Attraction ou the Human Contract : film mystérieux qui peut plaire

human contract attraction

 

Attraction ou the Human Contract: aimer pour oublier le passé

Voilà un film tourné en 2008, sorti en 2011 et qui vient d'être en DVD depuis Aout 2016. Je ne sais pas si ce film était dans les salles en France après sa sortie aux USA.  


Jada Pinkett Smith a réalisé un film sombre, un film sur les secrets et les blessures que nous cherchons à garder sous clé, et qui influencent nos vies et nos comportements. On suit l'histoire mais on reste en attente, les personnages n'avancent pas, n'évoluent pas.  Chacun est figé dans son passé.


On nous raconte l'histoire d'un homme (Julian) qui réussit socialement, et professionnellement, mais il est seul, il hésite à signer les papiers de son divorce.

 

human contract attraction Paz Vega


Essayons de simplifier l'histoire.
Au début du film, pendant une relation sexuelle, Julian est dans sa salle de bain et se regarde et frappe le miroir. Il refuse de donner le code de sa chambre de photos à petite amie. Il est en colère tout le temps car il y a un grand secret dans sa vie qui le tracasse.  
Julian Wright (Jason Clarke) est spécialiste compétent en marketing, mais est incapable de faire face à plusieurs événements de son passé. Il a perdu sa femme et envisage de signer les papiers du divorce. Avec sa vie amoureuse en lambeaux, il se concentre entièrement sur son travail avec une grande augmentation de salaire et un nouveau bureau à l'horizon. Il rencontre "Michael" (Paz Vega), une femme étrangère, avec une overdose de charme et de chaos


Cette femme séduisante, sexy, et libre, va compliquer sa vie. Le héros de ce film porte en lui un passé sombre, une mère alcoolique et abusive qui ne l'a jamais aimé. Il est violent dans ses réactions, et dans ses jugements.
Au contact d'une femme séduisante et légère, jouée Paz Vega, il découvre à nouveau ses propres souffrances et sa propre solitude. Elle le pousse à faire face à son passé. Il dérape, il refuse, il devient violent même avec elle.

 

human contract attraction Vega clarke


Vers la fin du film, on découvre que  sa mère avait tenté de se suicider et qu'il lui avait sauvé la vie. Au début du film, sa mère lui demande de repeindre sa chambre (où il a passé son enfance), mais il refuse. A la fin, il repeint la chambre et confronte sa mère sur le passé.  Pourquoi cela est-il arrivé ? Parce qu'il a eu une relation sexuelle avec sa mère quand il était enfant, et au début du film, le gémissement de la femme pendant l'acte sexuel lui rappelle cet acte sexuel avec sa mère.

La scène de fin est bien réalisée.  Il donne à la jeune femme la clé de la chambre où il range ses photos, des clichés sur la laideur du monde, puis peint sa chambre bleue en blanc, il dépasse enfin son passé douloureux avec sa mère, la page est blanche.

 

human contract attraction Paz Vega .jason clarke


Mention très bien pour l'actrice espagnole Paz Vega, elle joue avec réussite son rôle, de femme optimiste et enjouée, une infirmière pour adulte comme elle dit. Elle est belle, séduisante, humaine, avec justesse.  Les rares scènes de nudités sont tournées avec élégance.


Julian et Michael, une rencontre entre deux personnes à problèmes. Deux personnages négatifs qui peuvent séduire certains spectateurs.


C'est un film bien réalisé par l'actrice Jada Pinkett Smith. Sa première réalisation semble s'adresser à un public qui aime les scénarios sophistiqués. Chaque événement est à interpréter.  L'histoire est racontée d'une façon allusive, parfois difficile à suivre.    


Après ce film, la réalisatrice Jada Pinkett Smith a continué sa carrière d'actrice dans Menace II Society, Le Professeur Foldingue, Scream 2, Matrix sans oublier son rôle dans de Fish Mooney dans la série Gotham.

 

 

Lire la suite
8
  1280 lectures
  1 commentaire
1280 lectures
1 commentaire

Klimt: le baiser en or, un art nouveau

klimt attente

" L'attente " Klimt 1905-1909

Quand l'art devient nouveau


Gustav Klimt est un artiste complexe, un cas particulier parmi les artistes du 20ème siècle. Son parcours, son œuvre, ses influences continuent à dérouter les historiens d'Art.
On trouve chez lui des décorations murales néoclassiques de style académique qui ont fait son succès avant de devenir l'un des fondateurs de la Sécession viennoise, puis le chantre de la modernité en Autriche. Sa notoriété était telle que les historiens d'art baptisent parfois le début du 20è siècle en Autriche " l'âge de Klimt ".

Klimt est né le 04 juillet 1862 dans la proche banlieue de Vienne, capitale de l'empire austro-hongrois, d'un père orfèvre -ciseleur. Dès 14 ans, il suit les cours de l'école des arts et métier et devient par la suite artiste-peintre, il peint la cour intérieure et l'escalier du Kunst muséum de Vienne, dans le style néo-classique, style en vogue à l'époque. Il peint des salles de théâtre.


Avec des amis, il crée en 1897 la sécession mouvement artistique qui veut sortir l'art, du néo-classique vers l'art nouveau, style qui se développe en France, en Belgique mais aussi en Allemagne avec le jugenstil.

L'Art nouveau est un terme générique, on dit modernisme en Catalogne, Jugendstil en Allemagne, style Sécession en Autriche, art nouveau en France.
C'est un art nouveau en Europe qui fait son apparition au début de 20ème siècle, en opposition à la laideur du monde industriel florissant de cette époque.  La société européenne a changé. La nouvelle bourgeoisie, industriels, commerçants, professions libérales, et financiers, désire un style nouveau qui n'imite pas l'art de la cour ou les peintures d'une noblesse vieillissante.

 

klimt accomplissement

" L'accomplissement " Klimt 1905-1909
L'art nouveau va influencer l'architecture, les objets, les décorations et la peinture.     
L'Art nouveau au début de 20ème siècle repose sur certains principes : le rejet de l'académisme (l'abandon des références à l'antiquité), l'inspiration de la nature (des formes sinueuses, des décors végétaux ou floraux, des influences japonisantes ou gothiques), la fusion entre arts majeurs et arts mineurs, c'est-à-dire art décoratif (exubérance du décor), art pour tout le monde (art des objets du quotidien).
Klimt peindra de nombreux portraits de grands bourgeois, industriels, décorera de mosaïques les murs d'hôtels particuliers.
Klimt entre dans une période très productive durant l'année 1897 : création de nombreux tableaux et d'environs 4000 dessins. Ses thèmes : l'érotisme, représentation de la fragilité du corps et de l'amour en autres.  

 

Le baiser doré et les yeux fermés

Dans la période dorée, Klimt peint des tableaux dorés à la feuille d'or et d'argent (Danaé, le baiser, le portrait d'Adèle Bauer)
L'artiste va créer un style personnel, l'ornement n'est plus seulement décoratif mais fait partie du sujet. Il va utiliser la feuille d'or dans des tableaux montrant un traitement figuratif du visage, des épaules et des mains. Cet ornement conjugue différents motifs empruntés aux arts byzantin, gothique, égyptien, japonais et celtique. Cette juxtaposition du sujet et du décor, est à la source de la fascination qu'exerce la peinture de Klimt durant la deuxième moitié du 20ème siècle.

 

klimt le baiser


Le baiser est un tableau peint en 1907-09. Il s'agit d'un couple tendrement enlacé qui vient de s'embrasser, la femme longiligne tombe à genou enserrant dans ses bras le cou du partenaire. Les yeux fermés témoignent de son abandon. L'homme la retient et enserre son visage et l'englobe dans son magnifique vêtement fait de carrés noirs, dorés et argentés, le vêtement de la femme est riche en cercles de couleur bleu -rouge-vert sur un fond doré.
Les deux amants portent des fleurs dans les cheveux et sont cernés d'un halo d'or tel une icône byzantine. Le sol à leurs pieds est fait d'un amoncellement exubérant de fleurs de toute couleur sur lequel ruisselle des lianes d'or.
Dans Le Baiser, (musée du Belvédère, Vienne),  l'étreinte charnelle revêt le caractère sacré d'une icône byzantine sur fond d'or. L'ornement abstrait confond les corps en les dématérialisant, tandis que le parterre floral stylisé rappelle la représentation du paradis dans l'imagerie gothique.

En arrière plan, la femme est bordée de cercles concentriques symbole rappelant les théories et découvertes récentes de Freud sur l'inconscient.
Ce tableau est le tableau culte de l'art nouveau à Vienne.


La devise du groupe la sécession est " chaque époque son art, à l'art sa liberté "

 

 

Lire la suite
4
  1252 lectures
  0 commentaires
1252 lectures
0 commentaires

Peintre impressionniste japonais : Kuroda Seiki

Seiki Kuroda Le lac

Le lac, Kuroda Seiki, musée national de Tokyo 1897

 

Les impressionnistes japonais existent  


Les années 20 furent l'apogée d'un renouveau artistique et culturel en occident et surtout en France, Expressionisme, Fauvisme et cubisme ouvraient des perspectives nouvelles dans la peinture. Certains peintres japonais partirent en France étudier la peinture. Le modèle artistique occidental et ses écoles sont à partir de cette époque de plus en plus présents au japon.

 

Seiki Kuroda


Kuroda Seiki, (1866 -1924) est un peintre japonais impressionniste. A 17 ans, il s'inscrit à des cours pré-universitaires en français ; il accompagne son beau-frère nommé en France et commence des études de droit en 1884. Il restera dix ans en France et abandonne le droit pour la peinture.

A Paris, il rencontre d'autres peintres japonais comme Hosui Yamamoto et Fuji Masazo. En mai 1886, Kuroda entre dans l'atelier de Louis-Joseph-Raphaël Collin, peintre d'art académique et suit ses cours jusqu'en 1891.
Après 10 ans, il rentre chez lui au Japon et habite Kyoto. Ses tableaux sont exposés dans le musée national de Tokyo.

En tant que l'un des rares artistes japonais ayant étudié à Paris, il enseignera le monde de l'art occidental.

 

Seiki Kuroda sentiment

Kuroda Seiki, Sentiment (de Sagesse, Impression, Sentiment), 1900, Kuroda Memorial Hall, Tokyo

 

Choc culturel

Comme les autres artistes influencés par l'art occidental, les tableaux de Kuroda ont choqué le public et les critiques, par leur radicalisme, par une utilisation fauviste des couleurs primaires, et par la réduction cubiste de la géométrie. Ces artistes occidentalisés n'ont pas eu beaucoup de succès auprès du gouvernement, n'ont pas réellement bénéficié de commandes d'État. La réponse de ces artistes était d'ignorer l'État, de créer des sociétés privées pour faire des expositions, et pour vendre leurs tableaux.

 

Seiki Kuroda Sous larbre

Sous l'arbre, Kuroda Seiki, 1898

Dans l'histoire de l'art occidental, il existe une étape critique, à la fin de XIXe siècle, montrant les limites de l'impressionnisme. Cette transition va être progressive vers d'autres écoles de peinture. Le travail de Cézanne a préparé le cubisme, le travail de Van Gogh s'approche de l'expressionnisme, les productions de Gauguin vont s'orienter vers le fauvisme et le primitivisme. On ne retrouve pas dans l'art japonais occidentalisé une vraie traduction de ces transitions.

L'art occidental était une entité, appréciée dans sa globalité, sans entrer dans les détails des écoles artistiques, ou dans ses messages culturels. Au japon, on discutait l'individualisme intransigeant de Van Gogh et de Gauguin, leur attachement aux idéaux personnels, se moquant des conventions artistiques et sociales. Van Gogh continu d'être admiré au Japon, au-delà de son talent, et de la qualité de ses œuvres, il est admiré pour sa capacité à dépasser sa propre société et pour sa modernité.

 

L'individualisme, la personne humaine au centre du tableau, la nudité académique, ces sujets étaient étrangers au public japonais, ils ont fasciné, choqué, suscité des discussions et des controverses.

 

 

Lire la suite
2
  1198 lectures
  0 commentaires
1198 lectures
0 commentaires

Hollywood pré code : liberté, divertissement et désir

harlow jane red dust

Jane Harlow , film : red dust

 

Hollywood pré code :  le divertissement et le désir  

La crise financière de 29 va se prolonger par un désastre économique sans précédent, ce qui va modifier en profondeur les valeurs et les croyances des Américains dans leur système, dans leur pays, dans leur classe politique.
Le rêve américain ne séduit plus en 1929, l'exception américaine, l'universalisme, l'autonomie et surtout l'individualisme, voilà des valeurs qui ne séduisent plus personne, laissant la place à des valeurs plus urgentes comme la solidarité, le collectif, la communauté.
Les valeurs traditionnelles trouvent alors une popularité croissante.
Le terme Pré-Code évoque l'époque de l'industrie cinématographique américaine avant 1934, avant l'instauration de " Motion Picture Production Code ", une sorte de code de bonne conduite dans la production du cinéma et des images nommé le code " Hays ", adopté en 1930 et appliqué à partir de juillet 1934.
Les films avant ce code contenaient des scènes de nudité, des insinuations à caractère sexuel ou érotique, des scènes de consommation de drogue, prostitution, infidélité, avortement, violence, et homosexualité.

 

Les films pré-code

Entre l'avènement du parlant et la mise en place du code, c'est à dire entre 1930 et 1934, un vent de liberté et de légèreté souffle sur l'industrie du film américain, avec colts et dentelles, gangsters et prostituées.
La fascination pour ces films "pré-code" peut être expliquée par le contenu léger, comique et suggestif de ces films : hommes et femmes se désiraient, s'aimaient, couchaient sans culpabilité, période qui se prolongea 7 ans (entre 1927 et 1934) de sexe, drogue, et adultère. Les films avant code exhibaient les problèmes sociaux, ridiculisaient les hommes politiques en les montrant incompétents et menteurs. Le besoin de leaders forts pouvant prendre en charge et orienter l'Amérique vers la sortie de crise, était un thème fréquent.

 

Norma Shearer la divorcee

Norma Shearer dans la divorcee

 

Les films avant code n'avaient aucun problème avec les dictateurs, on trouve des films pour glorifier Mussolini ou Adolf Hitler.
La violence attirait les spectateurs, les films avant code traitaient la criminalité individuelle et en groupe, la violence était présente, Hollywood avaient ses gangsters "célèbres", le genre était populaire, les affiches et les photos publicitaires éclatantes, provocantes.

Le film le plus souvent cité comme le premier film pré-code est "la divorcée" de Norma Shearer. On trouve un look sophistiqué, des dialogues drôles, le double standard sexuel, un homme qui couche est un séducteur, une femme qui couche est une garce. Le film fut considéré comme immoral, mettant en valeur une femme indépendante moralement et sexuellement. Le film fut un grand succès, et Shearer a remporté l'Oscar de la meilleure actrice pour sa performance.

 

Del Ruth Blonde Crazy

Del Ruth dans le film Blonde Crazy

 

Rétrospectivement, ces 7 ans de pré-code furent une croisée des chemins : émergence des entreprises de studio de production et de leur professionnalisation. Transition maladroite et hésitante du cinéma muet vers le parlant, révolution technologique concernant les caméras, la réalisation, et l'installation de la radio comme moyen de communication incontournable, l'apparition du monde des stars de cinéma grâce aux médias et aux journalistes, et le début de nombreux genres qui vont marquer le cinéma comme les comédies musicales ou les films d'action.

Cette époque se distingue par une liberté de création, et un esprit pionnier, novateur de certains producteurs, de certains réalisateurs.
La chose la plus étrange à propos de ces films pré-code est leur longévité, et l'engouement du public pour ces films avec des femmes en sous-vêtements, aux coiffures sophistiquées, et aux robes drapées ou stylisées. L'humour du dialogue, la nostalgie, le talent des actrices et des acteurs peuvent expliquer la longévité de ces films.

 

Wellman Safe in Hell

Wellman dans le film Safe in Hell

 

Les films avant code montraient les relations avec des maîtresses, l'adultère. Jean Harlow a été décrite dans le Encyclopédie de Hollywood comme "le sex-symbol des années 1930, propulsé à la célébrité dans les films pré-code, comme Platinum Blonde, Red Dust et Red-Headed Woman."

 

jane harlow red headed

Jane Harlow dans le film red headed

 

Le film Red-Headed Woman est cité comme exemple de ces films pré code. Elle y joue le rôle d'une secrétaire qui cherche à séduire son patron et à briser son mariage.
Au cours de cette séduction, il tente de résister, il la gifle. Ils finissent par se marier. Jane Harlow séduit ensuite un riche industriel qui est en affaires avec son mari. Bien que ce plan réussisse, elle a une autre liaison, et tue son mari pour partir avec son amant. Le film a été décrit comme un "chef-d'oeuvre", et nommé aux Oscars. Cependant, le film Red-Headed Woman fut interdit dans de nombreux états américains.

En 1932, personne ne souffre du péché de chair, les personnages de Gable et Harlow savourent le désir, la sexualité sans culpabilité. Bien que la caméra s'éloigne pour ne pas trop insister, le désir est présent, franc, montrable, et non pas un jeu subtile ou ambigu.

Ces films représentent un virage vers un contenu pour adultes, une vision du monde du plaisir et de la légèreté.

La mobilisation de l'église catholique s'organisa à partir de 1933, par la formation de la légion catholique de la décence. Il s'agit d'un groupe affilié à l'église catholique, qui émet une classification sur les films, pour déconseiller ou pour encourager la famille à regarder le film.
Au début, ces classifications n'affectaient pas les revenus des films. Progressivement, l'organisation a grandi, a commencé à faire pression sur le gouvernement.


Les studios et les producteurs ont décidé de négocier avec le gouvernement fédéral un code de bonne conduite autorisant une autorité désignée à censurer les scénarios, et les films selon des critères précis.
Ce code demandait aux producteurs et aux réalisateurs de promouvoir les valeurs traditionnelles de l'Amérique. Par exemple, les relations sexuelles hors mariage ne devraient pas être présentées comme des relations attirantes ou joyeuses, mais comme des relations coupables et problématiques.
Tout acte criminel devrait être jugé et puni, jamais récompensé. La violence devrait être maîtrisée. Les autorités morales, judiciaires et politiques devraient être traitées avec respect. En cas de présentation de policiers, d'hommes politiques, ou de juges méchants ou corrompus, il est important de signifier aux spectateurs qu'il s'agissait d'une exception à la règle.
Le code Haye affirme que le rôle des films est de divertir, qu'un excès de réalisme conduit à des présentations sociales, juridiques ou raciales problématiques. Cette tendance va durablement marquer le cinéma américain. Le cinéma hollywoodien sera critiqué par la suite en raison de sa capacité à divertir, sans présenter la réalité économique ou sociale du pays.
Les discussions qui ont accompagné l'élaboration du code de bonne conduite indiquaient que les films ne peuvent changer la société, ne peuvent cultiver un esprit de révolte ou de désespoir, ne peuvent fragiliser le système économique ou le système politique en place.

En 1934, le Production Code, code de censure connu en France sous le nom de "Code Hays" est adopté et un bureau mis en place pour relire tous les scripts de film en production.

 

C'est le début d'une censure organisée et centralisée aux USA, entreprise à l'initiative des studios eux mêmes pour éviter de voir leurs films dépecés par les censures étatiques locales.
Le code de bonne conduite est appliqué à partir de 1934 dans le cinéma américain. Il restera en vigueur jusqu'en 1968.

 

Lire la suite
3
  774 lectures
  0 commentaires
774 lectures
0 commentaires

Brooklyn

brooklyn movie

 

From ireland to brooklyn

J'ai bien aimé le film Brooklyn un film de 2015 de John Crowley et Paul Tsan avec Saoirse Ronan, Domhnall Gleeson à partir du roman de Colm Tóibín.

Une bien modeste jeune fille dans un village négligé mène une vie ordinaire entre sa mère et sa sœur, dans l'Irlande pauvre des années 50.

 

brooklyn ireland

 

Sa sœur la voyant sans avenir, aidée par le prêtre du village, la pousse à trouver du travail en Amérique, elle voyage par bateau avec d'autres migrants et est accueillie dans la communauté irlandaise de Brooklyn.
La- bas elle sera une vendeuse dans un grand magasin, malgré le mal du pays et de sa famille. Elle loge et vit dans une pension de famille. Jusqu'au jour où le prêtre de la communauté l'inscrit à des cours de comptabilité, lui permettant d'obtenir enfin un diplôme.

 

brooklyn film

 

A partir de ce moment, son destin change, la jeune fille voit s'ouvrir devant elle les portes jusqu'alors fermées. Elle rencontre un jeune italien qui veut l'épouser. Elle retourne en Irlande pour l'enterrement de sa soeur, et se voit proposer un emploi de comptable dans une entreprise. Un jeune homme irlandais de bonne famille lui fait la cour et veut la retenir auprès de lui. Sa mère désormais seule souhaite aussi sa présence.

Elle constate tous ces changements et dira " j'aurai bien aimé qu'on me propose tout cela avant "
Cette modeste jeune fille devenue une jolie jeune femme instruite, diplômée et capable, se voit solliciter à prendre son destin en main.

 

brooklyn film amour

 

La narration simple, efficace, rafraichissante sans le misérabilisme généralement associé aux migrants irlandais de cette époque, nous montre la lente transformation de la chrysalide en papillon aux couleurs éclatantes.

 

Elle choisira l'avenir à construire plutôt que le passé. Quand diplôme et éducation vous ouvrent les portes du destin....

 

 

 

 

Lire la suite
3
  855 lectures
  0 commentaires
855 lectures
0 commentaires

Hemingway : l'amour devient roman

hemingway love and war

 

Hemingway, vie de fêtes, d'amours, et des romans

En 1914, le jeune Hemingway rêve de participer à la Grande Guerre. Il est réformé à cause d'une mauvaise vue. Pour un salaire de 15 Dollars par semaine, il se fait engager au Kansas City Star comme apprenti reporter.
Il voulait apprendre à écrire, il devint journaliste chargé des faits divers et resta six mois dans cet emploi.

Il voulait de l'action, découvrir le monde, et la guerre. La Croix-Rouge a besoin d'ambulanciers en Italie. Il put, avec deux amis, s'embarquer sur le "Chicago" à destination de la France, passer deux jours à Paris et prendre le train pour Milan.
A 19 ans, il rejoint la Croix Rouge en Italie. Sur les photos, on voit un beau jeune-homme au front large, avec une chevelure abondante, un regard animé des certitudes de la jeunesse, le sourire des jeunes gens immortels.

Il débarque en Italie le 7 juin 1918, pour devenir ambulancier. A peine arrivé, il doit transporter les victimes d'une fabrique de munitions qui a explosé, aider les blessés en surveillant de grands dépôts de munitions encore susceptibles d'exploser, aider à éteindre l'incendie, et transporter les morts à une chambre mortuaire de fortune.
Ernest connaissait la mort, le sang et l'agonie des animaux pendant ses journées de chasse. Cette fois, la mort est différente.

Il voit des corps sans vie, inanimés sans émotion, sans rire, sans colère, même sans souffrance.
Il voit la fin tragique de la condition humaine, les mains froides, les joues pâles, les yeux fixés sur un horizon inconnu. Une dose amère de réalité va secouer ce jeune homme qui chassait pourtant depuis des années. Il perdra sa candeur pour entrer brutalement dans le monde des adultes.
Il est envoyé à Schio, ville plus calme, au pied des Dolomites puis sur le fleuve Piave en Vénétie, son rôle consistait à aller en bicyclette distribuer vivres et cigarettes aux soldats. Il se rendait souvent à la distillerie de grappa Nandini à Bassano, et pour boire et savourer de la grappa, boisson que l'on retrouve souvent dans ses récits de guerre.

Le 8 juillet 1918, il fut frappé, au genou et au pied par un obus autrichien. Dans cette tranchée avec trois hommes, les jambes criblées d'éclats, il évacue le seul survivant sur son dos et le ramène en lieu sûr. Acte héroïque d'autant plus qu'il est le premier Américain à être blessé en Italie. 237 éclats dans les jambes, deux balles de fusil mitrailleur dans le genou.

On l'hospitalise le 17 juillet à Milan, il risque de perdre sa jambe droite. Impatient comme il le sera toujours, il avait tenté d'extirper lui-même les éclats de mortier avec un canif, sa bouteille du cognac comme anti septique et comme calmant.
Il fut plusieurs fois opéré dans cet hôpital militaire où on l'a surnommé "Poupée cassée".
Il est décoré pour cet acte de bravoure de la Croce al merito di guerra (croix du mérite militaire), on retirera 28 éclats métalliques de sa jambe droite. En trois mois, et après plusieurs opérations, il peut remarcher à nouveau avec des béquilles.

 

hemingway Agnes Von Kurowsky

 

Aimer une belle infirmière

Pendant cette longue hospitalisation, il rencontre Agnès Von Kurowsky une infirmière originaire de Pennsylvanie, brune, grande, gracieuse, cheveux sombres et aux yeux gris-bleus.
Son aînée de sept ans. Jolie, brillante, spirituelle, joyeuse et sérieuse à la fois. Après le décès de son père en 1910, Agnès a pris un travail à la bibliothèque publique de Washington.
Elle suivra une formation pour devenir infirmière. A l'entrée de l'Amérique dans la Première Guerre Mondiale en 1917, elle s'est appliquée à rejoindre la Croix-Rouge. Après une formation additionnelle en France, Agnès et ses compagnes ont été envoyées par train dans le nord de l'Italie.
Agnès s'occupe alors d'Ernest blessé, transporté en ambulance vers l'hôpital militaire de Trévise, où on lui administre de la morphine et des vaccins anti-tétaniques.


- vous êtes trop jeune pour vous appeler Ernie. Je vous appellerai M. Kid.
- dans ce cas je vous appellerai Mme Kid. Ok ? "


Hemingway a 19 ans quand il tombe amoureux de cette américaine de 26 ans.
De jours, ils sont patient et infirmière, la nuit ils sont amants. " Je suis amoureux " écrit Ernest à ses parents. Elle l'appelle Ernie, Kid (gamin), Mr Kid, et signe Mrs Kid. Elle est amoureuse avec une certaine dose de prudence.
Elle est déjà une jeune femme, et juge Ernie trop jeune pour une relation sérieuse ou durable.
Pendant la convalescence d'Ernie, et qu'il recommence à marcher, les deux amoureux explorent Milan et vont même à l'opéra.
Il lui envoie 52 lettres durant cette liaison. La première date du 25 septembre 1918. Hemingway se trouve provisoirement à Stresa. La dernière lettre date du 7 mars 1919. Les lettres envoyées par Hemingway ont été brûlées, victimes de la jalousie du fiancé d'Agnès. Le règlement de la Croix rouge était strict ; les relations sentimentales étaient interdites. La correspondance entre Agnès et Ernest était clandestine.

En octobre, Hemingway retourna au front, puis revint à Milan pour une jaunisse. Ils se revirent alors une semaine avant qu'Agnès ne soit transférée de nouveau dans un autre hôpital à Trévise. Ils s'y rencontrent le 9 décembre 1918. Elle lui annonce qu'elle ne passera pas les fêtes avec lui.
Agnès apprécie le plaisir de se sentir désirable et séduisante. Les médecins italiens la courtisent. En mars elle lui écrit sa dernière lettre - une lettre de rupture un peu maternelle - à ce jeune amoureux, son " Kid ", qu'elle n'aime plus d'amour parce qu'elle vient de donner son coeur à un Italien qui désire l'épouser. Ce qui ne se fera pourtant pas, la future belle famille vénitienne ne voulant pas d'une Américaine.
Interrogée plus tard, elle dira que pour elle il s'agissait d'un simple flirt, en dépit des 52 lettres échangées en six mois.

En Janvier 1919, Hemingway quitte l'hôpital, continue à lui écrire. Alors qu'ils avaient décidé quelques mois plus tôt, dès sa sortie de l'hôpital de retourner aux États-Unis pour se marier, Ernie rentre seul aux USA, il espère qu'elle l'y rejoindra pour l'épouser.
Agnès Von Kurowsky a décidé qu'elle devait finalement le convaincre que la relation était finie. Le 7 Mars 1919, elle écrira à Hemingway :
" Ernie, cher gamin,
Je vous écris tard dans la nuit après une longue réflexion, je crains que cela puisse vous faire du mal, je suis sûre que ce ne peut vous nuire de façon permanente.
Je tentais de me convaincre qu'il s'agissait d'une véritable histoire d'amour. Après quelques mois loin de vous, je sais que je suis toujours attachée à vous, plus comme une mère  qu'une amie.
Gamin, pouvez-vous me pardonner un jour pour vous avoir inconsciemment trompé ? Je ne suis pas vraiment mauvaise, je ne veux pas faire du mal. Je me rends compte que c'était ma faute dès le début. Je me sens qu'un jour je serais fière de vous.
Je pense à me marier bientôt. J'espère et prie pour que vous seriez un jour en mesure de me pardonner, de commencer une belle carrière et de montrer l'homme vous êtes vraiment. Avec mon admiration et ma tendresse,
Ton amie, Aggie "

On ne connait pas la réponse d'Hemingway à cette lettre de rupture. Dans une lettre de Juin 1919 à son ami Howell Jenkins, Hemingway écrit :
" Je l'ai aimée, elle m'a largué. Je ne lui donne pas tort. J'ai fait en sorte de cautériser son souvenir et je l'ai brûlé avec de l'alcool et d'autres femmes et maintenant c'est envolé ".

 

hemingway amour et guerre

 

Un souvenir "envolé" mais pas entièrement.

Agnès Von Kurowsky va inspirer le personnage de Catherine Bakley, belle et infirmière américaine qui soigne et tombe amoureuse d'un soldat américain dans un hôpital italien en 1929 dans le roman "A Farewell to Arms" (l'adieu aux armes).
Leur histoire est le scénario d'un film en 1996, In Love and War (Le Temps d'aimer), réalisé par Richard Attenborough, et interprété par Sandra Bullock, Chris O'Donnell, Mackenzie Astin.

Hemingway n'a jamais revu Agnès Hannah von Kurowsky. Il a reçu une lettre d'elle, le félicitant pour son premier mariage, et lui disant qu'elle était fière d'avoir connu son " Kid ".


Hemingway va utiliser ses expériences en Italie comme base de plusieurs nouvelles. Les personnages de romans basés sur Kurowsky apparaissent dans les nouvelles, les neiges du Kilimandjaro ou l'Adieu aux armes.

 

 

 

Lire la suite
2
  832 lectures
  0 commentaires
832 lectures
0 commentaires

Larsson: peindre le bonheur familial

carl larsson1

 

Larsson  dessine son bonheur en famille 

Il est un des peintres suédois les plus connus ; Larsson est célèbre pour ses aquarelles réalisées pour la plupart dans sa maison à Sundborn, où il vivait avec sa femme artiste et ses enfants pendant les années 1880.
Son style de peinture est bien identifiable riche en couleurs. Ce style ne reflétait pas la personnalité du peintre éprouvé par des épisodes de dépression, de difficultés et de doute.

Carl Larsson est né en 1853 dans le vieux Stockholm. A l'époque, la suède connait de mauvaises récoltes et les épidémies de choléra sévissent. Dans ce contexte dramatique, de nombreux suédois émigrent outre atlantique.


Les parents de Larsson vivent dans un quartier misérable, le père manœuvre et la mère blanchisseuse.
C'est de son grand-père peintre- artisan que son goût de l'art lui vient. Son instituteur le remarque et l'inscrit à 13 ans à l'école préparatoire des beaux arts. Il suit le cursus et est aussi caricaturiste dans le journal satirique Kasper. Il a un talent pour les esquisses et dessins pris sur le vif, il entre comme dessinateur au Ny illustrerad Tidning où il reçoit un salaire ce qui lui permet d'aider ses parents. Il veut devenir peintre officiel.
Par la suite, avec un ami il part à Paris et vit à Barbizon dans la petite colonie de peintres suédois expatriés en France, il y découvre la technique de l'aquarelle. Dans le cadre campagnard de Greze en Loing (près de fontainebleau), il est influencé par l'impressionnisme et sa palette devient plus fluide, transparente. Il peint en plein air célébrant la beauté de la nature. Il rencontre le mécène Furstengerg qui l'encourage, et en 1879 Karin Bergöö qu'il épouse, artiste-peintre également, elle lui offre un cadre familial serein propice à son art et il illustre des livres (les contes d'Andersen). Sa notoriété s'envole le jour où des éditeurs publient ses peintures et aquarelles sous forme de livrets illustrés en couleurs notamment en Allemagne (la maison sous le soleil) où ces publications conquièrent un public enthousiaste.

 

carl larsson2

 

A partir des années 1890, comme ses contemporains, ses aquarelles subissent l'influence des estampes japonaises avec un style plein de concision et une absence de relief et d'ombre en soulignant de noir ces sujets.
Ces aquarelles intimistes reflètent au détail près, sa vie de famille, sa maison que ces illustrations vont faire connaître au grand public. L'intérieur joliment décoré par sa femme Karin avec meubles élégants, boiserie claire, tapis coloré, étagères sur mesure, agencement spacieux et lumineux de la maison familiale vont diffuser une atmosphère douillette, un style de vie et le design moderne gustavien.

 

carl larsson3

 

Ses aquarelles sont une ode à la joie de vivre à la campagne et à la famille.
Les enfants faisant des boules de neige, se baignant l'été à la rivière, jouant des pièces de théâtre, ou avec les animaux de la ferme, la famille déjeunant en plein air etc.

 

carl larsson4


Ces aquarelles ont des thèmes simples et amusants et relatent comme des bandes dessinées ou des mangas, le quotidien familial dans un cadre calme et apaisé.

 

carl larsson5


On peut penser que cet hymne à la famille et aux joies simples furent un baume au cœur de cet homme dont l'enfance fut si misérable avec un père qui le détestait et qui lui manifestait tant de colère.

 

Cet amour des siens, de cette vie de famille heureuse, le bonheur d'être ensemble transparait, nous interpelle et nous rappelle que les joies simples du bonheur familial restent une valeur recherchée voire inégalée.

Lire la suite
2
  847 lectures
  0 commentaires
847 lectures
0 commentaires

De la romance aux films romantiques

films romantiques1

 

Films romantiques: bougies, Jazz et mer au loin

Les histoires d'amour nous sont familières, variées dans leur intensité, dans leur fin et selon les cultures, et selon les époques. Généralement, une histoire d'amour exige une dose de romance. L'attirance devrait être embellie de rêves, de rituels, de cadeaux, et de couleurs. Un homme aime une femme, il essaie de la séduire, dans un milieu plus ou moins hostile. Voilà comment se présente la formule de base de toute romance.

Dès ses débuts, le cinéma américain joua la carte de la romance comme genre populaire. Pendant la première moitié du 20ème siècle, les "bonnes" relations amoureuses se terminent en mariage. La nuit de noce après le fameux baiser était la fin heureuse d'une longue romance. Le cinéma rejoint la littérature pour produire des histoires sur les relations et les émotions.

 

films romantiques2

 

Amour romantique : thèmes imposés

Les films romantiques explorent certains thèmes : l'attirance, le coup de foudre, l'amour romantique, l'obsession amoureuse, l'amour platonique, amour sexuel et passionné, le couple, la rencontre et la séduction. Il n'existe pas de définition qui désigne un film de romance. C'est une histoire d'amour, avec quelques difficultés ou obstacle, qui déroule dans des lieux réputés romantiques par ex comme l'automne à New York sur un morceau de Jazz, à des moments particuliers comme la Saint valentin, ou au bord de la mer, dans les musées, ou à central Park. Chaque film a sa recette pour créer sa romance. Ces "histoires de relations" ont fini par influencer le discours de la société sur l'intimité, et sur les relations. Ces histoires écrites ou filmées sont à la base de la psychologie populaire. Ces films de romance ne détaillent plus comment un homme peut séduire une femme, mais comment évolue la relation, comment évolue le mariage, comment évoluent les relations extraconjugales.

Dans certains livres, comme dans certains films, il s'agit d'analyses plus ou moins simples sur l'intimité, sur les échanges dans le couple, sur les crises du mariage.
Récemment, on parle plus de la rencontre que du couple, Le discours dominant sur le couple et l'intimité n'est plus "Jusqu'à ce que la mort nous sépare ", mais plutôt un discours sur l'émotion, sur les relations, sur le rôle de l'autre dans notre vie. Si la littérature de romance a été considérée comme un genre littéraire secondaire aux États-Unis, le cinéma de romance a fait un progrès extraordinaire sur le plan technique, commercial, comme sur le plan de scénario. L'amour romantique moderne est l'enfant du cinéma hollywoodien, est le cousin de ces romans d'amour destiné aux femmes.

Dans ces films de romance, l'amour est roi, les hommes découvrent qu'ils ont besoin d'une relation et les femmes développent une meilleure estime du féminin dans le sillage de la deuxième vague du féminisme. Depuis les années 1970, le sexe est devenu une partie de la relation. Un film de romance doit avoir sa dose de sexe. C'est le cas des romans d'amour aussi. Le sexe marque le début de la relation, juste après l'attirance, et devient une question importante, quand le couple s'installe dans une relation sérieuse.

 

Amour romantique, consommation et capitalisme


De nombreux facteurs ont participé à la naissance de cette culture de l'amour romantique moderne : Au XXe siècle, la culture de la consommation encouragée par la recherche individualiste de l'amour, a institutionnalisé l'amour romantique et la culture de la romance. La consommation n'est pas seulement une culture matérialiste, mais une culture émotionnelle. Cette culture de la consommation a largement utilisé l'image du couple heureux et amoureux pour vendre des produits, et pour passer le message de la sécurité, et de l'autoréalisation dans une interaction romantique entre un homme et une femme. L'industrie des loisirs a utilisé l'image des couples pour vendre un film ou pour aller au restaurant. Le romantisme hollywoodien se définit par des repères visuels, par certaine atmosphère : Un dîner romantique se passe généralement dans un lieu isolé, élégant, à proximité de la mer par exemple, avec un rituel particulier comme les bougies, et la musique.

 

 

 


L'amour romantique moderne est une sorte d'utopie, un récit qui permet à l'être humain de dépasser sa condition ; l'utopie romantique décrit l'autoréalisation, l'authenticité, et le bonheur atteint dans une expérience amoureuse. Un des principaux facteurs est la distinction entre la sphère privée et la sphère publique.

 

L'amour devient le fondement de la sphère privée, et de plus en plus son unique fondement. L'amour romantique ne peut s'épanouir en dehors d'une culture individualiste.

 

Lire la suite
6
  1889 lectures
  0 commentaires
1889 lectures
0 commentaires

Film culte : Un singe en hiver

singe en hiver1

 

Singe en hiver, poésie et d'ivresse

Un film de 1962, d'Henri Verneuil avec Jean Gabin, Jean-Paul Belmondo, Suzanne Flon.
Ce film prouve que le cinéma peut être une réussite sans effets spéciaux et sans vulgarité. Excellente comédie, à partir du roman d'Antoine Blondin, Verneuil réalisateur, Michel Audiard dialoguiste, Michel Magne à la musique, et deux comédiens brillants Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo.
Un des meilleurs films du cinéma français, une belle histoire d'amitié entre deux hommes. On peut dire que c'est le meilleur rôle de Belmondo. Dans ce film, il est jeune, beau, lumineux. Il est à la fois léger et vulnérable, inconscient et grave.


Si vous pensez que c'est parmi les meilleurs rôles de Gabin et de Belmondo, je suis d'accord avec vous. Un feu d'artifice du 7ème art, comme le spectacle pyrotechnique qui termine ce chef d'œuvre.
Fin connaisseur de littérature, Audiard proposa d'adapter le roman éponyme d'Antoine Blondin, qui avait obtenu le prix Interallié en 1959 ; un chef-d'œuvre de littérature, d'une plume sensible et talentueuse.
A sa sortie, en mai 1962, l'histoire ne fait pas l'unanimité. Parmi les rares critiques positives, on cite Jean Rocheteau dans La Croix : "Je sais je ne devrais pas écrire cela. Ce n'est pas bien, certes, de soutenir une œuvre querellée par le ministère de la santé publique mais qu'y puis-je si Un Singe en Hiver m'a mis le printemps au coeur." La réussite populaire est au rendez vous.

 

singe en hiver2

 

Histoire simple : vin, voyage, ivresse  

 
L'action se situe en 1944 à Tigreville sur la côte normande aux environs de Deauville. Albert Quentin (Jean Gabin) ancien fusilier-marin d'indochine tient avec sa femme Suzanne (Suzanne Flon) l'Hôtel Stella. Albert, accro à la bouteille, promet à Suzanne de ne plus toucher une goutte d'alcool si leur hôtel échappe aux bombardements. L'hôtel tient bon, promesse tenue !

 


15 ans plus tard débarque Gabriel Fouquet (Belmondo) qui, lui, boit pour oublier l'échec de sa vie sentimentale avec Claire, qui vit à Madrid alors que leur fille est pensionnaire à Tigreville.
Les deux hommes, qui n'ont pas "le vin ni la cuite mesquine", vont connaître deux jours euphoriques, heureux, poétiques mémorables pour eux, et pour les habitants grâce à l'ivresse. L'un va retrouver l'Espagne, l'autre...la Chine.
L'apothéose de cette soulographie s'achèvera par un feu d'artifice (dantesque) sur la plage... Puis...chacun retournera à sa vie d'avant.

 

singe en hiver3

 

Les films cultes sont composés de scènes cultes


On trouve dans ce film des perles, un mélange délicieux de la plume de Blondin et d'Audiard comme cette tirade de Quentin :


" Les princes de la cuite, les seigneurs, ceux avec qui tu buvais le coup dans le temps, mais qui ont toujours fait verre à part. Dis-toi bien que tes clients et toi ils vous laissent à vos putasseries, les seigneurs ; ils sont à cent mille verres de vous. Eux, ils tutoient les anges. Vous avez le vin petit et la cuite mesquine ; dans le fond, vous ne méritez pas de boire. "


Ou encore ce dialogue mémorable de Quentin :  


- Je ne vous apprendrais rien en vous rappelant que Wang-Ho veut dire fleuve jaune et Yang-Tse-Kiang fleuve bleu. Je ne sais si vous vous rendez-compte de l'aspect grandiose du mélange : un fleuve vert, vert comme les forêts, comme l'espérance. Matelot Hénault, nous allons repeindre l'Asie, lui donner une couleur tendre. Nous allons installer le printemps dans ce pays de merde !


Le lundi 22 septembre 2014, cinquante-deux ans après le tournage du film, Jean-Paul Belmondo est revenu dans la commune de Villerville (tigreville) pour recevoir un hommage largement mérité pour son talent et sa carrière exceptionnelle. Le public n'a pas oublié le grand acteur Belmondo ni ce grand film qui est devenu un des trésors du cinéma français.
L'année dernière, hommage à Lyon à Belmondo. Quand on demande à l'acteur quel film projeter pour cette soirée d'hommage, il choisit bien sûr un singe en hiver.     

 

 

 

Lire la suite
2
  1181 lectures
  0 commentaires
1181 lectures
0 commentaires

De Caruso à Pavarotti : rendre l'opéra populaire

caruso opera lyrique

 

Caruso:  l'opéra comme une chanson  

Tout le monde se souvient de Pavarotti et ses tournées mondiales réunissant la foule au champ de Mars ou à Coven Garden en compagnie de Queens, U2 ou Elton John ou encore de ses deux amis Dominguez et Carreras. Pendant ces concerts, Pavarotti et les autres ténors captivaient l'attention de leur public en interprétant des airs lyriques populaires. Ils prolongeaient ainsi une belle tradition.

 

Avant Pavarotti, un autre italien enchanta le monde avec les airs populaires de l'opéra : il s'agit d'Enrico Caruso, le célèbre ténor à la voix d'or.
Il est né à Naples en 1823 dans un milieu modeste d'un père mécanicien. Avec le soutien de sa mère, il est choriste à l'église et chante aux terrasses des cafés les airs populaires napolitains. Par la suite il suivra durant 3 années des cours de chant pour se préparer à faire carrière à l'opéra. En 1885 avec de grande difficulté, il débute à l'opéra.

En 1897, il est devenu un artiste reconnu, et vit de son métier. Il tombe amoureux d'Ada Giachetti-Botti, soprano étoile avec laquelle il chante la Traviata. Ces représentations furent un succès éblouissant pour les deux chanteurs. Ada bien que mariée et mère, quitte son mari pour devenir la compagne de Caruso et la mère de ses deux premiers garçons, Rodolfo et Enrico.

Avec l'aide d'Ada, Caruso améliore sa technique vocale, sa carrière lyrique s'envole. En 1989 il crée Fedora, célèbre opéra de Giordano, un immense succès. En 1900 il fait ses débuts à la Scala dans la Bohème sous la direction d'Arturo Toscanini, ce dernier dira : " si ce Napolitain continue à chanter ainsi, le monde entier parlera de lui ".

En 1902 il chante à Covent Garden, et réalise le premier enregistrement sonore de sa voix. Caruso rencontre Gaisberg ingénieur du son et représentant de la compagnie Gramophone qui l'entend pour la première fois et qui cherche des chanteurs pour lancer cette nouvelle technique d'enregistrement de musique sur cylindrique (avant la création du disque vinyle).
Caruso est enchanté. Il enregistre dix morceaux de deux heures pour une belle somme d'argent. Gaisberg déclara que les enregistrements de Caruso " avaient mis au monde le gramophone ". L'enregistrement de Caruso fut publié en 1903 comme le premier du label Victor Red Seal (le phoque rouge), et le premier enregistrement de Nipper, le chien de "La Voix de son maitre" logo de (HMV), écoutant le pavillon du gramophone.

Les premiers enregistrements du chanteur se vendent à plus d'un million d'exemplaires malgré la rusticité des gramophones de l'époque.

En 1903 à 30 ans il débute au Met de New York dans Rigoletto.
Acclamé par la critique, il va conquérir New York et devenir la coqueluche de cette ville et le Met son théâtre pendant 17 ans. Il va y créer la plupart des rôles de ténors italiens et devient célèbre et riche. Il fera de nombreux enregistrements sonores qui participeront à sa célébrité. Il est une personnalité joviale, une cour d'admirateurs s'installe autour de lui qu'il subventionne généreusement.
Il sillonne les états unis, l'Amérique du sud et devient une star.

En 1908, Ada le quitte brutalement lasse de tous les sacrifices consentis (de son mariage à sa carrière), elle abandonne son argent, ses maitresse et son succès.
A partir de 1909, des ennuis de santé surviennent, la première guerre mondiale le prive de l'Europe.
Il rencontre la jeune américaine Dorothy Park Benjamin qu'il épouse en 1918, et avec qui il aura une fille l'année suivante.

En 1920 il retourne à Naples se reposer mais y meurt d'une septicémie suite à un abcès mal soigné, les antibiotiques étant inconnus à l'époque, il a 48 ans.

L'Italie décrète un deuil national, il est un modèle pour les ténors de toutes les époques.

Il est possible d'écouter ses enregistrements de grands airs d'opéra ou de chansons traditionnelles parmi lesquels : Una furtiva lagrima, Addio a Napoli, Celeste Aida (Aida), Amore o grillo (Madama Butterfly), Vesti la giubba (I pagliacci), Libiamo ne' lieti calici (La traviata).

 

 

Daniel Auteuil dans la fille du puisatier (2011) a choisi pour la bande d'annonce la musique d'une chanson de Caruso, et termine son film sur une image tendre et nostalgique de la famille réunie avec core'ngrato (cœur ingrat) de Caruso (remixé par Alexandre Desplat) :

Les paroles de cette chanson populaire italienne sont simples :


Catarì, Catarì, Pourquoi me dire ces paroles amères,
Pourquoi tu me parles et tu me tourmentes le cœur, Catari ?
N'oublie pas que je t'ai déjà donné mon cœur, Catari N'oublie pas !
Catarì, Catarì, que veulent dire ces paroles qui me donnent des spasmes ?
Toi, tu ne penses pas à ma douleur, toi, tu n'y penses pas, tu ne t'en soucies pas
Cœur, cœur ingrat Tu as volé ma vie, tout est fini et tu n'y penses plus
Catarì, Catarì, Tu ne le sais pas, que même jusqu'à dans l'église
Je suis rentré et j'ai prié Dieu, Catarì Et je l'ai même dit au confesseur :
Je suis en train de mourir Pour celle là !
Je souffre, Je souffre, vous ne pouvez pas le croire,
Je souffre tous les tourments ! Et le confesseur, personne sainte,
M'a dit : Mon fils, laisse la, laisse la
Cœur, cœur ingrat
Tu as volé ma vie
Tout est fini
Et tu n'y penses plus

 

Lire la suite
2
  978 lectures
  0 commentaires
978 lectures
0 commentaires

Cabaret vert à Charleville et non pas à Charleroi

cabaret vert Rimbaud

 

Cabaret vert : Charleville fête Rimbaud 

En hiver 1870, Rimbaud continue ses voyages. Cette fois, il est en Belgique, ce pays voisin des Ardennes qu'il aimait fréquenter et passer du temps. Il arrive à Charleroi, il se restaure dans une auberge. Il écrit son poème, léger, enjoué le cabaret vert, comme on écrit dans son récit de voyage ou actuellement comme dans un blog.

 

Au cabaret Vert

"Depuis huit jours, j'avais déchiré mes bottines
Aux cailloux des chemins. J'entrais à Charleroi.
- Au Cabaret-Vert : je demandai des tartines
De beurre et du jambon qui fût à moitié froid.
Bienheureux, j'allongeai les jambes sous la table
Verte : je contemplai les sujets très naïfs
De la tapisserie. - Et ce fut adorable,
Quand la fille aux tétons énormes, aux yeux vifs,
- Celle-là, ce n'est pas un baiser qui l'épeure ! -
Rieuse, m'apporta des tartines de beurre,
Du jambon tiède, dans un plat colorié,
Du jambon rose et blanc parfumé d'une gousse
D'ail, - et m'emplit la chope immense, avec sa mousse
Que dorait un rayon de soleil arriéré."

Octobre 1870

Selon la pléiade, il n'y a jamais eu de cabaret vert à Charleroi, mais une maison verte, auberge avec une façade peinte en vert, meubles verts et une enseigne verte.
Certains habitants prétendent que la serveuse était une flamande prénommée Mia.
Dans ce texte, Rimbaud nous raconte le bonheur simple d'un voyageur qui se repose, prend un repas accompagné du sourire d'une jolie serveuse.
C'est un texte de jeunesse, un moment d'enchantement, différent des autres textes de Rimbaud, parfois plus sophistiqués ou plus mystiques.
Il était jeune, il avait 17 ans, aimait la vie. Le poète transforme une auberge en cabaret et immortalise la belle flamande rieuse.

Depuis plusieurs années, le cabaret vert n'est plus à Charleroi, mais un festival de rock à Charleville Mézières sur les bords de Meuse.


Rimbaud n'aimait pas sa ville natale, comme Mozart n'aimait pas Salzbourg, deux enfants rebelles qui voyagent loin, puis reviennent, plus tard, pour toujours dans la mémoire et les cœurs des habitants.
Plus le talent, un point commun entre Mozart et Rimbaud.


Ce festival semble grandir d'année après année avec ses deux piliers écologie et rock.
Rimbaud aurait aimé discuter écologie et écouter du rock,
Rimbaud a dit :

" Il faut être absolument moderne. "

 

 

Lire la suite
2
  730 lectures
  0 commentaires
730 lectures
0 commentaires

5 chefs d’œuvre de la peinture : Vénus

Les mythes sont des histoires que nous nous racontons. Ils sont les idées qui fleurissent dans nos vies. Les mythes sont des croyances religieuses simplistes et infantiles disent certains, mais dans notre civilisation fondée sur la raison, les mythes continuent à nous influencer pour expliquer ce que nous ne pouvons pas expliquer.

 

Aphrodite, vénus et  la peinture

L’archétype d’Aphrodite a capturé l’imagination humaine, en occident, au moyen orient, en méditerranée, comme symbole de désir et d’attirance sexuelle.

Aphrodite est la femme dans sa complexité, la mère dévouée, la séductrice, l’attirante, la séductrice, la jalouse, la fidèle et l’infidèle.

Séductrice ultime, elle prend plaisir à soumettre les autres par la force de sa beauté et de sa séduction, par ses attributs physiques qu’elle accorde comme un don à ses amants.

Elle met les hommes et les femmes ensemble, encourage l’amour et le couple, et rend les femmes désirables. Adorée par des artistes de sa naissance à nos jours, de Botticelli aux bandes dessinées les plus récentes, représentée nue ou drapée, habillée avec son sourire légendaire, moqueur, séduisant, et surtout belle.

 

venus titien

 

Titien et Vénus

Titien, 1538 (Tiziano Vecellio ou Titien (1488- 1576) à Florence.
En hommage à son maître, Titien s'inspira de la " Vénus endormie " de Giorgione, et réalisa un tableau similaire. Cette Vénus d'Urbino est située dans un cadre intérieur, parfaitement éveillée, avec un geste " pudique" de la main, exprime un certain coté lascif.
Titien nous fait définitivement sortir de l'antiquité pour nous inviter à une nouvelle forme d'expression contemporaine, celle de la Renaissance, car en dépit de sa nudité, son regard nous toise sans aucune inhibition pudique.
Pour la première fois, un peintre se permet de ne plus faire directement appel à un thème d'ordre mythologique ou biblique pour exposer un corps nu ; Titien propose une esthétique féminine dans sa forme la plus naturelle, belle, et épanouie.

Le coquillage traditionnel ayant disparu pour se métamorphoser en animal familier. Le chien symbole de fidélité, et aussi du désir charnel. Un superbe coucher de soleil se voit dans l'embrasure de la fenêtre.

 

venus Botticelli

 

La naissance de Vénus. Botticelli


XV siècle, Florence, Sandro Botticelli (1445- 1510).
C'est un tableau majeur de Botticelli, peint vers 1485, conservé aux Offices de Florence. Il a osé en dépit d'un christianisme hostile au corps n'acceptant que des femmes pécheresses punies et chassées du paradis.
L'action du tableau est simple. Venus sort de l'eau sur une coquille, conduite sur le rivage par le dieu du vent au milieu d'une pluie de roses. Lorsqu'elle va poser le pied sur la terre, une nymphe, l'une des Heures, l'accueille avec un vêtement pourpre.
Une pluie de rose accompagne la déesse de l'amour comme l'avait décrite le poète grec Anachréon (580 -495 av. J. C.). Les anémones à ses pieds et sa robe parsemée de bleuets annoncent le printemps, saison durant laquelle Vénus fait revenir la beauté et la vie après les rigueurs de l'hiver.
Le manteau pourpre présenté à la déesse sur le rivage n'a pas seulement une fonction esthétique, mais aussi une signification rituelle, il marque la frontière entre deux domaines : le nouveau né comme le mort était toujours enveloppé dans un linge rouge.

La Vénus de Botticelli est si belle que nous ne remarquons pas la longueur artificielle de son cou, la chute excessive de ses épaules et l'étrange façon dont son bras gauche est relié au corps.

 

venus bouguereau

 

Toilette de Venus, Bouguereau


1873, musée des beaux arts, Buenos Aires, William Bouguereau (1825 - 1905).
Fidèle à la peinture académique, Bouguereau dessine une Vénus seule, au bord de l'eau, pour nous offrir un nu académique qui porte la marque Bouguereau : réalisme presque photographique. Elle est prés d'une rivière, ou sur la rive de l'océan. Derrière elle, il y a des branches et le feuillage, puis des rochers pour la
protéger des regards. Elle regarde le spectateur, avec une expression sereine et amicale. Elle est à l'aise.

Son corps est d'une taille élancée à la peau lisse, seins fermes et juvéniles, taille fine, hanches étroites et les jambes bien en forme élégantes lisses. Elle est accroupie, pied gauche coincé sous elle, assise en équilibre avec élégance sur le terrain. Sur la gauche, ses bijoux sont placés dans une pile ordonnée sur le sol après avoir été retiré avant le bain.
C'est une belle femme comme on les aimait au 19ème siècle, bonne santé, peau blanche, quelques rondeurs. Sa nudité est plus réaliste qu'académique, montrée entièrement sauf le bas ventre dissimulé par la jambe droite.

 

venus cabanel

 

Naissance de Vénus, Alexandre Cabanel,


1863, musée d'Orsay, Alexandre Cabanel (1823-1889).
La Naissance de Vénus est l'un des plus grands succès de Cabanel, tableau acquis par l'empereur Napoléon III pour sa collection personnelle. Selon les principes de la peinture d'histoire, la déesse est peinte grandeur nature. Elle repose sur les vagues (Aphrodite anadyomène " celle qui sort de la mer ". De petits Amours forment une guirlande au-dessus d'elle).
Le corps de la déesse est idéalisé : les contours sont définis, les courbes sensuelles accentuées, toute pilosité a disparu. La position alanguie, les bras rejetés derrière la tête, le sourire et le regard coulés vers le spectateur ne sont pas dénués d'ambiguïté.

Émile Zola écrivit : " La déesse, noyée dans un fleuve de lait, a l'air d'une délicieuse lorette, non pas en chair et en os, cela semblerait indécent, mais en une sorte de pâte d'amande blanche et rose. Cet heureux artiste a résolu le difficile problème de rester sérieux et de plaire. "

 

venus Veronese

 

Vénus et Adonis dormant, Véronèse.


XVI siècle. Museo del Prado à Madrid.
Véronèse a réussit une toile magistrale qui mérite le détour, et une longue observation.
Torpeur du jeune homme et douceur champêtre de l'instant sont ainsi minées par l'annonce de la mort prochaine d'Adonis, déchiré par un sanglier au cours d'une chasse. Spectacle du bonheur et de la douceur de vivre, et aussi l'image du bonheur perdu.

Le sommeil d'Adonis préfigure sa mort. Les chiens et l'Amour, images de la modération et de la fougue des sentiments, suggèrent l'harmonie du couple. Selon un code suivi par Véronèse, l'amant mortel, vêtu de rouge, couleur de la passion, pose sa tête sur les genoux de la déesse, dont la semi-nudité parée de bijoux
exprime la volupté.


Cette toile témoigne de l'intérêt nouveau que Véronèse porte au paysage. Les personnages s'intègrent dans une nature qui semble refléter les sentiments ou la tension psychologique qui sous-tend le sujet. La lumière solaire dore le corps de Vénus et fait miroiter les feuillages protecteurs sur un ciel tendre et changeant. Mêlant mythologie, érotisme et observation psychologique, Véronèse donne à cette toile une densité lumineuse.

 

 

Lire la suite
4
  2014 lectures
  0 commentaires
2014 lectures
0 commentaires

Pathé et Gaumont : deux génies du cinéma français

pathe gaumont

 

Pathé et Gaumont  et le cinéma français

A chaque fois que je regarde un film, je suis saisi par le jeu des acteurs, par le scénario, conscient de la difficulté du réalisateur à transformer un texte en images. Je pense au producteur quand les logos familiers de Gaumont avec sa marguerite et de Pathé avec le fameux coq gaulois apparaissent.
On connait les noms Pathé et Gaumont, firmes de production de film mais qui connait les deux hommes et leur immense succès.

 

Deux personnages; génies et bagarreurs productifs.

La chaine Arte vient de diffuser, mardi 16 août, un reportage enrichi de nombreux documents d’archive sur cette époque si prometteuse.
Mais c’était quand ? C’était il y a un siècle ; à l’époque des écrans argentiques diffusant des films muets en noir et blanc.

 

fantomas feuillade film

 

En lisant leurs biographies ou en regardant des reportages, on est surpris de voir combien la concurrence acharnée fut productive, et combien l’ingéniosité, la perspicacité et la modernité de ces deux hommes se sont avérées pleines de succès. Ils ont démontré leur avance sur leur époque, et leur grande capacité à anticiper les évolutions dans ce milieu neuf et créatif du cinéma au début du 20ème siècle.


Cette avance technologique et industrielle sera ralentie par la première guerre mondiale, laissant le champ libre à l’industrie du cinéma américain.

On connait les noms des Frères Lumière, inventeurs du cinéma, le nom de Méliès et sa production pleine de créativité, suivront deux géants, hommes d’industrie. Charles Pathé et Léon Gaumont furent de véritables créateurs à leur époque. L’optimisme et l’ingéniosité de ces deux personnages s’affrontaient dans une compétition bénéfique pour le cinéma français sur le plan de la production, distribution et réalisation,
Ils ont transformé le cinéma débutant en 7ème art.

 

pathe affiche

 

Charles Pathé homme avisé et doué dans les affaires a réussi à créer des succursales et des alliances en Europe (Belgique et Espagne) et aux USA pour la production de films.
Léon Gaumont avec ses réalisateurs Alice Guy puis Louis Feuillade inventa le cinéma « esthétique » un genre qui se voulait bourgeois et recherché à l’opposé du cinéma populaire et comique de Pathé avec son cinéma burlesque de Max Linder.
Gaumont ingénieur de formation inventa avant tout le monde, le cinéma couleur et le parlant.

Tous les deux sont à l’origine des série-feuilletons à suspense, genre nouveau qui laisse le spectateur en haleine, comme les aventures de Pauline (aux USA), les mystères de New York, les vampires, Fantômas, Judex et autres.
Après de longues années de rivalité et compétition, ils ont fini par devenir amis après leur retraite. De vieux amis mêmes.

 

pathe affiche exploits elaine

 

On peut se demander qui aura la bonne idée de créer une série-télé, sur la vie de ces deux hommes, eux qui ont produit et inventé le cinéma d’aujourd’hui.

Pour savoir plus : Arte

Lire la suite
2
  899 lectures
  0 commentaires
899 lectures
0 commentaires

Amour : maladie, folie ou addiction ?

amour passion

 

Amour : émotion, sentiment ou addiction ?

Isaac singer disait que l'amour est plus fort que les convictions d'un homme.
Omar Khayyâm disait : "L'amour qui ne ravage pas n'est pas l'amour." On peut disserter sur l'amour pendant des heures, on finira par admettre que l'amour, et surtout l'amour romantique fait partie des mystères de la vie, de l'humanité.

L'amour est un sentiment plus complexe qu'une émotion. Il est difficile à définir, il est différent d'une personne à autre.

On reconnait facilement ce sentiment par ses conséquences et ses symptômes. On identifie le sentiment amoureux comme on identifie la grippe ; après le début des symptômes, on cherche la cause, on se questionne avant d'admettre qu'on est amoureux. L'amour est le sujet poétique par excellence. L'amour est un sujet philosophique également.

Aucun livre de poésie, de philosophie n'échappe à ce sujet. Cependant, la philosophie, la poésie ou les chansons ne peuvent pas aider réellement une personne qui souffre d'un amour non partagé ou non satisfait. Malgré des siècles de vaines tentatives à définir l'amour, la médecine et aussi la psychologie admettent l'existence de ce sentiment, admettent que l'amour est un besoin naturel et essentiel aux humains pour avoir une bonne qualité de vie, tout comme le besoin de se reposer, de dormir, ou de se divertir.

 

Par le passé, le sentiment amoureux était rattaché au "coeur". Le coeur des gens amoureux bat plus vite etc... réagit avant la rencontre amoureuse, ou après la déception ou la rupture. Progressivement, la relation entre le coeur et le sentiment amoureux devient métaphorique plus qu'organique, cette relation traduit combien le sentiment amoureux est vital et profond dans la vie humaine, aussi essentiel que le battement du coeur.

Dans l'amour romantique surtout, il existe au début de la rencontre une période d'euphorie et un sentiment profond de manque. La personne amoureuse exprime des sentiments étranges comme l'incapacité de vivre sans l'autre, des jugements excessifs et irréels sur les qualités de l'autre, et aussi des attentes déraisonnables vis à vis de l'être aimé. On retrouve ces moments d'euphorie surtout dans les amours des adolescents, avec des réactions parfois excessives, et parfois aussi dangereuses.


amour sexualiteLa passion comme folie-dépendance

Tu me rends fou. Elle me rends folle. Voila des phrases banales entre amoureux. Je suis fou de toi, traduit un comportement déraisonnable, un comportement de gens malades. L'amour peut rendre une personne incontrôlable, euphorique, et étrangère. L'adolescent amoureux peut devenir malade ou violent, peut négliger ses activités, peut avoir un comportement à risque. L'amour passionné était redouté au Moyen-âge.

 

La passion était une maladie, une folie en soi. Dans le passé, la passion amoureuse était nommée le mal d'amour, avant de devenir la maladie d'amour. Cette maladie d'amour était considérée comme une folie, une aliénation. Dans ces termes, on retrouve la maladie mentale sous une forme ou sous une autre. L'état amoureux peut faire surgir de chacun des faits étranges qui rappellent le comportement des malades mentaux. La personne euphorique en raison d'une attirance sexuelle débutante, ou en raison d'un amour romantique puissant perd sa capacité à être raisonnable, la passion devient l'ennemi de la raison, et de la sagesse. Dans la passion amoureuse, il y a la folie de l'attirance, la folie du manque.

Jean de la Croix écrivait :

 

"Je vis, mais sans vivre en moi-même, Et mon espérance est si haute, Que je meure de ne pas mourir."

 

Dans la passion, comme dans l'amour romantique, comme dans l'attirance sexuelle, il y a une euphorie, l'absence de limites, un manque cruel, une souffrance, et un comportement étrange. Curieusement, on a toujours noté que la séparation augmente ses symptômes, l'absence de la personne aimée et de sa sexualité aggrave les symptômes, et la souffrance de la personne.

 


baiser jeune coupleL'amour et le cerveau

L'évolution scientifique a permis une approche supplémentaire pour comprendre l'amour, pour comprendre précisément la biologie de l'amour. Le sentiment amoureux active des zones précises dans le cerveau humain identifiées par l'IRM (imagerie par résonance magnétique). D'autres approches scientifiques utilisant la neurobiologie permettent de cartographier les zones cérébrales activées pendant l'attirance, l'excitation sexuelle et l'épisode d'amour romantique.

Ces études ont suscité beaucoup d'intérêt à leurs débuts. Dans un journal de neurophysiologie, les chercheurs ont suivi l'activité cérébrale de 15 personnes (10 femmes et 5 hommes) auto-déclarées amoureuses. Les chercheurs ont comparé l'activité cérébrale de ces personnes après un contact avec le bien-aimé, un contact réel ou contact visuel par l'intermédiaire d'une série de photographies.

Les résultats montrent que le sentiment amoureux intense entraîne l'activation des régions riches en dopamine dans le cerveau comme le noyau strié qui abrite le centre du plaisir. Le sentiment amoureux entraîne l'activation de zones cérébrales associées à la motivation et à la recherche d'une récompense.

À partir de ces résultats de ce petit échantillon, les chercheurs ont formulé les premières conclusions : l'amour romantique est un état de motivation cérébrale à la recherche d'une récompense, l'amour romantique n'est pas une émotion, n'est pas un sentiment, mais une motivation.

La personne amoureuse est fortement motivée pour être avec son bien-aimé, à la recherche d'une récompense neurologique, c'est-à-dire à la recherche d'une satisfaction. La personne amoureuse se sent mieux, et plus satisfaite avec son bien-aimé.

 

Dans d'autres études publiées dans le journal de médecine sexuelle, l'activité cérébrale a été examinée chez 20 personnes, en utilisant l'I.R.M., après avoir visionné les photographies des personnes aimées ou désirées. Les auteurs ont dessiné une carte précise des ondes cérébrales activées pendant cette visualisation : le désir sexuel et l'amour romantique activent le noyau strié. L'amour romantique active une zone cérébrale nommée l'insula (ou le cortex insulaire) située au fond du sillon latéral.

Ainsi, on peut dire que le noyau strié est responsable de l'attirance initiale, du désir sexuel, alors que le cortex insulaire est responsable de transformer ce désir en amour, en associant les besoins inconscients aux comportements conscients.

 

couple champagneAmour dépendance

Cette découverte de la participation du noyau strié dans le sentiment amoureux entraîne une question simple : on sait déjà que ce noyau est responsable de la dépendance et de l'addiction chez l'être humain, par un processus d'anticipation du désir et de la récompense. Est-ce que l'amour romantique, ou l'attirance sexuelle sont une addiction ?

Dans les études récentes, aucune conclusion définitive n'est possible, par contre, on peut considérer l'amour comme une habitude constituée du désir sexualisé qui cherche une récompense.

Cette découverte de similitudes entre l'amour romantique et l'addiction comportementale (addiction sexuelle, addiction au jeu), entre l'amour romantique et l'addiction chimique (drogue, alcool) peut aider à expliquer certains comportements amoureux excessifs, voire obsessionnels. Dans certains cas, on retrouve dans le comportement amoureux un harcèlement, de la violence, suicide et dépression. L'amour romantique peut être considéré comme une forme de dépendance similaire à la dépendance aux sports, ou à l'exercice physique. En cas de manque, un sentiment d'inconfort surgit. En cas de manque sévère, un comportement agressif, violent ou dépressif peut apparaître.


En pratique

L'expérience amoureuse n'est pas une maladie, n'est pas un état pathologique. Pour la plupart des gens, on peut comparer le sentiment amoureux au plaisir du sport, au plaisir artistique, c'est un comportement joyeux, optimiste, sain, qui s'accompagne d'euphorie, de motivation et de projets. Ce sentiment amoureux est indispensable pour la survie de notre espèce comme les autres besoins essentiels de l'être humain.

Comme d'autres comportements, l'addiction peut surgir. En cas d'amour romantique, d'une attirance sexuelle forte, certaines personnes peuvent apparaître obsessionnelles, confuses, addictes ou même en état second car le contrôle cérébral raisonnable s'affaiblit, alors que d'autres personnes vont vivre la même expérience, les mêmes pensées et les mêmes sentiments d'une façon différente, avec motivation et esprit positif.

Schématiquement, en prenant l'approche neurobiologique, la relation amoureuse ou l'attirance sexuelle active des zones bien précises dans le cerveau, les mêmes zones responsables de la dépendance et de l'addiction, utilisant la même procédure : anticiper le désir, rechercher la satisfaction. Cet état amoureux évolue vers une relation modérée pour le reste du cerveau humain, s'accompagne d'émotions, de raisonnements, d'une construction consciente à la recherche de l'intimité, et de la relation durable.

 

Mais chez certaines personnes, surtout les personnes affectées d'anxiété, victimes de traumatismes pendant l'enfance, personne dépressive, ou souffrant d'une phobie sociale, l'amour romantique ou l'attirance sexuelle devient une addiction à la recherche d'un soulagement du stress, de l'anxiété, de la dépression ou de la phobie.

Ces personnes prolongent l'amour romantique, l'amour fusionnel, retarde autant que possible, la transformation de l'attirance sexuelle en intimité. La phobie sociale, la peur de l'intimité et ou la dépression invitent ces personnes, à la façon des toxicomanes, à rechercher leur soulagement sans aller plus loin. Dans ce cas, l'amour romantique et l'attirance sexuelle n'évoluent pas vers une relation, mais plutôt vers amour-dépendance, une dépendance affective.

On retrouve le même schéma en cas de rupture amoureuse. En cas de dépendance affective ou d'amour dépendance, la rupture amoureuse devient un sevrage, la personne souffre, refuse d'admettre ce sevrage, et peut manifester vis-à-vis de son partenaire un comportement de harcèlement, de chantage, ou parfois même un comportement violent et dangereux.

Cette approche théorique permet d'aider les personnes en souffrance après une rupture amoureuse ou en difficultés relationnelles. La personne serait invitée, avec l'aide de la thérapie, à comprendre déjà la nature du problème. L'amour n'est pas un problème en soi, l'attirance sexuelle n'est pas un état pathologique, mais peuvent devenir problématiques en dévoilant une dépression, une anxiété, ou une phobie sociale, etc. Le traitement pourra aider à soulager l'anxiété ou la dépression, l'amour romantique peut évoluer vers une relation durable apaisée, de même la rupture amoureuse peut être ainsi mieux acceptée, et rapidement oubliée.

Il s'agit d'un schéma de neurobiologie pour conceptualiser l'amour romantique et l'attirance sexuelle. Ce schéma ne peut tout expliquer bien sûr, mais il a sa place avec les autres schémas qui traitent le sentiment amoureux, y compris les schémas philosophiques ou poétiques.

 

"Je ne veux à l'union de deux ames sincères admettre empêchement.

L'amour n'est point l'amour s'il change en trouvant ailleurs le changement ou s'éloigne en trouvant en l'autre l'éloignement...."

Sonnet 116 de W. Shakespaere

 

Réf

A. Aron, H. Fisher, D. Mashek, G. Strong, H. Li, and L. Brown, "Reward, Motivation and Emotion Systems Associated with Early-Stage Intense Romantic Love," Journal of Neurophysiology, 2005, 93 : 327-337.
J.G. Pfaus, T.E. Kippin, G.A. Coria-Avila, H. Gelez, V.M. Afonso, N. Ismail, and M. Parada, "Who, What, Where, When and Maybe Even Why? How the Experience of Sexual Reward Connects Sexual Desire, Preference, and Performance," Arch Sex Behav, 2012, 41(1) : 31-62.
H. Fisher, L.L. Brown, A. Aron, G. Strong, and D. Mashek, "Reward, Addiction and Emotional Regulation Systems Associated with Rejection in Love," Journal of Neurophysiology, 2010, 104 : 51-60.
Cazenave Michel : histoire de la passion amoureuse, éditions du félin, Paris, 2001

 

Lire la suite
5
  2639 lectures
  0 commentaires
Mots-clés :
2639 lectures
0 commentaires

Matisse, le dépassement de soi

matisse luxe calme volupte

 

Matisse, l'Art de se dépasser

Tout le monde connait Henri Matisse (1869-1954), le grand peintre. Toute sa vie fut consacrée à son œuvre principalement à la peinture.
A vingt ans, pendant un séjour à l'hôpital pour appendicite, il commence à dessiner. Travailleur acharné, il suit des cours de dessins notamment à Paris et commence à exposer en 1896 au salon des 100.
Peintre classique de natures mortes, il suit des cours de sculptures, découvre bientôt l'impressionnisme.
En 1905 il participe au salon des indépendants où ses tableaux sont qualifiés de " fauves " en raison de couleur flamboyante et provocante et d'une simplicité des formes inhabituelles intriguant les critiques d'art de l'époque.
Le mouvement du fauvisme est lancé. Il devient un peintre reconnu, célèbre.

 

matisse femme au chapeau


Ses tableaux sont achetés par les marchands d'art notamment les Stein.
Sa renommée grandit et son art s'exporte aux Etats-Unis où il influencera l'art abstrait dans cette quête de simplification des formes.

Tout le monde connait ses toiles joyeuses baignées de couleur dorée qu'il peindra dans le sud de la France, à Nice ou en Corse.

A l'apogée de son art, il tombe malade. Opéré du colon, il s'en suit une éventration le rendant incapable de rester debout longtemps, trop affaibli pour peindre.

 

matisse nu en bleu

 

Avec force et ingéniosité, malgré son âge, il dépassera cette incapacité physique et inventera une nouvelle technique pour peindre : à l'aide d'assistante, il fait des collages de papiers gouachés découpés aux ciseaux sur de grande toile murale qui produiront une très grande simplicité à la composition. L'effet est immédiat, le résultat est magnifique, d'une simplicité et élégance jamais vues ; il réussit de façon inattendue à produire ce qu'il recherchait depuis des années.

Ces dernières compositions sont connues dans le monde entier : les nus bleus, la gerbe de fleurs, l'escargot, la tristesse du roi, emblématiques de l'art moderne.

 

matisse la gerbe


Certains considèrent ces dernières productions comme les plus appréciées de son œuvre.

A la fin de sa vie, il écrivait à un ami :

 

 " J'ai toujours essayé de dissimuler mes efforts, j'ai toujours souhaité que mes œuvres aient la légèreté et la gaieté du printemps qui ne laisse jamais soupçonner le travail qu'il a coûté."

 

 

Lire la suite
3
  1114 lectures
  0 commentaires
1114 lectures
0 commentaires

Pourquoi Austen redevient populaire ?

Ausen si moderne

Pourquoi Austen redevient populaire ?

Comment expliquer la popularité à notre époque de Jane Austen surtout parmi les femmes ? Est-ce le retour de l'amour romantique ? Est-ce par la féminisation de notre société et de notre mode de vie ? Est-ce par les changements de nos rapports au couple? Sans doute un peu tout cela.

Dans nos sociétés occidentales apaisées, riches, sans guerre depuis une ou deux générations, et basées sur l'individualisme, le couple prend une importance particulière. Il est la traduction de l'amour, la dernière cellule de résistance à l'individualisme, le dernier havre de paix dans une société sans liens. L'amour moderne est différent de l'amour romantique de Jane Austen par ses liens avec la sexualité, l'érotisme et la réalisation de soi.

Dans une société occidentale permissive, une jeune femme à l'âge d'Élisabeth Bennet se retrouve pratiquement dans la même situation qu'Élisabeth Bennet, en dépit des spectaculaires changements de la condition féminine.

citation autsen francais anglais

 


Comment choisir le bon partenaire? Comment savoir si cette relation est sincère? Comment se réaliser dans un couple sans se perdre? Comment dépasser l'attirance sexuelle vers l'amour? comment éviter le célibat et ses pièges ?

Dans son livre, la déliaison amoureuse, Serge Chaumier décrit la crise de conjugalité dans la société française (page 17) : «la crise de la conjugalité ordinaire ne s'exprime pas seulement par un record de séparation, par des unions de plus en plus brèves et successives, des monogamies séquentielles, mais aussi par un taux non négligeable de personnes célibataires. Louis Roussel pronostique que la perspective d'ici 15 ans d'un célibat définitif de 25 % de la population ne paraît pas déraisonnable.»

 

citation autsen mansfield park francais anglais

 

Cette crise de conjugalité rappelle étrangement le fondement du travail romanesque de Jane Austen ; si les héroïnes de Jane Austen cherchaient le mariage pour des raisons financières et sociales, une fille de 25 ans aujourd'hui risque d'avoir le même problème pour des raisons différentes : trouver le partenaire adéquat pour accéder à une sexualité épanouie, à la maternité, et à la sécurité émotionnelle et financière du couple. La conception de l'amour romantique chez Jane Austen coïncide, en partie, avec notre conception moderne de l'amour romantique. L'importance n'est pas dans la similarité entre deux modèles d'amour, mais dans leurs différences. Élisabeth Bennet insistait sur l'amour pour réussir un couple, et non pas de trouver l'homme de sa vie. L'amour pour Bennet est un moyen pour une meilleure qualité de vie, il devient à notre époque, selon nos conceptions de l'amour romantique hollywoodien, une fin en soi où il faut aimer pour exister. Dans une époque de crise de conjugalité, de couples, de célibat, de difficultés à rencontrer, de sites de rencontres payants, de cabinets de conseil sur la drague, et la séduction, Jane Austen devient plus moderne que jamais.

citation autsen oregueil et prejuges francais anglais


Elle aurait conseillé les femmes et les hommes à la recherche de l'amour du couple : de ne pas cultiver leurs sentiments et leur attirance avant d'être certains de la réciprocité et de la bienveillance de l'autre, pour éviter souffrance et frustration.

 

citation autsen raison et sentiments francais anglais

Elle aurait conseillé surtout de ne pas chercher un modèle, de ne pas rejeter les gens qui ne correspondent pas à ce modèle, mais d'avoir l'intelligence de discuter d'autres modèles et d'autres possibilités. Ne pas chercher toujours l'attirance sexuelle comme la seule justification d'un couple.

 

Ne pas être cyniques, de ne pas être cruels. Les héroïnes chez Austen sont sympathiques, charmantes, souriantes, pleines de vie, capables de plaisanter, attachantes. Ces héroïnes ont toujours su distinguer le désir de la raison, l'insignifiant de l'essentiel.

 

Pour commander ce livre en format numérique Mobi ou kindle :

https://www.amazon.fr/dp/B016ASWM9M

Pour acheter ce livre imprimé :  https://tsw.createspace.com/title/6309841

 

 

 

 

Lire la suite
8
  1741 lectures
  0 commentaires
1741 lectures
0 commentaires

Vermeer, peintre érotique ??

vermeer jeune fille perle tableau

Vermeer et l'art érotique

L'érotisme est un discours sur l'amour, une métaphore sur le désir et l'attirance sexuelle. Ce terme désigne une suggestion, une représentation raffinée et sophistiquée des émotions et des gestes liés à la sexualité.
L'érotisme évoque l'amour physique via des gestes sensuels, des mots ou une attitude. Contrairement à la pornographie, l'érotisme suggère mais ne montre pas et  possède une dimension artistique.


Comment réagit-on face à un tableau érotique ou  à un texte érotique ?
Les œuvres d'art, comme les textes littéraires peuvent être sensuels, attirants par leur beauté et par leur contenu.

Johannes Vermeer naît à Delft en 1632. Sur les trente-sept tableaux attribués au peintre, la musique et les instruments de musique figurent à dix reprises, l'instrumentiste est toujours une femme. La lettre (d'amour en général), lue ou écrite, revient à plusieurs reprises et c'est toujours une femme qui lit ou écrit. Les bijoux sont présents et ce sont essentiellement des perles portées en boucles d'oreilles ou en collier. Les activités domestiques ne sont évidemment pas omises : dentellière, jeune femme à l'aiguière, laitière.

Le thème omniprésent est la féminité. La popularité actuelle de Vermeer correspond probablement aux valeurs de notre temps : l'occident du début du 21e siècle est l'époque de l'histoire de l'humanité la plus favorable aux femmes et à la féminité.

Depuis quelques années, certains trouvent dans les tableaux de Vermeer des métaphores érotiques.
On peut citer l'exemple du tableau la laitière peint par Vermeer (1657-1658). Les laitières avaient une réputation de disponibilité sexuelle aux Pays Bas dans ce 17ème siècle. Certains chercheurs suggèrent la présence d'un message érotique. La présence d'un chauffe - pieds ou une chaufferette sur le plancher peut suggérer le désir féminin (le chauffe-pieds chauffe sous la jupe d'une femme).

 

vermeer laitiere

 

Un roman à succès puis un film relativement récent suggèrent ce message érotique.

Autre tableau de Vermeer : La Jeune Fille à la perle. Il s'agit aussi d'un film britannique réalisé par Peter Webber, 2003, adaptant le roman de Tracy Chevalier.

Ce roman raconte l'arrivée de la jeune Griet, servante dans la maison du célèbre artiste Johannes Vermeer. La douceur, la sensibilité et la vivacité de la jeune fille émeuvent le maître, qui l'introduit peu à peu dans son univers pour l'aider dans son atelier et aussi pour poser. Elle sera le modèle pour son tableau : la jeune fille à la perle. Quand on dévoile le tableau, la force érotique de ce portait choque la famille et surtout l'épouse du peintre qui perçoit une intimité et une sensualité coupables. La perle, la lueur étrange sur les lèvres de la fille du tableau comme des lèvres qui viennent d'être humectées par un baiser, un certain regard complice et intime.

 

vermeer jeune fille perle film

Ces analyses des tableaux de Vermeer suggèrent que l'art érotique est capable de provoquer des sentiments sexuels et de cultiver le désir des spectateurs. Dans certains cas, l'art érotique n'a pas toujours besoin d'être sexuel explicite. Parfois on utilisait les symboles pour ajouter à l'art une dose discrète d'érotisme comme le faisait Vermeer.
C'est la lecture actuelle de certains tableaux du grand peintre.

 

 

 

 

Lire la suite
4
  1735 lectures
  0 commentaires
1735 lectures
0 commentaires

Flaubert décrit les égos sur Facebook

Comme sur Facebook, Instagram, on lit les histoires de chacune, de chacun, sous une forme de surenchère, bon enfant souvent, perfide parfois, ou rusé pour faire enrager les autres. Livrer régulièrement à ses amis la version « luxe » de sa petite existence, documentée par des photos radieuses : vacances inoubliables, baisers sur la plage, seins parfaits, fêtes mémorables, cadeaux insensés, chatons adorables, spa de folie, enfants angéliques. Le reste, le médiocre, le moins joyeux, est censuré.

egos moi individualisme egotisme facebook

Egos en guerre

Je fréquentais il y a quelques années un forum de célibat où des filles célibataires discutaient, mettaient leurs photos, pour organiser une rencontre. Les photos sont devenues de plus en plus dénudées, puis des photos nues sont apparues.

D'autres mettaient en ligne les photos de leurs vêtements, sous-vêtements, leurs achats et même de leurs meubles de cuisine. Nous autres, les hommes connectés, on souriait, on envoyait quelques commentaires, on regardait étonnés au début, indifférents par la suite. Les filles parlaient de leur quotidien dans une sorte de surenchère entre la belle du forum et les autres filles, entre « la sexy » et les autres, la mince et les moches.

Puis le forum s'est transformé en bataille d'égo. Celle qui montre son corps faisait réagir (enrager) les moins jeunes, les moins minces. Celle qui montre ses rencontres faisait hurler les célibataires. Ainsi le forum est mort progressivement. Il y avait une souffrance,... même si tout le monde relativisait.


Quand Flaubert décrit les réseaux sociaux

Ce comportement me fait penser à Flaubert et à son héroïne. Les rêveries d'Emma ont été à l'origine du concept de fantasme sexuel, il a fallut attendre Freud pour remplacer le mot "bovarysme" par fantasme.

 

Au début du 20ème siècle, Emma Bovary fut l'exemple de la femme victime de la société de consommation qui gagna les esprits après la révolution industrielle.


Pour les féministes, Emma est l'exemple de la femme dépendante des hommes, elle est victime des hommes. Pour les non-féministes, elle est la vénale, l'infidèle, femme consommatrice de sacs à main, chaussures et aussi de sexe ; Charles son mari est l'exemple de la disparition du pouvoir masculin selon certains, le "cocu heureux" qui cherche à plaire à sa femme.
Monsieur Bovary existe aussi. Et il commence à jouer le jeu.

 

citation flaubert Mme Bovary

 

Fear of missing out

Depuis quelques années, ce comportement provoqué par les réseaux sociaux pointe son nez, ces femmes qui souffrent en lisant ou regardant la vie (réelle ou rêvée) d'autres femmes, les robes, les voyages, les amours torrides sur les plages exotiques des web. Elles encaissent frustration et jalousie comme Emma Bovary.

Les anglais nomment cette souffrance "Fomo" « fear of missing out » « peur de manquer quelque chose » ou le bovarysme de Facebook, en attendant d'autres termes plus précis.
Flaubert est encore là, au delà du style ou même de la littérature. Le bovarysme, sentiment de frustration éprouvé par Madame Tout-le-Monde, quand elle constate combien son train-train quotidien est pauvre comparé à la vie (réelle ou plus souvent imaginaire) d'autres femmes sur le net.


Arthur C. Brooks écrit dans le New York Times : « nous passons, pour les plus atteints d'entre nous, la moitié de notre temps à prétendre être plus heureux que nous le sommes, et l'autre moitié à regarder combien les autres semblent être bien plus heureux que nous !!!».

 

Dans une étude publiée par l'université de Boston, on trouve un lien entre le taux de divorce et le temps passé sur les réseaux sociaux. La vision du bonheur conjugal (présumé) d'autrui s'avère apparemment fatale pour beaucoup (ceux qui regardent).


C'est amusant ou affolant d'apprendre qu'il ne s'écoulera pas plus de dix minutes désormais, entre l'arrivée d'un client dans un hôtel à l'autre bout du monde et le moment où il poste un selfie pour se montrer, frimer et fanfaronner devant les autres.


Évidemment les plus fragiles, ados, dépressifs, trentenaires fauchés ou esseulés, salariés précarisés, jeunes parents, maman solo, les malades, les obèses, les couples à la dérive, sont les plus exposés aux effets pervers de cette mise en scène de soi. Ils risquent une dose dangereuse de bovarysme.

Les plus équilibrés se contentent d'éprouver un petit blues du dimanche soir, quand ils ont passé le week-end à repeindre leur salon alors que les autres ont passé l'après midi dans un hôtel ou la soirée du samedi dans un restaurant (de rêve bien sûr).

On vit avec les réseaux sociaux, au rythme de journaux peu intimes, destinés à la promotion efficace de « Moi Moi Moi ».

 

Lire la suite
5
  807 lectures
  0 commentaires
807 lectures
0 commentaires

The virtuose : hommage à Benjamin Britten

 

Virtuose1

Virtuose et Britten ?


Si vous ne connaissez pas Britten, regardez le film « the virtuose » film du canadien F. Girard avec Dustin Hoffmam et Garrett Wareing, un orphelin à la voix magnifique deviendra un virtuose sous la direction du maître de chœur Hoffman qui le prendra sous son aile.
Ce film met en valeur le chant choral dans une institution renommée qui en profite pour faire des tournées mondiales avec les jeunes prodiges du chant qu’elle forme.

 

Virtuose2

 

Vous serez émerveillé d’entendre entre autres A Ceremony of Carols de Britten, un pur ravissement pour les oreilles.... Cette série de chant choral composé sur des poésies anglaises populaires du XVème et XVIème (The English Galaxy of Shorter Poems) autour du thème de Noël comprenant This little Babe, that yongë child, Balulalow etc.


Britten né en 1913 est grand mélodiste, créateur de la mélodie anglaise moderne et du renouveau de l’opéra anglais au XXème siècle. Célèbre dans le monde anglo-saxon, il reste peu connu en France.

 

britten1

Car l’œuvre de ce compositeur est orientée principalement vers la musique vocale, compositeur moderne et aussi un digne héritier d’Henry Purcell (variation et fugue sur un thème de Purcell). Toute la vie de ce musicien contemporain sera tournée vers la musique.


L’été 1928 Britten écrit sa première œuvre absolument personnelle, les Quatre Chansons françaises (sur deux poèmes de Verlaine, deux de Victor Hugo). Britten met ici en musique une langue étrangère, qui impose une signature toute personnelle.
En 1937, Britten voit son premier succès international : Variations sur un thème de Frank Bridge données au festival de Salzbourg.


En 1939, la guerre approchant, Benjamin Britten s’exile aux États-Unis. Il y compose énormément, notamment Les Illuminations (sur la poésie d’Arthur Rimbaud), la Sinfonia da Requiem, et son Quatuor à cordes n° 1.
En 1942, Benjamin Britten âgé alors de 28 ans quitte l’Amérique et durant la traversée qui le ramène vers son pays, il compose A Ceremony of Carols opus 28 pour voix d’enfants et harpe sur des poésies anciennes anglaises.
Il achève ensuite la composition de son premier opéra, Peter Grimes, opéra le plus populaire de la première moitié du XXe siècle.
Il compose beaucoup et accorde beaucoup d’importance à ce que sa musique soit accessible et facilement jouable ; Albert Herring et The Turn of the Screw (Le Tour d'écrou) voient le jour.
Le folklore de son pays l’inspire aussi, comme avec folk songs

 

britten2

 

Ce compositeur infatigable et prolifique meurt en 1976, anobli par la reine.
A voir et entendre ...

 

 

Lire la suite
4
  912 lectures
  0 commentaires
Mots-clés :
912 lectures
0 commentaires

« Outlander » : femmes fortes qui aiment les hommes

outlander1

 

« Outlander »: féminisme, amour, et romance

Produite par la société Starz, Outlander termine sa deuxième saison. Il s’agit d’un feuilleton divertissant, soigné, qui mérite d’être vu.
Tirée du roman de Diana Gabaldon, la série Outlander est un compromis entre le fantastique et la romance historique.
C’est une histoire de triangle amoureux, de sexe, de guerre. Le succès de Game of Thrones a attiré l’attention des producteurs sur un éventuel changement du goût des téléspectateurs en matière de sexe, de violence, de relations amoureuses, de nudité, et de paysages.

 

outlander4

 

Une dose de science fiction


Outlander est adapté du livre culte de l'écrivain américain Diana Gabaldon de 896 pages. Une recette intelligente et si efficace : une dose de science fiction pour voyager dans le temps d’une infirmière appelée Claire Randall (Caitriona Balfe) qui se rend en Ecosse en 1945 avec son mari Frank (Tobias Menzies), dans l'espoir de raviver leur relation. Claire est le témoin d’un rituel ancien se déroulant sur une colline entourée de pierres levées. Elle se retrouve alors, transportée dans le temps en Ecosse de 1743, une femme seule dans le feu croisé de la rébellion écossaise "jacobite" contre les Anglais.

 

outlander2

 

Décors, paysages, costumes et aventures


Un monde vert vallonné riche de rivières, de montagnes brumeuses, de forêts et de châteaux. Elle découvre que son mari (ou plutot son ancêtre) était présent au 18ème siècle, comme un anglais terriblement cruel qui pourchassait les Highlanders. Elle va tomber amoureuse d’un jeune, beau et héroïque écossais Jamie Fraser (Sam Heughan). Claire est déchirée entre son mari du 20ème siècle et son amoureux du 18ème siècle, entre la fidélité et le désir, entre deux hommes très différents dans deux vies irréconciliables.
Comme ils se déplacent avec leurs plans pour essayer de mettre fin à la rébellion jacobite, Claire et Jamie s'intégrent dans la société écossaise puis dans la société française.
Une partie de la deuxième saison se déroule en France. Versailles, spectacle, décors, costumes, jardins et raffinement.

Comme une romance historique, Outlander dessine le désir comme le plaisir d’être avec son amoureux  et la douleur quand l’autre est loin ou en danger.
Claire et Jamie flirtent tout le temps, leur passion est à la fois romantique et sexuelle.

 

Violence

Meurtres, guerres, maladies, canons, batailles, et agressions sexuelles. L’approche de la violence dans cette série est moins spectaculaire que dans Game of thrones sauf en ce qui concerne la relation entre les deux amoureux. Oulander reflète la violence d’un monde sans justice sociale, un monde cruel, ignorant, sauvage et sans sécurité.

Il existe certains écarts entre le livre et la série, comme donner à Jamie la voix off , alors que le livre lui, est raconté par Claire, ou comme la guérison de Jamie après son agression, mais la série reste fidèle globalement au livre.

 

Nudité

Peut-on parler de nudité de bon goût ? En tous cas, la nudité est présente sans agresser, sans choquer. La nudité masculine comme la nudité féminine. Curieusement, la nudité de Jamie est plus discutable, son corps est parfois traité comme un produit d’appel. Dans certains passages, la nudité masculine est totale (le pénis est montré.)

 

outlander3

 

Femmes fortes, féministes un peu

Les femmes sont fortes dans cette série. Elles ne subissent pas, elles agissent. Claire et les autres femmes font l’amour avec consentement, font des enfants, font la guerre avec courage et défendent leurs hommes et leurs villages sans hésiter.
On voit également certaines nouveautés. Claire est une femme sans culpabilité avec son désir, n’a jamais honte de son corps ou de sa sexualité. Elle aime le corps de son homme, et revendique son droit à ce plaisir. On parle de règles, du lait, d’allaitement... le féminin est normalisé ou presque.


Claire est un personnage positif, dans sa lutte pour la survie, et dans son intimité. Cette série est une épopée imaginaire, un brin féministe, une approche historique et réaliste de la période qui précéda la rébellion Jacobite en Écosse.

 

outlander5

 

La sexualité en feuilleton

Comme dans les autres séries populaires actuelles, Outlander n’oublie pas la sexe.
“Outlander” modifie quelques idées reçues sur le sexe à la télé. Les relations sexuelles entre Claire et Jamie sont romantiques, sans violence, recherchées et désirées. Rien de révolutionnaire dans la représentation de la nudité, de l'intimité, sauf l'intervention du point de vue féminin. Dans cette relation charnelle, il existe une nouvelle définition de la masculinité. Jamie peut être un guerrier, un homme sans merci avec ses ennemis, il est tendre, respectueux, amoureux dans le lit de sa femme. C'est un homme qui montre également sa fragilité et ses doutes sans être pour autant un antihéros, ou un homme anxieux.


Claire est une femme sexualisée, épanouie, sans chercher à se victimiser, ou à afficher sa fragilité.


Par exemple, dans l'épisode du mariage de Claire et Jamie, on voit une nouveauté. L'érotique est raconté du point de vue féminin. Claire n'acceptera pas une nuit de noces lapidaire ou violente. Le couple va parler, échanger. Chaque partenaire va apprivoiser les émotions et les sentiments de l'autre. Jamie, malgré sa masculinité, acceptera volontiers d'être initié par Claire. Finalement, ils ont des rapports sexuels pour la première fois.

La clé du succès de cet épisode est dans la danse de ce couple. Pas après pas, le couple va créer une sorte d'intimité. Cet épisode a été dirigé par une femme, Anna Foerster, et écrit par une autre femme, Anne Kenney. Il semble que ce fait a joué un grand rôle dans la réussite de l'épisode du mariage.
Vers la fin de leur première nuit ensemble, Claire a demandé Jamie de se déshabiller pour elle. Elle touche son corps, pour apprendre à le connaître, à l’apprécier.


Outlander est une série intéressante, avec des nouveautés, sans oublier l’essentiel : suspense et divertissement.

 

Lire la suite
4
  1505 lectures
  0 commentaires
Mots-clés :
1505 lectures
0 commentaires

Girlfriend Experience : le sexe dans le froid urbain

Comme le film, The Girlfriend Experience, la série est une histoire de prostitution. Une jeune et jolie étudiante en droit, Christine est admise comme stagiaire dans un grand et célèbre cabinet d’avocat de Chicago. Les études coûteuses, sa libido, et son ambition personnelle vont la conduire à rejoindre, par l’intermédiaire d’une amie le monde des Escorts girls.

 

Girlfriend Experience 1

Girlfriend Experience

Brillamment interprétée par Riley Keough, la petite-fille d'Elvis Presley Riley Keough. Christine Reade est une femme intelligente qui a compris la société. Elle joue son rôle à la perfection : la comédie de la vie, du travail, où tout est écrit et appris par cœur. Rien de spontané dans un monde où l’on enregistre et filme tout. Et à certains moments, elle est presque rigide voire autiste.


Solitaire, ses relations même avec sa famille sont compliquées.
Pas d’ami, elle le répète. Elle ne fait confiance à personne, ne se livre pas, garde tout pour elle, dans un souci de maîtrise. Je n'ai pas d'amis. Je ne veux pas partager mon temps avec les gens, sauf pour accomplir quelque chose, répond Christine à sa sœur.


Ce détachement fait de Christine un personnage fascinant et frustrant dans ce monde d’aliénation économique et sexuelle. Emy Seimetz et Lodge Kerrigan ont écrit et réalisé 13 épisodes de 30 minutes à partir du film portant le même nom de Soderbergh. Les deux premiers épisodes sont médiocres.


Le premier jour, son patron David (Paul Sparks) arrête ses tentatives pour faire preuve d'initiative en lui ordonnant de simplement copier-coller les documents. Avery l'invite à prendre un verre en échange d'argent avec un avocat. Elle est enfin admirée par les hommes qui dirigent. Plus tard, quand elle a rassemblé une liste de clients, elle regarde froidement d'une fenêtre de voiture de banquette arrière à un groupe d'hommes en costumes. La dynamique de pouvoir favorise la jeune femme, pour un instant.

 

Girlfriend Experience3


La corruption est partout dans la série sauf dans le sexe : dans ce cabinet juridique, dans la famille de Michaël prête à tout pour récupérer l’héritage, dans la fausse amitié d’Avery, dans l’agence d’Escorts et dans les amours mensongers des clients. Le sexe devient un geste naturel calme et sans complexes.
Dans une société capitaliste, tout est transactionnel», explique Kerrigan. « Chaque travail est transactionnel Il y a toujours un jeu de pouvoir ». Girlfriend Experience devient à partir de quelques épisodes un tableau passionnant des relations humaines dans un contexte d’argent, d’ambition et de pouvoir. Le sexe n’est qu’une carte à jouer parmi d'autres.

 

Intimité dans un monde urbain connecté

Christine Read accepte de rencontrer des hommes, en dehors de ses heures de cours et en marge de son emploi de stagiaire dans un grand cabinet d’avocats, pour améliorer son train de vie, pour accéder à un certain confort. Loin de lui apporter la liberté désirée, elle va perdre son travail, ses études et son identité.


Le client paie pour qui je ne suis pas, dit elle. Elle est dans un monde une prison urbanisée, hiérarchisée et normalisée.


Le portrait de la prostituée moderne, indépendante, occasionnelle, cultivée, bien éduquée qui se vend cher, sélective, déterminée, ambitieuse. Internet a modifié définitivement le monde des rencontres. L’escorte est une prostituée de luxe, qui offre le sexe et l’intimité. C’est la petite amie rêvée, ou l’épouse idéale. Elle offre à ses riches clients, au-delà du sexe, du temps disponible pour les écouter.


Pour ne pas perdre le contrôle, l’étudiante a un garde-fou : le sexe, seul plaisir qu’elle s’autorise, seul moment de relâche où elle se permet de fermer les yeux. Lors de ses rencontres, elle se détend complètement et s’échappe un instant de sa difficile réalité. Elle le pensait , mais elle est surprise dans un moment d’intimité par une caméra,

Christine n’en reviendra pas. Elle atteint son plaisir en solo. Dans sa vie factice, le bonheur et l’amour semblent lui manquer cruellement, comme d’ailleurs aux autres personnages.

Le sexe et le genre sont liés dans la société moderne. L’ambition d’une femme est une question compliquée. Le sexe n'a plus un facteur déterminant dans la vie d’une femme, mais demeure toujours un jeu de pouvoir dans la société.

 

Girlfriend Experience 2


C’est quoi l'intimité, dans un contexte professionnel ou dans un contexte transactionnel, dans une société capitaliste avancée où tout a un prix ?
La première saison se termine par l’image de l’Escort en train de se masturber, pour trouver son réel plaisir.


The Girlfriend experience est une série originale, intelligente et subtile qui, si elle ne plaît pas à tout le monde, mérite d’être vue, c’est une écriture délicate et une belle réalisation.

 

 

Lire la suite
6
  805 lectures
  0 commentaires
805 lectures
0 commentaires

La madeleine de Proust au secours du stress post-traumatique

stress-post-traumatique

Après un accident de voiture, la personne accidentée revoit les images de l'accident, entend à nouveau les bruits, les crissements de frein, le choc des véhicules, sous forme de sensation douloureuse qui l'empêche de reconduire ou l'empêche de dormir.
Après un traumatisme, la victime peut oublier cette agression pendant des années, puis un geste, un mot, tout ressurgit. La douleur est là, la peur est là, la colère aussi. On appelle ce trouble : le stress post-traumatique.

 

On appelle ce trouble : le stress post-traumatique

 

Parfois, on passe dans un lieu, notre mémoire s'active, des images oubliées apparaissent, des sensations que nous avons vécues, remontent à la surface.
Ces souvenirs peuvent être toute une vie comme dans l'immense roman de Marcel Proust : à la recherche du temps perdu, ces souvenirs peuvent être un moment douloureux, ou un moment joyeux.

 

La madeleine de Proust et les arbres de Balbec

 

Le souvenir ramène notre passé dans le présent, nous permet de retrouver " le temps perdu ". C'est comme un fichier présent sur le disque dur de votre ordinateur, quand vous l'éditez, vous retrouvez les éléments que vous avez sauvegardés, de plus ce ficher devient modifiable.
C'est le roman de Proust :  La Recherche du temps perdu parle de la mémoire, des souvenirs, et surtout de souvenirs " involontaires ".

 

L'expérience de la petite madeleine, qui déclenche " le plaisir délicieux ", qui accompagne la résurrection du monde oublié et perdu de l'enfance.

 

Je sentais qu'elle (cette puissante joie) était liée au goût du thé et du gâteau, mais qu'elle le dépassait infiniment, ne devait pas être de même nature. D'où venait-elle? ...Je bois une seconde gorgée où je ne trouve rien de plus que dans la première, une troisième qui m'apporte un peu moins que la seconde. Il est clair que la vérité que je cherche n'est pas en lui, mais en moi.

 

Ce " souvenir involontaire " inaugure la reconstruction du passé, aide à reconstruire ses mémoires, à les réécrire, à retrouver le temps.
Proust, distingue la mémoire volontaire qui restitue le passé et la mémoire involontaire qui surgit, qui permet de revivre le passé, et de se l'approprier.

 

"une sensation à la fois dans le passé, ce qui permettait à mon imagination de la goûter, et dans le présent où l'ébranlement effectif de mes sens avait ajouté aux rêves de l'imagination ce dont ils sont habituellement dépourvus, l'idée d'existence,...

Ce souvenir est déclenché par le goût et la saveur du petit morceau de madeleine, par la vision des clochers à Martinville, l'odeur des fleurs de tilleul, par la vision des trois arbres à Balbec ou par les pavés inégaux dans la cour de l'hôtel des Guermantes.

 

Ces éléments ont déclenché à chaque fois un souvenir involontaire, qui appelle des souvenirs oubliés, inaccessibles. Ce souvenir " involontaire " décrit par Proust ressemble partiellement au concept de l'inconscience de Freud.

 

Quand Proust mangeait ses madeleines et jouait au psy

 

Marcel Proust a été le premier écrivain à indiquer de façon convaincante comment nos identités, décisions et nos réactions sont façonnées par nos souvenirs et nos expériences. Cette réalité se reflète fortement dans certaines maladies mentales comme le trouble de stress post-traumatique.

Dans le stress post-traumatique, les souvenirs du traumatisme sont parfois oubliés, mais surgissent, réalisent des intrusions involontaires et incontrôlables, pour provoquer chez la personne des peurs, des souffrances. Ces personnes peuvent finir par éviter tout ce qui rappelle leurs traumatismes, en évitant les voitures et les moyens de transport après un accident, en évitant toute rencontre et toute sexualité après un viol. Ces patients peuvent chercher dans les drogues un confort, dans certains cas le risque de suicide n'est pas loin.
Il s'agit d'un phénomène qui ressemble étrangement à la madeleine de Proust. Après un viol, après un attentat, la victime cherche par le deuil à digérer un événement, à exprimer sa colère, puis à passer à autre chose.

Mais il reste ces souvenirs oubliés, inaccessibles, qui surgissent lors d'un baiser, ou d'un bruit. Ces souvenirs de traumatismes agissent sur la conscience, provoquent une détresse, et replongent la victime dans la souffrance.

 

On retrouve le même phénomène dans l'addiction où les souvenirs de la consommation influencent les réactions, invitent les personnes à continuer leur addiction. Il suffit de voir un paquet de cigarettes, il suffit parfois de parler du tabac pour que le cerveau d'un ancien fumeur s'active, poussant la personne à fumer de nouveau. Cela explique pourquoi les médecins parlent d'anciens fumeurs, et d'anciens alcooliques.

 

Peut-on modifier nos souvenirs toxiques

 

Nous aimons tous croire que nos souvenirs sont fiables, permanents, et sont bien classés.

En fait, les études confirment le contraire. Notre cerveau ressemble à un disque dur mal entretenu. De nombreux fichiers sont oubliés, mal nommés, et parfois inaccessibles. Ces fichiers existent, mais la personne n'arrive pas à les retrouver pour les modifier.

 

Le processus de modification des souvenirs est un élément important dans le traitement de certains troubles. Ce processus est nommé la reconsolidation de la mémoire.
Quand une mémoire est activée, les souvenirs ouverts sont modifiables. La reconsolidation de la mémoire offre à la victime la capacité de réécrire sa mémoire. Dans une étude publiée en août 2014, les chercheurs de l'université de Bochum en Allemagne ont publié une analyse, en soulignant que La "Reconsolidation de la mémoire" est probablement parmi les phénomènes les plus passionnants dans les neurosciences cognitives d'aujourd'hui. Il suppose que les souvenirs peuvent être modifiés une fois qu'ils ont été récupérés. Ceci donne l'occasion de changer les souvenirs indésirables." explique le Dr Lars Schwabe.

 

100 ans après Proust, la première preuve de reconsolidation de la mémoire (réécriture de la mémoire) chez l'homme a été publiée dans une étude en 2003. Depuis cette date, d'autres études confirment cette possibilité.


La reconsolidation de la mémoire, c'est le "temps retrouvé", ce processus important, est de plus en plus utilisé dans le traitement comportemental cognitif. La personne retrouve le temps, verbalise sa mémoire, affronte à nouveau sa souffrance pour en finir une fois pour toutes.


À la différence de la madeleine de Proust, ou les trois arbres de Balbec qui ont enchanté la mémoire de Proust par le monde merveilleux de l'enfance, la reconsolidation de la mémoire est un traitement pour soulager les personnes affectées par le stress post-traumatique, par une addiction, ou après une aggression ou un accident et par d'autres formes d'anxiété.

 

 

Lire la suite
2
  914 lectures
  0 commentaires
914 lectures
0 commentaires

25 Haïku de Bashô Matsuo

Haiku Basho

La poésie Haïku

 

La poésie de haïku est une forme particulière de la poésie classique japonaise. En japonais hai signifie "inhabituelle" et ku signifie " strophe". Le haïku utilise de nombreuses techniques pour construire une image surprenante, transcendante, qui invite à la réflexion.
On trouve les premiers Haïku au 7ème siècle A-C écrits selon les formes et les cultures de leurs époques.

L'écrivain Robert Penn Warren, a expliqué le Haïku :


" Examen riche et détaillé d'une expérience particulière, avec une conclusion sous forme de déclaration tranquillement ironique ou modeste. Comme si le poète estimait que l'économie du commentaire est indispensable pour ne pas altérer la qualité de l'expérience ".


Ce commentaire minime est caractéristique de la poésie Haïku.
Malgré le temps, cette poésie demeure populaire au japon. Certains auteurs contemporains considèrent cette poésie comme " la plus grande et la plus fleur de l'art japonais ".
Le haïku est une expérience esthétique, immédiate qu'aucune autre forme littéraire ne peut décrire.

 

Bashô Matsuo

Bashô Matsuo, ou Basho, est un poète japonais du XVIIe siècle.
Il est considéré comme l'un des quatre maîtres du haïku japonais : Basho, Buson, Issa, et Shiki.

Ses haïkus traitent de sujets en lien avec les émotions comme la mélancolie et la joie, en lien avec la nature. Dans ses poèmes, il évoque toujours la condition humaine, sa fragilité par rapport à la grandeur de la nature et par rapport au temps.

 

1
La fraîcheur
J'en fais ma demeure
Et m'assoupis.

 

2
Rien dans le cri
des cigales suggère qu'ils
sont sur le point de mourir

 

3
Automne obscurité
descend sur cette route
Je voyage seul

 

4
Avec de jeunes feuilles
j'aimerais essuyer
vos gouttes de larme

 

5
De quel arbre en fleur ?
Je ne sais pas.
Mais quel parfum !

 

5
Ce couchant d'automne
On dirait
Le Pays des ombres.

 

7
Mes larmes grésillent
En éteignant
Les braises.

 

8
Viens
Allons voir la neige
Jusqu'à nous ensevelir !

 

9
Au printemps qui s'en va
Les oiseaux crient
Les yeux des poissons en larmes.

 

10
Pause entre les nuages
la lune repose
dans les yeux de ses spectateurs.

 

11
Ce chemin.
seule la pénombre d'automne
l'emprunte encore.

 

12
Le papillon
parfumant ses ailes
amoureux de l'orchidée

 

13
Laissez-nous poser
ces belles fleurs dans le bol
car il n'y a pas de riz

 

14
La première neige molle
les feuilles de la jonquille
émerveillée et prosternées

 

15
Le premier frisson de pluie
pauvre singe, vous pourriez vous aussi utiliser
une cape tissée de paille

 

16
Ce matin de neige,
cris du corbeau je méprise
Ah, mais si beau !

 

17
Allons- nous rencontrer à nouveau ?
ici, à votre tombe fleurie
deux papillons blancs

 

18
Ces fleurs d'été flétries !
les seuls vestiges
des guerriers invincibles et leurs rêves ...

 

19
Parmi les graffitis
un nom illuminé
Le tien

 

20
Assis tranquillement, sans rien faire,
le printemps arrive,
l'herbe pousse, par elle - même.

 

21
Entre nos deux vies
il y a la durée de vie
d'une fleur de cerisier

 

22
Sur une branche nue
un corbeau est perché
soir d'automne

 

23
Enfant de la pauvreté
il commence à moudre le riz,
et regarde la lune

 

24
Combien je désire !
dans ma petite sacoche,
la lune, et des fleurs

 

25
Dans ma nouvelle robe
ce matin,
quelqu'un d'autre.

 

La poésie de Bashô est un outil de révélation et de méditation. Ces poèmes dessinent des émotions, et nous rappellent que le bonheur est de savoir savourer la simplicité, et d'échapper à la tyrannie de nous - mêmes.

 

Lire la suite
2
  2256 lectures
  0 commentaires
2256 lectures
0 commentaires

Raphaël célèbre deux femmes libres : Sappho et Hypatie

 RaphaelParnasse

Raphaël, Sappho et Hypatie

A Alexandrie, Sappho fut classée, parmi les neuf grands poètes lyriques grecs des VIIe, VIe et Ve siècles av. J.-C. Elle est la seule femme, placée à l’égale des poètes selon les vœux d’Aristote.

Actuellement, personne ne peut se faire une idée précise d’un seul texte intégral de Sappho. La lecture des poèmes de la dixième Muse est constituée de fragments provenant de citations d’auteurs anciens et de textes retrouvés en Egypte à la fin du XIXème siècle sur des papyrus détériorés.

Pythagore (580-494 av J C.) et ses disciples ont fait du nombre 10 un symbole de perfection. Cela invita Platon (429-347 av. J.-C.), à écrire que Sappho (640-570 av. J.-C.) était la dixième Muse, et donna à Zeus, une fille de plus.

L'homme beau ne l'est qu'en apparence.
L'homme bon sera beau également.


"Sappho (Morale)

Traduction Frédérique Verville, éditions Harlean

La dixième Muse nous offre un regard féminin singulier sur le monde antique comme une autre femme, Hypatie la philosophe (370-415). Les œuvres de ces deux femmes sont presque toutes perdues sauf quelques fragments de textes de Sappho.

Dans la Salle des Signatures au Musée du Vatican, Raphael exprime à sa façon son point de vue sur la culture. Il peint le tableau intitulé Parnasse la Muse Calliope. Il associe la muse à Sappho. Sur sa toile, pour la distinguer, il écrit même son nom : Sappho

Raphaelsappho

Il n’était pas simple à cette époque, de convaincre les hommes d’église d’accepter Sappho, une poétesse sensuelle qui chante l’amour et les dieux païens.

Raphaël le fera à nouveau, cette fois pour illustrer la fin tragique d’une autre femme grecque, la grande philosophe néoplatonicienne Hypatie torturée et assassinée par des fanatiques de la chrétienté primitive et fanatique qui voulaient en finir avec le libre savoir grec et avaient entrepris de brûler tous les écrits et tous les livres.

Raphael ecole grecque

Lorsque Raphaël représenta Hypatie, il reçut du Pape, l’ordre de ne pas le faire car, comme pour Sappho, la foi ne devait rien savoir d’elle.

Sur le tableau, Hypatie prit les traits d’un personnage efféminé.

Raphaelhypathie

A sa droite Averroès, à sa gauche Xénophon.

En prenant un risque, le peintre réussit avec talent et intelligence à rendre hommage et à immortaliser deux icones féminines de la pensée antique: Sappho de Mytilène et Hypatie d’Alexandrie.

 

Lire la suite
1
  1358 lectures
  0 commentaires
1358 lectures
0 commentaires

La passion d’Augustine, un beau film

lapassiondaugustine

La passion d’Augustine : musique, et modernité des femmes


Depuis le 30 mars, ce film canadien est à l’affiche dans de nombreuses salles en France. Je vous invite à allerle voir.

Vous ne serez pas déçu. Vous allez assister à un film drôle, léger, grave par moments, où des morceaux de musique classique glissent avec beauté sur la neige de l’hiver québécois.
Au début des années 60, de nombreux changements vont secouer une petite école religieuse. Concile Vatican II, le gouvernement canadien décide la séparation de l'Eglise et de l'Etat, pour alléger le poids de l’église sur la société québécoise. La scénariste situe son récit entre les murs d'une école de filles tenue par des religieuses. La Mère supérieure, Mère Augustine a fondé cette école de musique dans le couvent. Plusieurs histoires se déroulent en même temps. La nièce de la mère supérieure sera admise au sein de l'institution, une jeune fille qui révèle ses immenses talents de pianiste. En même temps, il s'agit de s'adapter, de se battre pour sauver l’école de musique menacée de fermeture.


Ce film évite les clichés sur les religieuses et les écoles religieuses. La réalisatrice nous accompagne dans les salles de classes, les dortoirs, les couloirs, les salles de musique de ce couvent au bord du fleuve Richelieu. Ces femmes religieuses qui pensaient que les saisons vont se succéder, vont affronter les changements imposés par la modernité et la société, avec courage, et intelligence


Quand elles décident d'ôter leurs voiles, de s’habiller en des tenues plus adaptées aux temps nouveaux, elles expriment leur appréhension, et leur pudeur avec sincérité. C’est un passage de la religion à la spiritualité véhiculée par la musique. Quand la nièce se met à jouer, le spectateur savoure un moment de grâce. Ces religieuses enseignent la musique et non pas un discours dogmatique.


Le film est une surprise, disent les médias de la belle province. Le public a aimé. Le film a reçu des prix au Québec et le prix du public au Festival d’Angoulême. Le film réhabilite ces établissements si décriés dans la belle province dans les années 60.
La réalisatrice a choisi une forme classique sobre et efficace. Les actrices jouent avec justesse dans des images éclairées par une belle lumière et adoucies par le chant choral et par des compositions pour piano. Céline Bonnier, qui joue le rôle de la mère Augustine mérite mention.


Ce film est récompensé plusieurs fois :
- Festival du film francophone d'Angoulême, Prix du Public
- Rencontres Cinématographiques de Cannes 2015, Prix du Public
- Festival du Cinéma et de la Musique de la Baule 2015 - Prix du Meilleur Scénario et Prix du Public
- Festival du Film de Sarlat, 10-14 Novembre 2015
- Festival du Film Francophone d'Albi, Novembre 2015

Lire la suite
1
  669 lectures
  0 commentaires
669 lectures
0 commentaires

Les mots pour lui dire: un bon Hugh Grant

les mots pour lui dire1

Des mots pour lui dire pour passer une bonne soirée

Ce film est sorti en décembre 2015, il est disponible en DVD. Hugh Grant partage l'affiche avec Marisa Tomei, Allison Janne. Ce film est la troisième rencontre entre Grant et le réalisateur Marc Lawrence après les deux films : où son partis les Morgans et le come back.

Lire la suite
0
  747 lectures
  0 commentaires
Mots-clés :
747 lectures
0 commentaires

4 raisons pour voir le film Boomrang

boomrang, le film

Hier, j'ai vu le film Boomrang de François Favart.

Je l'ai raté à sa sortie en septembre.

En revenant avec sa sœur Agathe sur l'île de Noirmoutier, berceau de leur enfance, Antoine ne soupçonnait que son passé va revenir comme un boomerang. Souvenirs incertains, les non-dits familiaux, les dissimulations. À sa disparition mystérieuse de sa mère, le père choisit la pire solution, le silence. La sœur Agathe préfère ne pas savoir, d'enterrer le passé avec le corps de sa mère. À la fin du film, on découvre qu'il s'agit bel et bien d'un secret, que la mort de la mère n'était pas une noyade mais un drame.

Lire la suite
1
  754 lectures
  0 commentaires
754 lectures
0 commentaires

Pas d'amour sans passion

aphrodite eros

Ni amour ni désir sans la passion,

Selon la mythologie grecque, Eros dieu de l'amour alerta sa mère Aphrodite qu'il ne grandissait pas comme ses frères et ses sœurs mais restait un enfant petit, rose et grassouillet. Aphrodite consulta Thémis à ce sujet. Cette dernière lui répondit : l'amour ne peut se développer sans la passion.


Cette réponse laissa Aphrodite perplexe. Par la suite, elle donna naissance à Antéros, le dieu de la passion. Toujours selon la mythologie, dès qu'Antéros commença à jouer avec son frère, Éros se mit à grandir, et se développa et devint un beau jeune homme élégant et svelte. Mais dès qu'il était séparé de son frère, il retournait lamentablement à sa forme enfantine et à ses habitudes malveillantes.


Éros séparé d'Antéros, c'est le sexe séparé de l'amour, il redevient enfantin et malveillant.

Par la suite, Aphrodite chercha Éros pour le pousser à poursuivre sa tâche : répandre l'amour dans le monde. Mais elle le retrouva en train de jouer aux cartes et de tricher, ce qui illustre un aspect frappant : Éros avait perdu son intérêt pour le sexe par manque de passion.


A l'époque des site de rencontre, des messagerie pour le sexe et le blablabla, la mythologie grecque nous invite à une petite réflexion.....

Lire la suite
2
  785 lectures
  0 commentaires
785 lectures
0 commentaires

La nostalgie : Le passé a un bel avenir

nostalgie

Si vous dites que vous aimez notre époque, on vous prend pour un naïf. Si vous dites que vous n'avez pas peur de l'avenir, on vous considère comme un provocateur. Vous pouvez le vérifier sur les réseaux sociaux et évaluer les réactions. La nostalgie collective est parfois pessimiste.

Lire la suite
2
  1052 lectures
  0 commentaires
1052 lectures
0 commentaires

Les trolls du net : troll un jour, troll toujours?

troll-forums-internet

 

Le terme "troll" a retrouvé une deuxième jeunesse depuis l'apparition d'internet. Il est utilisé pour décrire le comportement agressif ou manipulateur sur les forums ou sur les réseaux sociaux.

Lire la suite
1
  1891 lectures
  0 commentaires
1891 lectures
0 commentaires
get('text_top_button', JText::_('DEFAULT_GOTO_TOP_TEXT'))*/?>
get('text_bottom_button', JText::_('DEFAULT_GOTO_BOTTOM'))*/?>

 

 

 

Catégories

 

CULTURE

SOCIETE

BIEN-ETRE

SCIENCES

VIDEOS

 

 

 

Suivez-nous !

 

causam picto twitter

 

causam picto facebook