mashek, "Reward, Addiction and Emotional Regulation Systems Associated with Rejection in Love," Journal of Neurophysiology, 2010, 104 : 51-60.
Cazenave Michel : histoire de la passion amoureuse, éditions du félin, Paris, 2001

 

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Matisse, le dépassement de soi

matisse luxe calme volupte

 

Matisse, l'Art de se dépasser

Tout le monde connait Henri Matisse (1869-1954), le grand peintre. Toute sa vie fut consacrée à son œuvre principalement à la peinture.
A vingt ans, pendant un séjour à l'hôpital pour appendicite, il commence à dessiner. Travailleur acharné, il suit des cours de dessins notamment à Paris et commence à exposer en 1896 au salon des 100.
Peintre classique de natures mortes, il suit des cours de sculptures, découvre bientôt l'impressionnisme.
En 1905 il participe au salon des indépendants où ses tableaux sont qualifiés de " fauves " en raison de couleur flamboyante et provocante et d'une simplicité des formes inhabituelles intriguant les critiques d'art de l'époque.
Le mouvement du fauvisme est lancé. Il devient un peintre reconnu, célèbre.

 

matisse femme au chapeau


Ses tableaux sont achetés par les marchands d'art notamment les Stein.
Sa renommée grandit et son art s'exporte aux Etats-Unis où il influencera l'art abstrait dans cette quête de simplification des formes.

Tout le monde connait ses toiles joyeuses baignées de couleur dorée qu'il peindra dans le sud de la France, à Nice ou en Corse.

A l'apogée de son art, il tombe malade. Opéré du colon, il s'en suit une éventration le rendant incapable de rester debout longtemps, trop affaibli pour peindre.

 

matisse nu en bleu

 

Avec force et ingéniosité, malgré son âge, il dépassera cette incapacité physique et inventera une nouvelle technique pour peindre : à l'aide d'assistante, il fait des collages de papiers gouachés découpés aux ciseaux sur de grande toile murale qui produiront une très grande simplicité à la composition. L'effet est immédiat, le résultat est magnifique, d'une simplicité et élégance jamais vues ; il réussit de façon inattendue à produire ce qu'il recherchait depuis des années.

Ces dernières compositions sont connues dans le monde entier : les nus bleus, la gerbe de fleurs, l'escargot, la tristesse du roi, emblématiques de l'art moderne.

 

matisse la gerbe


Certains considèrent ces dernières productions comme les plus appréciées de son œuvre.

A la fin de sa vie, il écrivait à un ami :

 

 " J'ai toujours essayé de dissimuler mes efforts, j'ai toujours souhaité que mes œuvres aient la légèreté et la gaieté du printemps qui ne laisse jamais soupçonner le travail qu'il a coûté."

 

 

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Pourquoi Austen redevient populaire ?

Ausen si moderne

Pourquoi Austen redevient populaire ?

Comment expliquer la popularité à notre époque de Jane Austen surtout parmi les femmes ? Est-ce le retour de l'amour romantique ? Est-ce par la féminisation de notre société et de notre mode de vie ? Est-ce par les changements de nos rapports au couple? Sans doute un peu tout cela.

Dans nos sociétés occidentales apaisées, riches, sans guerre depuis une ou deux générations, et basées sur l'individualisme, le couple prend une importance particulière. Il est la traduction de l'amour, la dernière cellule de résistance à l'individualisme, le dernier havre de paix dans une société sans liens. L'amour moderne est différent de l'amour romantique de Jane Austen par ses liens avec la sexualité, l'érotisme et la réalisation de soi.

Dans une société occidentale permissive, une jeune femme à l'âge d'Élisabeth Bennet se retrouve pratiquement dans la même situation qu'Élisabeth Bennet, en dépit des spectaculaires changements de la condition féminine.

citation autsen francais anglais

 


Comment choisir le bon partenaire? Comment savoir si cette relation est sincère? Comment se réaliser dans un couple sans se perdre? Comment dépasser l'attirance sexuelle vers l'amour? comment éviter le célibat et ses pièges ?

Dans son livre, la déliaison amoureuse, Serge Chaumier décrit la crise de conjugalité dans la société française (page 17) : «la crise de la conjugalité ordinaire ne s'exprime pas seulement par un record de séparation, par des unions de plus en plus brèves et successives, des monogamies séquentielles, mais aussi par un taux non négligeable de personnes célibataires. Louis Roussel pronostique que la perspective d'ici 15 ans d'un célibat définitif de 25 % de la population ne paraît pas déraisonnable.»

 

citation autsen mansfield park francais anglais

 

Cette crise de conjugalité rappelle étrangement le fondement du travail romanesque de Jane Austen ; si les héroïnes de Jane Austen cherchaient le mariage pour des raisons financières et sociales, une fille de 25 ans aujourd'hui risque d'avoir le même problème pour des raisons différentes : trouver le partenaire adéquat pour accéder à une sexualité épanouie, à la maternité, et à la sécurité émotionnelle et financière du couple. La conception de l'amour romantique chez Jane Austen coïncide, en partie, avec notre conception moderne de l'amour romantique. L'importance n'est pas dans la similarité entre deux modèles d'amour, mais dans leurs différences. Élisabeth Bennet insistait sur l'amour pour réussir un couple, et non pas de trouver l'homme de sa vie. L'amour pour Bennet est un moyen pour une meilleure qualité de vie, il devient à notre époque, selon nos conceptions de l'amour romantique hollywoodien, une fin en soi où il faut aimer pour exister. Dans une époque de crise de conjugalité, de couples, de célibat, de difficultés à rencontrer, de sites de rencontres payants, de cabinets de conseil sur la drague, et la séduction, Jane Austen devient plus moderne que jamais.

citation autsen oregueil et prejuges francais anglais


Elle aurait conseillé les femmes et les hommes à la recherche de l'amour du couple : de ne pas cultiver leurs sentiments et leur attirance avant d'être certains de la réciprocité et de la bienveillance de l'autre, pour éviter souffrance et frustration.

 

citation autsen raison et sentiments francais anglais

Elle aurait conseillé surtout de ne pas chercher un modèle, de ne pas rejeter les gens qui ne correspondent pas à ce modèle, mais d'avoir l'intelligence de discuter d'autres modèles et d'autres possibilités. Ne pas chercher toujours l'attirance sexuelle comme la seule justification d'un couple.

 

Ne pas être cyniques, de ne pas être cruels. Les héroïnes chez Austen sont sympathiques, charmantes, souriantes, pleines de vie, capables de plaisanter, attachantes. Ces héroïnes ont toujours su distinguer le désir de la raison, l'insignifiant de l'essentiel.

 

Pour commander ce livre en format numérique Mobi ou kindle :

https://www.amazon.fr/dp/B016ASWM9M

Pour acheter ce livre imprimé :  https://tsw.createspace.com/title/6309841

 

 

 

 

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Vermeer, peintre érotique ??

vermeer jeune fille perle tableau

Vermeer et l'art érotique

L'érotisme est un discours sur l'amour, une métaphore sur le désir et l'attirance sexuelle. Ce terme désigne une suggestion, une représentation raffinée et sophistiquée des émotions et des gestes liés à la sexualité.
L'érotisme évoque l'amour physique via des gestes sensuels, des mots ou une attitude. Contrairement à la pornographie, l'érotisme suggère mais ne montre pas et  possède une dimension artistique.


Comment réagit-on face à un tableau érotique ou  à un texte érotique ?
Les œuvres d'art, comme les textes littéraires peuvent être sensuels, attirants par leur beauté et par leur contenu.

Johannes Vermeer naît à Delft en 1632. Sur les trente-sept tableaux attribués au peintre, la musique et les instruments de musique figurent à dix reprises, l'instrumentiste est toujours une femme. La lettre (d'amour en général), lue ou écrite, revient à plusieurs reprises et c'est toujours une femme qui lit ou écrit. Les bijoux sont présents et ce sont essentiellement des perles portées en boucles d'oreilles ou en collier. Les activités domestiques ne sont évidemment pas omises : dentellière, jeune femme à l'aiguière, laitière.

Le thème omniprésent est la féminité. La popularité actuelle de Vermeer correspond probablement aux valeurs de notre temps : l'occident du début du 21e siècle est l'époque de l'histoire de l'humanité la plus favorable aux femmes et à la féminité.

Depuis quelques années, certains trouvent dans les tableaux de Vermeer des métaphores érotiques.
On peut citer l'exemple du tableau la laitière peint par Vermeer (1657-1658). Les laitières avaient une réputation de disponibilité sexuelle aux Pays Bas dans ce 17ème siècle. Certains chercheurs suggèrent la présence d'un message érotique. La présence d'un chauffe - pieds ou une chaufferette sur le plancher peut suggérer le désir féminin (le chauffe-pieds chauffe sous la jupe d'une femme).

 

vermeer laitiere

 

Un roman à succès puis un film relativement récent suggèrent ce message érotique.

Autre tableau de Vermeer : La Jeune Fille à la perle. Il s'agit aussi d'un film britannique réalisé par Peter Webber, 2003, adaptant le roman de Tracy Chevalier.

Ce roman raconte l'arrivée de la jeune Griet, servante dans la maison du célèbre artiste Johannes Vermeer. La douceur, la sensibilité et la vivacité de la jeune fille émeuvent le maître, qui l'introduit peu à peu dans son univers pour l'aider dans son atelier et aussi pour poser. Elle sera le modèle pour son tableau : la jeune fille à la perle. Quand on dévoile le tableau, la force érotique de ce portait choque la famille et surtout l'épouse du peintre qui perçoit une intimité et une sensualité coupables. La perle, la lueur étrange sur les lèvres de la fille du tableau comme des lèvres qui viennent d'être humectées par un baiser, un certain regard complice et intime.

 

vermeer jeune fille perle film

Ces analyses des tableaux de Vermeer suggèrent que l'art érotique est capable de provoquer des sentiments sexuels et de cultiver le désir des spectateurs. Dans certains cas, l'art érotique n'a pas toujours besoin d'être sexuel explicite. Parfois on utilisait les symboles pour ajouter à l'art une dose discrète d'érotisme comme le faisait Vermeer.
C'est la lecture actuelle de certains tableaux du grand peintre.

 

 

 

 

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Flaubert décrit les égos sur Facebook

Comme sur Facebook, Instagram, on lit les histoires de chacune, de chacun, sous une forme de surenchère, bon enfant souvent, perfide parfois, ou rusé pour faire enrager les autres. Livrer régulièrement à ses amis la version « luxe » de sa petite existence, documentée par des photos radieuses : vacances inoubliables, baisers sur la plage, seins parfaits, fêtes mémorables, cadeaux insensés, chatons adorables, spa de folie, enfants angéliques. Le reste, le médiocre, le moins joyeux, est censuré.

egos moi individualisme egotisme facebook

Egos en guerre

Je fréquentais il y a quelques années un forum de célibat où des filles célibataires discutaient, mettaient leurs photos, pour organiser une rencontre. Les photos sont devenues de plus en plus dénudées, puis des photos nues sont apparues.

D'autres mettaient en ligne les photos de leurs vêtements, sous-vêtements, leurs achats et même de leurs meubles de cuisine. Nous autres, les hommes connectés, on souriait, on envoyait quelques commentaires, on regardait étonnés au début, indifférents par la suite. Les filles parlaient de leur quotidien dans une sorte de surenchère entre la belle du forum et les autres filles, entre « la sexy » et les autres, la mince et les moches.

Puis le forum s'est transformé en bataille d'égo. Celle qui montre son corps faisait réagir (enrager) les moins jeunes, les moins minces. Celle qui montre ses rencontres faisait hurler les célibataires. Ainsi le forum est mort progressivement. Il y avait une souffrance,... même si tout le monde relativisait.


Quand Flaubert décrit les réseaux sociaux

Ce comportement me fait penser à Flaubert et à son héroïne. Les rêveries d'Emma ont été à l'origine du concept de fantasme sexuel, il a fallut attendre Freud pour remplacer le mot "bovarysme" par fantasme.

 

Au début du 20ème siècle, Emma Bovary fut l'exemple de la femme victime de la société de consommation qui gagna les esprits après la révolution industrielle.


Pour les féministes, Emma est l'exemple de la femme dépendante des hommes, elle est victime des hommes. Pour les non-féministes, elle est la vénale, l'infidèle, femme consommatrice de sacs à main, chaussures et aussi de sexe ; Charles son mari est l'exemple de la disparition du pouvoir masculin selon certains, le "cocu heureux" qui cherche à plaire à sa femme.
Monsieur Bovary existe aussi. Et il commence à jouer le jeu.

 

citation flaubert Mme Bovary

 

Fear of missing out

Depuis quelques années, ce comportement provoqué par les réseaux sociaux pointe son nez, ces femmes qui souffrent en lisant ou regardant la vie (réelle ou rêvée) d'autres femmes, les robes, les voyages, les amours torrides sur les plages exotiques des web. Elles encaissent frustration et jalousie comme Emma Bovary.

Les anglais nomment cette souffrance "Fomo" « fear of missing out » « peur de manquer quelque chose » ou le bovarysme de Facebook, en attendant d'autres termes plus précis.
Flaubert est encore là, au delà du style ou même de la littérature. Le bovarysme, sentiment de frustration éprouvé par Madame Tout-le-Monde, quand elle constate combien son train-train quotidien est pauvre comparé à la vie (réelle ou plus souvent imaginaire) d'autres femmes sur le net.


Arthur C. Brooks écrit dans le New York Times : « nous passons, pour les plus atteints d'entre nous, la moitié de notre temps à prétendre être plus heureux que nous le sommes, et l'autre moitié à regarder combien les autres semblent être bien plus heureux que nous !!!».

 

Dans une étude publiée par l'université de Boston, on trouve un lien entre le taux de divorce et le temps passé sur les réseaux sociaux. La vision du bonheur conjugal (présumé) d'autrui s'avère apparemment fatale pour beaucoup (ceux qui regardent).


C'est amusant ou affolant d'apprendre qu'il ne s'écoulera pas plus de dix minutes désormais, entre l'arrivée d'un client dans un hôtel à l'autre bout du monde et le moment où il poste un selfie pour se montrer, frimer et fanfaronner devant les autres.


Évidemment les plus fragiles, ados, dépressifs, trentenaires fauchés ou esseulés, salariés précarisés, jeunes parents, maman solo, les malades, les obèses, les couples à la dérive, sont les plus exposés aux effets pervers de cette mise en scène de soi. Ils risquent une dose dangereuse de bovarysme.

Les plus équilibrés se contentent d'éprouver un petit blues du dimanche soir, quand ils ont passé le week-end à repeindre leur salon alors que les autres ont passé l'après midi dans un hôtel ou la soirée du samedi dans un restaurant (de rêve bien sûr).

On vit avec les réseaux sociaux, au rythme de journaux peu intimes, destinés à la promotion efficace de « Moi Moi Moi ».

 

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The virtuose : hommage à Benjamin Britten

 

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Virtuose et Britten ?


Si vous ne connaissez pas Britten, regardez le film « the virtuose » film du canadien F. Girard avec Dustin Hoffmam et Garrett Wareing, un orphelin à la voix magnifique deviendra un virtuose sous la direction du maître de chœur Hoffman qui le prendra sous son aile.
Ce film met en valeur le chant choral dans une institution renommée qui en profite pour faire des tournées mondiales avec les jeunes prodiges du chant qu’elle forme.

 

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Vous serez émerveillé d’entendre entre autres A Ceremony of Carols de Britten, un pur ravissement pour les oreilles.... Cette série de chant choral composé sur des poésies anglaises populaires du XVème et XVIème (The English Galaxy of Shorter Poems) autour du thème de Noël comprenant This little Babe, that yongë child, Balulalow etc.


Britten né en 1913 est grand mélodiste, créateur de la mélodie anglaise moderne et du renouveau de l’opéra anglais au XXème siècle. Célèbre dans le monde anglo-saxon, il reste peu connu en France.

 

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Car l’œuvre de ce compositeur est orientée principalement vers la musique vocale, compositeur moderne et aussi un digne héritier d’Henry Purcell (variation et fugue sur un thème de Purcell). Toute la vie de ce musicien contemporain sera tournée vers la musique.


L’été 1928 Britten écrit sa première œuvre absolument personnelle, les Quatre Chansons françaises (sur deux poèmes de Verlaine, deux de Victor Hugo). Britten met ici en musique une langue étrangère, qui impose une signature toute personnelle.
En 1937, Britten voit son premier succès international : Variations sur un thème de Frank Bridge données au festival de Salzbourg.


En 1939, la guerre approchant, Benjamin Britten s’exile aux États-Unis. Il y compose énormément, notamment Les Illuminations (sur la poésie d’Arthur Rimbaud), la Sinfonia da Requiem, et son Quatuor à cordes n° 1.
En 1942, Benjamin Britten âgé alors de 28 ans quitte l’Amérique et durant la traversée qui le ramène vers son pays, il compose A Ceremony of Carols opus 28 pour voix d’enfants et harpe sur des poésies anciennes anglaises.
Il achève ensuite la composition de son premier opéra, Peter Grimes, opéra le plus populaire de la première moitié du XXe siècle.
Il compose beaucoup et accorde beaucoup d’importance à ce que sa musique soit accessible et facilement jouable ; Albert Herring et The Turn of the Screw (Le Tour d'écrou) voient le jour.
Le folklore de son pays l’inspire aussi, comme avec folk songs

 

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Ce compositeur infatigable et prolifique meurt en 1976, anobli par la reine.
A voir et entendre ...

 

 

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« Outlander » : femmes fortes qui aiment les hommes

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« Outlander »: féminisme, amour, et romance

Produite par la société Starz, Outlander termine sa deuxième saison. Il s’agit d’un feuilleton divertissant, soigné, qui mérite d’être vu.
Tirée du roman de Diana Gabaldon, la série Outlander est un compromis entre le fantastique et la romance historique.
C’est une histoire de triangle amoureux, de sexe, de guerre. Le succès de Game of Thrones a attiré l’attention des producteurs sur un éventuel changement du goût des téléspectateurs en matière de sexe, de violence, de relations amoureuses, de nudité, et de paysages.

 

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Une dose de science fiction


Outlander est adapté du livre culte de l'écrivain américain Diana Gabaldon de 896 pages. Une recette intelligente et si efficace : une dose de science fiction pour voyager dans le temps d’une infirmière appelée Claire Randall (Caitriona Balfe) qui se rend en Ecosse en 1945 avec son mari Frank (Tobias Menzies), dans l'espoir de raviver leur relation. Claire est le témoin d’un rituel ancien se déroulant sur une colline entourée de pierres levées. Elle se retrouve alors, transportée dans le temps en Ecosse de 1743, une femme seule dans le feu croisé de la rébellion écossaise "jacobite" contre les Anglais.

 

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Décors, paysages, costumes et aventures


Un monde vert vallonné riche de rivières, de montagnes brumeuses, de forêts et de châteaux. Elle découvre que son mari (ou plutot son ancêtre) était présent au 18ème siècle, comme un anglais terriblement cruel qui pourchassait les Highlanders. Elle va tomber amoureuse d’un jeune, beau et héroïque écossais Jamie Fraser (Sam Heughan). Claire est déchirée entre son mari du 20ème siècle et son amoureux du 18ème siècle, entre la fidélité et le désir, entre deux hommes très différents dans deux vies irréconciliables.
Comme ils se déplacent avec leurs plans pour essayer de mettre fin à la rébellion jacobite, Claire et Jamie s'intégrent dans la société écossaise puis dans la société française.
Une partie de la deuxième saison se déroule en France. Versailles, spectacle, décors, costumes, jardins et raffinement.

Comme une romance historique, Outlander dessine le désir comme le plaisir d’être avec son amoureux  et la douleur quand l’autre est loin ou en danger.
Claire et Jamie flirtent tout le temps, leur passion est à la fois romantique et sexuelle.

 

Violence

Meurtres, guerres, maladies, canons, batailles, et agressions sexuelles. L’approche de la violence dans cette série est moins spectaculaire que dans Game of thrones sauf en ce qui concerne la relation entre les deux amoureux. Oulander reflète la violence d’un monde sans justice sociale, un monde cruel, ignorant, sauvage et sans sécurité.

Il existe certains écarts entre le livre et la série, comme donner à Jamie la voix off , alors que le livre lui, est raconté par Claire, ou comme la guérison de Jamie après son agression, mais la série reste fidèle globalement au livre.

 

Nudité

Peut-on parler de nudité de bon goût ? En tous cas, la nudité est présente sans agresser, sans choquer. La nudité masculine comme la nudité féminine. Curieusement, la nudité de Jamie est plus discutable, son corps est parfois traité comme un produit d’appel. Dans certains passages, la nudité masculine est totale (le pénis est montré.)

 

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Femmes fortes, féministes un peu

Les femmes sont fortes dans cette série. Elles ne subissent pas, elles agissent. Claire et les autres femmes font l’amour avec consentement, font des enfants, font la guerre avec courage et défendent leurs hommes et leurs villages sans hésiter.
On voit également certaines nouveautés. Claire est une femme sans culpabilité avec son désir, n’a jamais honte de son corps ou de sa sexualité. Elle aime le corps de son homme, et revendique son droit à ce plaisir. On parle de règles, du lait, d’allaitement... le féminin est normalisé ou presque.


Claire est un personnage positif, dans sa lutte pour la survie, et dans son intimité. Cette série est une épopée imaginaire, un brin féministe, une approche historique et réaliste de la période qui précéda la rébellion Jacobite en Écosse.

 

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La sexualité en feuilleton

Comme dans les autres séries populaires actuelles, Outlander n’oublie pas la sexe.
“Outlander” modifie quelques idées reçues sur le sexe à la télé. Les relations sexuelles entre Claire et Jamie sont romantiques, sans violence, recherchées et désirées. Rien de révolutionnaire dans la représentation de la nudité, de l'intimité, sauf l'intervention du point de vue féminin. Dans cette relation charnelle, il existe une nouvelle définition de la masculinité. Jamie peut être un guerrier, un homme sans merci avec ses ennemis, il est tendre, respectueux, amoureux dans le lit de sa femme. C'est un homme qui montre également sa fragilité et ses doutes sans être pour autant un antihéros, ou un homme anxieux.


Claire est une femme sexualisée, épanouie, sans chercher à se victimiser, ou à afficher sa fragilité.


Par exemple, dans l'épisode du mariage de Claire et Jamie, on voit une nouveauté. L'érotique est raconté du point de vue féminin. Claire n'acceptera pas une nuit de noces lapidaire ou violente. Le couple va parler, échanger. Chaque partenaire va apprivoiser les émotions et les sentiments de l'autre. Jamie, malgré sa masculinité, acceptera volontiers d'être initié par Claire. Finalement, ils ont des rapports sexuels pour la première fois.

La clé du succès de cet épisode est dans la danse de ce couple. Pas après pas, le couple va créer une sorte d'intimité. Cet épisode a été dirigé par une femme, Anna Foerster, et écrit par une autre femme, Anne Kenney. Il semble que ce fait a joué un grand rôle dans la réussite de l'épisode du mariage.
Vers la fin de leur première nuit ensemble, Claire a demandé Jamie de se déshabiller pour elle. Elle touche son corps, pour apprendre à le connaître, à l’apprécier.


Outlander est une série intéressante, avec des nouveautés, sans oublier l’essentiel : suspense et divertissement.

 

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Girlfriend Experience : le sexe dans le froid urbain

Comme le film, The Girlfriend Experience, la série est une histoire de prostitution. Une jeune et jolie étudiante en droit, Christine est admise comme stagiaire dans un grand et célèbre cabinet d’avocat de Chicago. Les études coûteuses, sa libido, et son ambition personnelle vont la conduire à rejoindre, par l’intermédiaire d’une amie le monde des Escorts girls.

 

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Girlfriend Experience

Brillamment interprétée par Riley Keough, la petite-fille d'Elvis Presley Riley Keough. Christine Reade est une femme intelligente qui a compris la société. Elle joue son rôle à la perfection : la comédie de la vie, du travail, où tout est écrit et appris par cœur. Rien de spontané dans un monde où l’on enregistre et filme tout. Et à certains moments, elle est presque rigide voire autiste.


Solitaire, ses relations même avec sa famille sont compliquées.
Pas d’ami, elle le répète. Elle ne fait confiance à personne, ne se livre pas, garde tout pour elle, dans un souci de maîtrise. Je n'ai pas d'amis. Je ne veux pas partager mon temps avec les gens, sauf pour accomplir quelque chose, répond Christine à sa sœur.


Ce détachement fait de Christine un personnage fascinant et frustrant dans ce monde d’aliénation économique et sexuelle. Emy Seimetz et Lodge Kerrigan ont écrit et réalisé 13 épisodes de 30 minutes à partir du film portant le même nom de Soderbergh. Les deux premiers épisodes sont médiocres.


Le premier jour, son patron David (Paul Sparks) arrête ses tentatives pour faire preuve d'initiative en lui ordonnant de simplement copier-coller les documents. Avery l'invite à prendre un verre en échange d'argent avec un avocat. Elle est enfin admirée par les hommes qui dirigent. Plus tard, quand elle a rassemblé une liste de clients, elle regarde froidement d'une fenêtre de voiture de banquette arrière à un groupe d'hommes en costumes. La dynamique de pouvoir favorise la jeune femme, pour un instant.

 

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La corruption est partout dans la série sauf dans le sexe : dans ce cabinet juridique, dans la famille de Michaël prête à tout pour récupérer l’héritage, dans la fausse amitié d’Avery, dans l’agence d’Escorts et dans les amours mensongers des clients. Le sexe devient un geste naturel calme et sans complexes.
Dans une société capitaliste, tout est transactionnel», explique Kerrigan. « Chaque travail est transactionnel Il y a toujours un jeu de pouvoir ». Girlfriend Experience devient à partir de quelques épisodes un tableau passionnant des relations humaines dans un contexte d’argent, d’ambition et de pouvoir. Le sexe n’est qu’une carte à jouer parmi d'autres.

 

Intimité dans un monde urbain connecté

Christine Read accepte de rencontrer des hommes, en dehors de ses heures de cours et en marge de son emploi de stagiaire dans un grand cabinet d’avocats, pour améliorer son train de vie, pour accéder à un certain confort. Loin de lui apporter la liberté désirée, elle va perdre son travail, ses études et son identité.


Le client paie pour qui je ne suis pas, dit elle. Elle est dans un monde une prison urbanisée, hiérarchisée et normalisée.


Le portrait de la prostituée moderne, indépendante, occasionnelle, cultivée, bien éduquée qui se vend cher, sélective, déterminée, ambitieuse. Internet a modifié définitivement le monde des rencontres. L’escorte est une prostituée de luxe, qui offre le sexe et l’intimité. C’est la petite amie rêvée, ou l’épouse idéale. Elle offre à ses riches clients, au-delà du sexe, du temps disponible pour les écouter.


Pour ne pas perdre le contrôle, l’étudiante a un garde-fou : le sexe, seul plaisir qu’elle s’autorise, seul moment de relâche où elle se permet de fermer les yeux. Lors de ses rencontres, elle se détend complètement et s’échappe un instant de sa difficile réalité. Elle le pensait , mais elle est surprise dans un moment d’intimité par une caméra,

Christine n’en reviendra pas. Elle atteint son plaisir en solo. Dans sa vie factice, le bonheur et l’amour semblent lui manquer cruellement, comme d’ailleurs aux autres personnages.

Le sexe et le genre sont liés dans la société moderne. L’ambition d’une femme est une question compliquée. Le sexe n'a plus un facteur déterminant dans la vie d’une femme, mais demeure toujours un jeu de pouvoir dans la société.

 

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C’est quoi l'intimité, dans un contexte professionnel ou dans un contexte transactionnel, dans une société capitaliste avancée où tout a un prix ?
La première saison se termine par l’image de l’Escort en train de se masturber, pour trouver son réel plaisir.


The Girlfriend experience est une série originale, intelligente et subtile qui, si elle ne plaît pas à tout le monde, mérite d’être vue, c’est une écriture délicate et une belle réalisation.

 

 

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La madeleine de Proust au secours du stress post-traumatique

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Après un accident de voiture, la personne accidentée revoit les images de l'accident, entend à nouveau les bruits, les crissements de frein, le choc des véhicules, sous forme de sensation douloureuse qui l'empêche de reconduire ou l'empêche de dormir.
Après un traumatisme, la victime peut oublier cette agression pendant des années, puis un geste, un mot, tout ressurgit. La douleur est là, la peur est là, la colère aussi. On appelle ce trouble : le stress post-traumatique.

 

On appelle ce trouble : le stress post-traumatique

 

Parfois, on passe dans un lieu, notre mémoire s'active, des images oubliées apparaissent, des sensations que nous avons vécues, remontent à la surface.
Ces souvenirs peuvent être toute une vie comme dans l'immense roman de Marcel Proust : à la recherche du temps perdu, ces souvenirs peuvent être un moment douloureux, ou un moment joyeux.

 

La madeleine de Proust et les arbres de Balbec

 

Le souvenir ramène notre passé dans le présent, nous permet de retrouver " le temps perdu ". C'est comme un fichier présent sur le disque dur de votre ordinateur, quand vous l'éditez, vous retrouvez les éléments que vous avez sauvegardés, de plus ce ficher devient modifiable.
C'est le roman de Proust :  La Recherche du temps perdu parle de la mémoire, des souvenirs, et surtout de souvenirs " involontaires ".

 

L'expérience de la petite madeleine, qui déclenche " le plaisir délicieux ", qui accompagne la résurrection du monde oublié et perdu de l'enfance.

 

Je sentais qu'elle (cette puissante joie) était liée au goût du thé et du gâteau, mais qu'elle le dépassait infiniment, ne devait pas être de même nature. D'où venait-elle? ...Je bois une seconde gorgée où je ne trouve rien de plus que dans la première, une troisième qui m'apporte un peu moins que la seconde. Il est clair que la vérité que je cherche n'est pas en lui, mais en moi.

 

Ce " souvenir involontaire " inaugure la reconstruction du passé, aide à reconstruire ses mémoires, à les réécrire, à retrouver le temps.
Proust, distingue la mémoire volontaire qui restitue le passé et la mémoire involontaire qui surgit, qui permet de revivre le passé, et de se l'approprier.

 

"une sensation à la fois dans le passé, ce qui permettait à mon imagination de la goûter, et dans le présent où l'ébranlement effectif de mes sens avait ajouté aux rêves de l'imagination ce dont ils sont habituellement dépourvus, l'idée d'existence,...

Ce souvenir est déclenché par le goût et la saveur du petit morceau de madeleine, par la vision des clochers à Martinville, l'odeur des fleurs de tilleul, par la vision des trois arbres à Balbec ou par les pavés inégaux dans la cour de l'hôtel des Guermantes.

 

Ces éléments ont déclenché à chaque fois un souvenir involontaire, qui appelle des souvenirs oubliés, inaccessibles. Ce souvenir " involontaire " décrit par Proust ressemble partiellement au concept de l'inconscience de Freud.

 

Quand Proust mangeait ses madeleines et jouait au psy

 

Marcel Proust a été le premier écrivain à indiquer de façon convaincante comment nos identités, décisions et nos réactions sont façonnées par nos souvenirs et nos expériences. Cette réalité se reflète fortement dans certaines maladies mentales comme le trouble de stress post-traumatique.

Dans le stress post-traumatique, les souvenirs du traumatisme sont parfois oubliés, mais surgissent, réalisent des intrusions involontaires et incontrôlables, pour provoquer chez la personne des peurs, des souffrances. Ces personnes peuvent finir par éviter tout ce qui rappelle leurs traumatismes, en évitant les voitures et les moyens de transport après un accident, en évitant toute rencontre et toute sexualité après un viol. Ces patients peuvent chercher dans les drogues un confort, dans certains cas le risque de suicide n'est pas loin.
Il s'agit d'un phénomène qui ressemble étrangement à la madeleine de Proust. Après un viol, après un attentat, la victime cherche par le deuil à digérer un événement, à exprimer sa colère, puis à passer à autre chose.

Mais il reste ces souvenirs oubliés, inaccessibles, qui surgissent lors d'un baiser, ou d'un bruit. Ces souvenirs de traumatismes agissent sur la conscience, provoquent une détresse, et replongent la victime dans la souffrance.

 

On retrouve le même phénomène dans l'addiction où les souvenirs de la consommation influencent les réactions, invitent les personnes à continuer leur addiction. Il suffit de voir un paquet de cigarettes, il suffit parfois de parler du tabac pour que le cerveau d'un ancien fumeur s'active, poussant la personne à fumer de nouveau. Cela explique pourquoi les médecins parlent d'anciens fumeurs, et d'anciens alcooliques.

 

Peut-on modifier nos souvenirs toxiques

 

Nous aimons tous croire que nos souvenirs sont fiables, permanents, et sont bien classés.

En fait, les études confirment le contraire. Notre cerveau ressemble à un disque dur mal entretenu. De nombreux fichiers sont oubliés, mal nommés, et parfois inaccessibles. Ces fichiers existent, mais la personne n'arrive pas à les retrouver pour les modifier.

 

Le processus de modification des souvenirs est un élément important dans le traitement de certains troubles. Ce processus est nommé la reconsolidation de la mémoire.
Quand une mémoire est activée, les souvenirs ouverts sont modifiables. La reconsolidation de la mémoire offre à la victime la capacité de réécrire sa mémoire. Dans une étude publiée en août 2014, les chercheurs de l'université de Bochum en Allemagne ont publié une analyse, en soulignant que La "Reconsolidation de la mémoire" est probablement parmi les phénomènes les plus passionnants dans les neurosciences cognitives d'aujourd'hui. Il suppose que les souvenirs peuvent être modifiés une fois qu'ils ont été récupérés. Ceci donne l'occasion de changer les souvenirs indésirables." explique le Dr Lars Schwabe.

 

100 ans après Proust, la première preuve de reconsolidation de la mémoire (réécriture de la mémoire) chez l'homme a été publiée dans une étude en 2003. Depuis cette date, d'autres études confirment cette possibilité.


La reconsolidation de la mémoire, c'est le "temps retrouvé", ce processus important, est de plus en plus utilisé dans le traitement comportemental cognitif. La personne retrouve le temps, verbalise sa mémoire, affronte à nouveau sa souffrance pour en finir une fois pour toutes.


À la différence de la madeleine de Proust, ou les trois arbres de Balbec qui ont enchanté la mémoire de Proust par le monde merveilleux de l'enfance, la reconsolidation de la mémoire est un traitement pour soulager les personnes affectées par le stress post-traumatique, par une addiction, ou après une aggression ou un accident et par d'autres formes d'anxiété.

 

 

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25 Haïku de Bashô Matsuo

Haiku Basho

La poésie Haïku

 

La poésie de haïku est une forme particulière de la poésie classique japonaise. En japonais hai signifie "inhabituelle" et ku signifie " strophe". Le haïku utilise de nombreuses techniques pour construire une image surprenante, transcendante, qui invite à la réflexion.
On trouve les premiers Haïku au 7ème siècle A-C écrits selon les formes et les cultures de leurs époques.

L'écrivain Robert Penn Warren, a expliqué le Haïku :


" Examen riche et détaillé d'une expérience particulière, avec une conclusion sous forme de déclaration tranquillement ironique ou modeste. Comme si le poète estimait que l'économie du commentaire est indispensable pour ne pas altérer la qualité de l'expérience ".


Ce commentaire minime est caractéristique de la poésie Haïku.
Malgré le temps, cette poésie demeure populaire au japon. Certains auteurs contemporains considèrent cette poésie comme " la plus grande et la plus fleur de l'art japonais ".
Le haïku est une expérience esthétique, immédiate qu'aucune autre forme littéraire ne peut décrire.

 

Bashô Matsuo

Bashô Matsuo, ou Basho, est un poète japonais du XVIIe siècle.
Il est considéré comme l'un des quatre maîtres du haïku japonais : Basho, Buson, Issa, et Shiki.

Ses haïkus traitent de sujets en lien avec les émotions comme la mélancolie et la joie, en lien avec la nature. Dans ses poèmes, il évoque toujours la condition humaine, sa fragilité par rapport à la grandeur de la nature et par rapport au temps.

 

1
La fraîcheur
J'en fais ma demeure
Et m'assoupis.

 

2
Rien dans le cri
des cigales suggère qu'ils
sont sur le point de mourir

 

3
Automne obscurité
descend sur cette route
Je voyage seul

 

4
Avec de jeunes feuilles
j'aimerais essuyer
vos gouttes de larme

 

5
De quel arbre en fleur ?
Je ne sais pas.
Mais quel parfum !

 

5
Ce couchant d'automne
On dirait
Le Pays des ombres.

 

7
Mes larmes grésillent
En éteignant
Les braises.

 

8
Viens
Allons voir la neige
Jusqu'à nous ensevelir !

 

9
Au printemps qui s'en va
Les oiseaux crient
Les yeux des poissons en larmes.

 

10
Pause entre les nuages
la lune repose
dans les yeux de ses spectateurs.

 

11
Ce chemin.
seule la pénombre d'automne
l'emprunte encore.

 

12
Le papillon
parfumant ses ailes
amoureux de l'orchidée

 

13
Laissez-nous poser
ces belles fleurs dans le bol
car il n'y a pas de riz

 

14
La première neige molle
les feuilles de la jonquille
émerveillée et prosternées

 

15
Le premier frisson de pluie
pauvre singe, vous pourriez vous aussi utiliser
une cape tissée de paille

 

16
Ce matin de neige,
cris du corbeau je méprise
Ah, mais si beau !

 

17
Allons- nous rencontrer à nouveau ?
ici, à votre tombe fleurie
deux papillons blancs

 

18
Ces fleurs d'été flétries !
les seuls vestiges
des guerriers invincibles et leurs rêves ...

 

19
Parmi les graffitis
un nom illuminé
Le tien

 

20
Assis tranquillement, sans rien faire,
le printemps arrive,
l'herbe pousse, par elle - même.

 

21
Entre nos deux vies
il y a la durée de vie
d'une fleur de cerisier

 

22
Sur une branche nue
un corbeau est perché
soir d'automne

 

23
Enfant de la pauvreté
il commence à moudre le riz,
et regarde la lune

 

24
Combien je désire !
dans ma petite sacoche,
la lune, et des fleurs

 

25
Dans ma nouvelle robe
ce matin,
quelqu'un d'autre.

 

La poésie de Bashô est un outil de révélation et de méditation. Ces poèmes dessinent des émotions, et nous rappellent que le bonheur est de savoir savourer la simplicité, et d'échapper à la tyrannie de nous - mêmes.

 

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Raphaël célèbre deux femmes libres : Sappho et Hypatie

 RaphaelParnasse

Raphaël, Sappho et Hypatie

A Alexandrie, Sappho fut classée, parmi les neuf grands poètes lyriques grecs des VIIe, VIe et Ve siècles av. J.-C. Elle est la seule femme, placée à l’égale des poètes selon les vœux d’Aristote.

Actuellement, personne ne peut se faire une idée précise d’un seul texte intégral de Sappho. La lecture des poèmes de la dixième Muse est constituée de fragments provenant de citations d’auteurs anciens et de textes retrouvés en Egypte à la fin du XIXème siècle sur des papyrus détériorés.

Pythagore (580-494 av J C.) et ses disciples ont fait du nombre 10 un symbole de perfection. Cela invita Platon (429-347 av. J.-C.), à écrire que Sappho (640-570 av. J.-C.) était la dixième Muse, et donna à Zeus, une fille de plus.

L'homme beau ne l'est qu'en apparence.
L'homme bon sera beau également.


"Sappho (Morale)

Traduction Frédérique Verville, éditions Harlean

La dixième Muse nous offre un regard féminin singulier sur le monde antique comme une autre femme, Hypatie la philosophe (370-415). Les œuvres de ces deux femmes sont presque toutes perdues sauf quelques fragments de textes de Sappho.

Dans la Salle des Signatures au Musée du Vatican, Raphael exprime à sa façon son point de vue sur la culture. Il peint le tableau intitulé Parnasse la Muse Calliope. Il associe la muse à Sappho. Sur sa toile, pour la distinguer, il écrit même son nom : Sappho

Raphaelsappho

Il n’était pas simple à cette époque, de convaincre les hommes d’église d’accepter Sappho, une poétesse sensuelle qui chante l’amour et les dieux païens.

Raphaël le fera à nouveau, cette fois pour illustrer la fin tragique d’une autre femme grecque, la grande philosophe néoplatonicienne Hypatie torturée et assassinée par des fanatiques de la chrétienté primitive et fanatique qui voulaient en finir avec le libre savoir grec et avaient entrepris de brûler tous les écrits et tous les livres.

Raphael ecole grecque

Lorsque Raphaël représenta Hypatie, il reçut du Pape, l’ordre de ne pas le faire car, comme pour Sappho, la foi ne devait rien savoir d’elle.

Sur le tableau, Hypatie prit les traits d’un personnage efféminé.

Raphaelhypathie

A sa droite Averroès, à sa gauche Xénophon.

En prenant un risque, le peintre réussit avec talent et intelligence à rendre hommage et à immortaliser deux icones féminines de la pensée antique: Sappho de Mytilène et Hypatie d’Alexandrie.

 

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La passion d’Augustine, un beau film

lapassiondaugustine

La passion d’Augustine : musique, et modernité des femmes


Depuis le 30 mars, ce film canadien est à l’affiche dans de nombreuses salles en France. Je vous invite à allerle voir.

Vous ne serez pas déçu. Vous allez assister à un film drôle, léger, grave par moments, où des morceaux de musique classique glissent avec beauté sur la neige de l’hiver québécois.
Au début des années 60, de nombreux changements vont secouer une petite école religieuse. Concile Vatican II, le gouvernement canadien décide la séparation de l'Eglise et de l'Etat, pour alléger le poids de l’église sur la société québécoise. La scénariste situe son récit entre les murs d'une école de filles tenue par des religieuses. La Mère supérieure, Mère Augustine a fondé cette école de musique dans le couvent. Plusieurs histoires se déroulent en même temps. La nièce de la mère supérieure sera admise au sein de l'institution, une jeune fille qui révèle ses immenses talents de pianiste. En même temps, il s'agit de s'adapter, de se battre pour sauver l’école de musique menacée de fermeture.


Ce film évite les clichés sur les religieuses et les écoles religieuses. La réalisatrice nous accompagne dans les salles de classes, les dortoirs, les couloirs, les salles de musique de ce couvent au bord du fleuve Richelieu. Ces femmes religieuses qui pensaient que les saisons vont se succéder, vont affronter les changements imposés par la modernité et la société, avec courage, et intelligence


Quand elles décident d'ôter leurs voiles, de s’habiller en des tenues plus adaptées aux temps nouveaux, elles expriment leur appréhension, et leur pudeur avec sincérité. C’est un passage de la religion à la spiritualité véhiculée par la musique. Quand la nièce se met à jouer, le spectateur savoure un moment de grâce. Ces religieuses enseignent la musique et non pas un discours dogmatique.


Le film est une surprise, disent les médias de la belle province. Le public a aimé. Le film a reçu des prix au Québec et le prix du public au Festival d’Angoulême. Le film réhabilite ces établissements si décriés dans la belle province dans les années 60.
La réalisatrice a choisi une forme classique sobre et efficace. Les actrices jouent avec justesse dans des images éclairées par une belle lumière et adoucies par le chant choral et par des compositions pour piano. Céline Bonnier, qui joue le rôle de la mère Augustine mérite mention.


Ce film est récompensé plusieurs fois :
- Festival du film francophone d'Angoulême, Prix du Public
- Rencontres Cinématographiques de Cannes 2015, Prix du Public
- Festival du Cinéma et de la Musique de la Baule 2015 - Prix du Meilleur Scénario et Prix du Public
- Festival du Film de Sarlat, 10-14 Novembre 2015
- Festival du Film Francophone d'Albi, Novembre 2015

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Les mots pour lui dire: un bon Hugh Grant

les mots pour lui dire1

Des mots pour lui dire pour passer une bonne soirée

Ce film est sorti en décembre 2015, il est disponible en DVD. Hugh Grant partage l'affiche avec Marisa Tomei, Allison Janne. Ce film est la troisième rencontre entre Grant et le réalisateur Marc Lawrence après les deux films : où son partis les Morgans et le come back.

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4 raisons pour voir le film Boomrang

boomrang, le film

Hier, j'ai vu le film Boomrang de François Favart.

Je l'ai raté à sa sortie en septembre.

En revenant avec sa sœur Agathe sur l'île de Noirmoutier, berceau de leur enfance, Antoine ne soupçonnait que son passé va revenir comme un boomerang. Souvenirs incertains, les non-dits familiaux, les dissimulations. À sa disparition mystérieuse de sa mère, le père choisit la pire solution, le silence. La sœur Agathe préfère ne pas savoir, d'enterrer le passé avec le corps de sa mère. À la fin du film, on découvre qu'il s'agit bel et bien d'un secret, que la mort de la mère n'était pas une noyade mais un drame.

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Pas d'amour sans passion

aphrodite eros

Ni amour ni désir sans la passion,

Selon la mythologie grecque, Eros dieu de l'amour alerta sa mère Aphrodite qu'il ne grandissait pas comme ses frères et ses sœurs mais restait un enfant petit, rose et grassouillet. Aphrodite consulta Thémis à ce sujet. Cette dernière lui répondit : l'amour ne peut se développer sans la passion.


Cette réponse laissa Aphrodite perplexe. Par la suite, elle donna naissance à Antéros, le dieu de la passion. Toujours selon la mythologie, dès qu'Antéros commença à jouer avec son frère, Éros se mit à grandir, et se développa et devint un beau jeune homme élégant et svelte. Mais dès qu'il était séparé de son frère, il retournait lamentablement à sa forme enfantine et à ses habitudes malveillantes.


Éros séparé d'Antéros, c'est le sexe séparé de l'amour, il redevient enfantin et malveillant.

Par la suite, Aphrodite chercha Éros pour le pousser à poursuivre sa tâche : répandre l'amour dans le monde. Mais elle le retrouva en train de jouer aux cartes et de tricher, ce qui illustre un aspect frappant : Éros avait perdu son intérêt pour le sexe par manque de passion.


A l'époque des site de rencontre, des messagerie pour le sexe et le blablabla, la mythologie grecque nous invite à une petite réflexion.....

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La nostalgie : Le passé a un bel avenir

nostalgie

Si vous dites que vous aimez notre époque, on vous prend pour un naïf. Si vous dites que vous n'avez pas peur de l'avenir, on vous considère comme un provocateur. Vous pouvez le vérifier sur les réseaux sociaux et évaluer les réactions. La nostalgie collective est parfois pessimiste.

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Les trolls du net : troll un jour, troll toujours?

troll-forums-internet

 

Le terme "troll" a retrouvé une deuxième jeunesse depuis l'apparition d'internet. Il est utilisé pour décrire le comportement agressif ou manipulateur sur les forums ou sur les réseaux sociaux.

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