L'artiste a vécu et travaillé au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, sous le règne de Catherine la Grande et de Paul I, appelé le «despote fou».

Dans le portrait russe du XVIIIe siècle, une grande attention est accordée aux détails des visages et aux costumes, y compris dentelle et bijoux. Au milieu des années 1790, Borovikovsky était l'un des portraitistes les plus populaires et les plus recherchés. 

 

L'art de Borovikovsky correspond aux idées philosophiques, esthétiques et religieuses de son temps. Le peintre a rendu hommage à divers mouvements stylistiques.

 

À ce jour, Borovikovsky reste un maître du sentimentalisme dans la peinture russe et du classicisme tardif.

Borovikovsky est né dans la petite ville de Mirgorod (aujourd'hui Poltava) en Ukraine nommée à l'époque la petite Russie, en 1757 dans une famille de cosaques et de peintres d'icônes.

Le père, Luka cosaque à la retraite comme l'oncle et les frères et soeurs de l'artiste, forment un clan de peintres d'icones.
L'enfance et la jeunesse de Vladimir Lukich se sont passées dans un environnement qui a contribué au développement de son talent pictural. Les premières leçons de peintre, Borovikovsky les a reçu de son père qui a peint l'église de son Mirgorod natal.

Dans la première moitié des années 1780, l'artiste, après son service militaire, se consacre à la peinture religieuse. Il peint les icones des églises locales, églises de la Trinité et de la Résurrection à Mirgorod, de rares échantillons sont conservés, la peinture d'icônes de Borovikovsky est le témoin de son attachement à la religion, peinture d'une grande complexité ornementale démontrant la splendeur de l'art ukrainien.
Borovikovsky, comme son père et ses frères, a peint des portraits «parsun» d'éminents Cosaques de Mirgorod.

 

 

Borovikovsky à St petersbourg

 

En 1787, se rendant en Crimée, Catherine II visite sa nouvelle résidence à Kremenchug, Borovikovsky a été chargé de peindre l'intérieur de cette résidence-palais.
Pour ce palais, il a également peint deux tableaux allégoriques. Sur l'un, représentant Catherine sous la forme de la déesse Minerve, expliquant le sens du code des lois. Un autre représentait Pierre le Grand en laboureur, suivi de Catherine II semant des graines.

Selon la légende, l'impératrice aima le contenu de ces tableaux et ordonna au peintre de déménager à St Pétersbourg (la capitale).
Dans la suite qui accompagnait l'impératrice dans son voyage se trouvait N.A. Lvov, un célèbre architecte et poète. Celui-ci invita aussitôt le talentueux peintre à vivre à Saint-Pétersbourg dans sa maison «du moulin postal». Une telle hospitalité à l'égard de personnes talentueuses était coutumière à l'époque.
N.A. Lvov, qui avait voyagé dans de nombreux pays, connaissait bien les différentes écoles et les tendances de l'art européen. Bon dessinateur, Lvov, à son tour, conseilla Borovikovsky, et lui présenta à son compatriote Dmitry Levitsky, peintre portraitiste bien établi à l'époque à Pétersbourg.
Bien que l’apprentissage de Borovikovsky chez Levitsky n’ait pas été documenté, les premières œuvres de Vladimir témoignent de sa connaissance de l’œuvre du brillant portraitiste.

Au début, à son arrivée dans la capitale du Nord, Borovikovsky continue de peindre des icônes. Cependant, l'imagerie et le style de ces œuvres sont très différents de celles réalisées dans la petite Russie (Ukraine). De rares exemples sont conservés de cette peinture religieuse : «Joseph avec le Christ enfant» (1791, Saint-Pétersbourg) et « Tobias avec un ange» (tous deux dans la galerie Tretyakov).

 

Ces petites icônes n'ont plus les caractéristiques traditionnelles de l'art ukrainien. Au contraire, la familiarité de Borovikovsky avec la peinture profane se fait sentir. L'influence des maîtres d'Europe occidentale est perceptible. Ainsi, l'image de saint Joseph avec un bébé ne se trouve pas dans l'iconographie orthodoxe, alors qu'elle est présente dans la peinture catholique. En 1621, la célébration officielle de la Saint-Joseph a été approuvée au Vatican. La popularité de ce saint se reflète dans ses nombreuses images des maîtres baroques italiens et espagnols. Dans l'Hermitage se trouve un tableau de B.E. Murillo "La Sainte Famille", dans lequel la pose de Joseph avec un bébé dans les bras est similaire à celle de Borovikovsky . On sait que Borovikovsky a copié de nombreuses œuvres de la collection de l'Hermitage. Le tableau «Notre-Dame avec l'Enfant-Christ et l'Ange», une copie d'un ouvrage considéré au XVIIIe siècle comme l'œuvre d' A. Correggio (Galerie nationale Tretiakov), a été conservé .

 

L'intrigue « Tobias avec un ange» est un sujet favori de la peinture d'Europe occidentale de la Renaissance et du 17e siècle. Dans l'art russe, une représentation de la même intrigue par le jeune Anton Losenko est bien connue. Borovikovsky, pour ce sujet, a pris des solutions de composition dans la peinture de Titien (Musée de l'Académie, Venise) et de B. Murillo (Cathédrale de Séville), connu de lui. Dans la scène présentée au spectateur, il n'y a rien de mystérieux ni de miraculeux. Le maître russe interprète l'intrigue de manière très réaliste, en utilisant de véritables détails du quotidien. Un petit garçon, accompagné d'un adulte, rapporte un poisson dont la chair devrait guérir le père aveugle. La prise est suspendue à une branche de saule (kukan), comme cela se fait dans la petite Russie. Tobias se dépêche de rentrer à la maison avec joie accompagné d'un chien fougueux. Le peintre a habilement arrangé le groupe et a assemblé des nuances harmonieuses de pistache jaunâtre et de violet olive répondent aux tons roses et bleus du paysage.

Au début des années 1790, Borovikovsky reçut l'ordre de créer des icônes pour la cathédrale principale du monastère Borisoglebsky de Torzhok.
N.A. Lvov, responsable de la décoration intérieure du monument, recommande l'artiste. Au cours de deux années de travail acharné, Borovikovsky peint trente-sept icônes.

Borovikovsky serait peut-être resté un maître de la peinture religieuse, mais une circonstance importante a radicalement influencé sa peinture. En 1792, le portraitiste viennois I.B. Lampi s'installe à Saint-Pétersbourg, et Vladimir Lukich commence à travailler sous sa direction. Copiant ses œuvres, l'artiste russe apprend les techniques avancées de la peinture européenne et les techniques modernes. Depuis lors, sa passion pour le portrait est au premier plan.

Une nouvelle compréhension de l'art du portrait distingue Borovikovsky de ses prédécesseurs, cela se remarque dans le portrait «portrait de Catherine II se promenant" 1794 (galerie Tretiakov)

 

 

 

Portrait de Catherine II se promenant, 1794 (galerie Tretiakov)

 

Il s'agit du premier exemple de portrait non conventionnel, non cérémoniel de l'impératrice, présenté au public.
Dans le portrait du couronnement du peintre de F. Rokotov, la souveraine est assise sur le trône avec des insignes royaux. Dans les œuvres de S.Torelli, elle est à l'image de la déesse Minerve, la patronne des muses, sur la toile de D.Levitsky - la prêtresse de la déesse Thémis.

V. Borovikovsky lui a montré une Catherine II intime, en quelque sorte "à la maison". C'est une dame âgée marchant lentement le long des chemins d'un parc, s'appuyant sur une canne. À côté d'elle se trouve un lévrier son chien bien-aimé.
L'idée d'une telle image est le fruit des réflexions des cercles littéraires et artistiques de N.A.Lvov, étroitement liée à une nouvelle tendance dans l'art, appelée le sentimentalisme.

Ce travail a été salué par l'Académie des Arts, quoique l'impératrice ne semblait pas particulièrement apprécier ce portrait. C'est pourtant cette image qui reste dans la mémoire culturelle du peuple russe grâce à A.S.Pouchkine le poète, décrivant la souveraine comme " mère Catherine", terrestre, accessible, capable de sympathie, image attrayante pour les gens de l'époque.

I.B.Lampi fut pour Borovikovsky, un merveilleux professeur, mais aussi un véritable ami. Lumpi a aidé Borovikovsky à obtenir (septembre 1795) le titre d'académicien de la peinture grâce au portrait du grand-duc Konstantin Pavlovich. En 1803, il devient conseiller à l' Académie des Arts.

 

 

 

Grand-duc Konstantin Pavlovich

 

Lumpi quitte la Russie en 1797 et laisse à Borovikovsky, son atelier d'artiste ; lui laissant quelques tableaux qui lui furent à tort, attribués par la suite.

V.L. Borovikovsky a peint des portraits de tous les représentants du cercle des poètes et des amis proches - N.A. Lvov, V.V. Kapnist et G.R. Derzhavin. Gens de caractères et de tempéraments très différents, mais liés par une communauté de goûts artistiques et de vues esthétiques, de conversations sur les nobles idéaux de la poésie, de la philosophie et de l'histoire.

Au milieu des années 1790, le portraitiste est devenu à la mode; il était littéralement submergé de travail. Les portraits sont appréciés non seulement par la capacité à transmettre des similitudes avec le modèle, la subtilité des couleurs, mais aussi par le fait qu'ils reflétaient les nouvelles tendances de l'art.
Le travail de l'artiste est en grande partie lié aux œuvres de Nikolai Karamzin et des écrivains de son cercle. Le public de Pétersbourg a lu les «Lettres d'un voyageur russe» et le «Pauvre Liza» de Karamzin, devenu un best-seller ainsi que les poèmes I.I. Dmitriev et de V.V. Kapnist. Toutes ces oeuvres reflètent clairement les caractéristiques du sentimentalisme russe.

Au début des années 1790, Borovikovsky a peint un certain nombre de portraits pastoraux - «Portrait d'Elena A. Naryshkina» (Musée d'État russe), jolie jeune fille rêveuse et pensive

 

 

Portrait d'Elena A. Naryshkina

 

 

En règle générale, l'artiste a choisi une forme ovale décorative, des figures représentées en hauteur, il y avait toujours une présence de paysage (nature ou parc). De jeunes créatures rêveuses ont été représentées sur fond de rosiers en fleurs, de prairies inondées de lumière accompagnées de leurs chiens, agneaux, chèvres préférés. Le système figuratif de ses œuvres est marqué par cette «sensibilité tendre» qui témoigne de l'humeur émotionnelle de la société russe.

 

 

 

Portrait de la paysanne Torzhkov Christine  (1795, galerie Tretiakov).

 

 

Les œuvres exprimant de la sympathie pour les gens ordinaires revêtaient une importance particulière dans la Russie féodale. Le sort d'un homme du peuple suscite une sympathie particulière dans le cercle de ses amis poètes G. Derzhavin et N. Lvov.
Avec le portrait de Christine, Borovikovsky a transmis la modestie, la timidité d'une paysanne, calme, affable et affectueuse. Le peintre admire une chemise blanche, un sarafan vert garni d'un galon doré, et d'un kokoshnik couleur framboise. Ce portrait est un prototype de portrait de scène paysanne si chère à un élève de Borovikovsky : A.G. Venetsianov.

 

 

Portrait d'Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva, (milieu des années 1790, Musée d'État russe)

 

 

Le portraitiste a peint de nombreuses jeunes filles de familles nobles. «Portrait d'Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva» (milieu des années 1790, Musée d'État russe), diplômé de l'Institut Smolny de jeunes filles nobles, demoiselle d'honneur de l'impératrice Maria Fedorovna.
La jeune smolyanka est représentée dans un costume de «peyzanka»: elle a une robe spacieuse, un chapeau de paille avec des épis de maïs et une pomme dans les mains. Le nez retroussé, des yeux malicieux et un léger sourire aux lèvres donnent à l'image de l'arrogance et de la coquetterie. Borovikovsky a parfaitement saisi le charme vif; piquant et la gaieté de son modèle.

 

Portrait des sœurs Gagarine (1802, galerie Tretiakov)

 

 

Borovikovsky introduit un nouvel élément dans le contenu figuratif du portrait de famille dans son Portrait des sœurs Gagarine (1802, galerie Tretiakov). Anna et Barbara étaient les filles de l'actuel conseiller privé Gabriel Gagarin. Le thème du tableau montrer le charme de la vie domestique et les sentiments tendres nés de la musique - correspond pleinement à l'esprit du sentimentalisme. Un divertissement de la vie des nobles, impliquant le clavecin ou la guitare, le chant de romances sensibles, est révélé au spectateur. Les caractéristiques des personnages sont plus spécifiques que dans les peintures des années 1790. Anna, tenant des notes dans sa main, sérieuse et pleine de dignité intérieure. Elle est ici devant. La jeune Barbara, dix-huit ans, plus timide et souriante, était à l'arrière-plan. La beauté et la sonorité de la couleur sont obtenues en comparant les couleurs locales voisines: la robe grise de la chanteuse et son foulard rose, la robe de guitariste blanc nacré et la guitare rouge-brun.

Au début du dix-neuvième siècle, la haute conscience de soi d'une personne, son devoir civique et ses vertus sociales ont retrouvé son droit d'exister et ont supplanté les vagues rêves du sentimentalisme. L' illustration poétique de Borovikovsky de cette œuvre se trouve dans les lignes de G. Derzhavin:

Montrer de nobles sentiments
Vous ne jugez pas les passions humaines:
Annonce de la science et de l'art,
Élevez vos enfants.

 

Une place importante dans le patrimoine artistique de Borovikovsky est occupée par les portraits de figures de l'Église russe. La tradition de représenter les ministres du Culte orthodoxe était inscrite dans les "Parsuns" 'œuvre de maîtres inconnus à l'époque de Pierre le Grand. Ce type de portrait a été particulièrement développé dans le travail de A.P.Antropov. À sa suite, Borovikovsky a poursuivi cette ligne de portrait dans la peinture profane.
Le portrait de Mikhail Desnitsky (vers 1803, Galerie nationale Tretiakov) est parmi les meilleurs et les plus expressifs. Il représente un évêque dans des vêtements de cérémonie. Par la profondeur de la pénétration spirituelle et la richesse décorative des couleurs, les images des prêtres orthodoxes sont en contact étroit avec la peinture religieuse de Borovikovsky à la fin de sa période de créativité.

A partir des années 1810, la renommée de Borovikovsky en tant que plus grand portraitiste de l'époque commence progressivement à s'estomper. Une nouvelle génération de jeunes artistes romantiques a commencé à s'exprimer.
Les maîtres du XVIIIe siècle, parmi lesquels se trouvait Borovikovsky, s'estompèrent progressivement dans l'ombre.

 

 

 

Travail et tableaux de Borovikovsky

 

Les travaux de Vladimir Borovikovsky, étudiant et compatriote de Levitsky, montrent clairement que les valeurs sentimentalistes des dernières décennies du XVIIIe siècle sont devenues la base de la représentation.
La nature en tant que projection d'expériences émotionnelles est une caractéristique de la culture du sentimentalisme, qui dit que le monde intérieur d'une personne devient une valeur inconditionnelle. Certes, dans de nombreuses œuvres de Borovikovsky, «l’implication dans la nature» du personnage acquiert le caractère d’un cliché, la sensibilité et le naturel sont devenus à la mode. Cela est particulièrement visible dans les portraits féminins qui suivent l'idéal d'une jeune beauté "naturelle".
Tout au long de sa vie, Borovikovsky a travaillé dur. Comparé à F. Rokotov et D. Levitsky, il a laissé un immense patrimoine artistique, comptant plus de trois cents œuvres.

 

 

Style de Borovikovsky

 

 

Sa technique était une merveilleuse routine, et chacune de ses œuvres peut procurer un énorme plaisir dans une gamme charmante, inventée par lui de couleurs gris-vert, blanc, jaune terne, parmi lesquelles il pouvait revêtir avec un goût inimitable un ton jaune sale d'un châle turc ou d'une soie bleu pâle d’une ceinture. Mieux que n'importe quel Anglais, il a résolu les problèmes les plus complexes et les plus impossibles pour assembler les couleurs.

Il plaisantait sur une cacophonie colorée telle que la tunique rouge et le ruban bleu (dans le portrait du comte Vasiliev) dans un même tableau : pour cela, il lui suffisait de souligner l'éclat argenté des boucles, décorations, distrayant l'œil du tissu rouge monotone, et de l'arrière-plan plus vert - pour donner juste dans les bonnes nuances de couleurs, de sorte qu'un sujet meurtrier pour tout autre lui, donnait la possibilité de faire une excellente chose, précisément en termes de couleurs. La peinture de Borovikovsky elle-même, son pinceau, son système d'application de peintures, s'ils ne possédaient pas la subtilité et l'émail insaisissables que Levitsky réussissait, étaient néanmoins magnifiques en eux-mêmes.

 

Pyotr Alexksandrovitch Tolstoy 1799

 

 

Borovikovsky sort lui-même constamment de cette sphère exclusive, réalise des peintures religieuses, des «allégories», copie ou prend des modèles et non pas des clients, mais des personne qui l'intéressent personnellement, en vertu de certaines caractéristiques. Plus le sujet représenté est complexe, intéressant, original, «spirituel», plus il se sent dans sa sphère, plus sa créativité augmente. Par conséquent, presque tous les portraits masculins faits par lui sont mieux élaborés que les féminins, car il rencontrait rarement de modèles féminins avec une capacité à l'intéresser. Il était sérieux, et se fatiguait de s'occuper à reproduire seulement des tissus et de la dentelle, dans laquelle se délectent les coloristes comme Levitsky.
Il concentrait toujours son pouvoir principal, sur le visage, bien qu'il ne dessine rien avec négligence. Ses portraits ne sont pas des copies serviles du visage au moment de la séance, mais la représentation la plus caractéristique possible de la vie intérieure du sujet.

 

Contribution de Borovikovsky

 

Vladimir Borovikovsky est devenu célèbre pour son travail dans le genre du portrait, dans lequel il a réussi à combiner les canons du classicisme avec les motifs du sentimentalisme russe. Dans ses portraits les plus significatifs, les héros sont représentés non pas dans un costume de cérémonie, mais dans des vêtements ordinaires, non pas à l'intérieur d'un palais, mais dans le contexte d'un paysage naturel. L'artiste cherche à transmettre la fusion harmonieuse de l'homme avec la nature et à attirer l'attention du spectateur sur le monde intérieur de ses héros.

L'un des tableaux les plus célèbres de Vladimir Borovikovsky est «Portrait de Maria Lopukhina» (1797, galerie Tretiakov).
Maria Ivanovna Lopukhina est issue de l'ancienne famille comte Tolstoï: à l'âge de 22 ans, Maria Tolstaya a épousé un homme âgé S.A.Lopukhin. Selon la légende, Maria Ivanovna était « très malheureuse" en ménage et deux ans plus tard, elle meurt (atteinte de la tuberculose).

 

 

 

Dans le portrait, Mary, dix-huit ans est habillée à la mode : elle porte une robe blanche spacieuse avec des plis droits, qui rappelle une tunique antique. Un châle en cachemire chatoyant est jeté sur les épaules. Le thème principal du portrait est la fusion harmonieuse de l'homme avec la nature. Les relations compositionnelles rythmiques et coloristes sont données par l'artiste à l'image du modèle et du paysage. Lopukhina est représentée sur le fond d'un parc, elle s'appuie sur un parapet en marbre. Des troncs de bouleaux blancs résonnent avec la couleur de la tunique, des bleuets bleus - avec une ceinture en soie, un châle violet doux - avec les fleurs d'une rose.
L'image de M.I.Lopukhina est non seulement d'une étonnante poésie, mais également marquée par l'authenticité de la vie, une profondeur de sentiments que les prédécesseurs ne connaissaient pas dans le portrait russe. Ce portrait a été admiré par les contemporains de l'artiste. Au fil des ans, le portrait de Lopukhina, jeune femme au destin tragique, a continué à captiver le cœur des générations suivantes.

Cette image trouve un écho dans la poésie du XIXe siècle. Un poème de J.P. Polonsky lui est dédié:
Elle est partie depuis longtemps, il n'y a plus ces yeux
Et plus ce sourire silencieusement exprimé
Sa souffrance est l’ombre d'un amour et ses pensées une ombre de tristesse
Mais Borovikovsky a sauvé sa beauté.
Donc une partie de son âme est restée parmi nous,
Et il y a ce visage, cette charmante personne
Face à cette génération indifférente pour
Lui apprendre à aimer, à souffrir, pardon et silence

 

 

Vie personnelle de Borovikovsky

 

Vladimir Lukich n'a eu de vie de famille. Dans des lettres adressées à des parents en Ukraine, il a déclaré: "Toute ma famille est cuisinières et étudiants."
Borovikovsky était un homme charmant, au caractère doux. Les étudiants vivaient dans sa maison comme des parents. Parmi eux, un artiste A.G. Venetsianova. Des proches recouraient constamment à Borovikovsky. Il les a réconciliés et soutenus moralement et financièrement. Les étudiants peintres vivaient dans son appartement de Millionnaya.
Vladimir Borovikovsky, caractérisé par une profonde religiosité, est devenu en 1819 membre du cercle mystique et religieux d'Ekaterina Tatarinova, fondatrice dotée du don de la «divination». Au début, l'artiste crut naïvement qu'il trouverait dans ce cercle l'atmosphère, bien que quelque peu exaltée, mais conforme à son monde spirituel. Cependant, très rapidement, il a commencé à éprouver des regrets ; " Tout me semble arrogance, fierté et mépris. Pas un seul n'est sincère avec moi. "

En 1837, Tatarinova et plusieurs autres membres du cercle ont été arrêtés et le cercle a cessé d'exister.
Même dans les années où il recevait beaucoup d’argent, il le distribuait tout aussi facilement. Chaque samedi, il distribuait de généreuses aumônes à toute une foule de pauvres qui se rassemblaient dans son appartement.
La mort du maître survint en avril 1825 interrompant son travail. Il a été enterré selon sa volonté sans cérémonie dans le cimetière de Smolensk. Le maître, qui n'avait pas de famille, a légué ses biens aux pauvres.

Plusieurs décennies se sont écoulées avant que l'intérêt du public pour ce grand artiste n'apparaisse, notamment grâce à l'exposition de 1905, où plus d'une centaine de portraits de Borovikovsky ont été montrés. Ses œuvres, éparpillées dans les domaines et les collections privées, n'ont rejoint les musées qu'après 1917.