Triomphe de bacchus , Valasquez

Le terme art baroque évoque les noms de Caravage, Carracci, Velazquez, Rubens, Rembrandt et Vermeer mais aussi Sainte Thérèse en extase, le plafond Farnèse, la Ronde de nuit.

Le baroque est l'ère artistique qui a commencé dans les années 1580 et s'est terminée dans les premières années du 18e siècle, et qui a duré jusqu'aux années 1750 dans certaines régions du nord de l'Europe.

Rome, siège de la papauté est devenue le berceau de l'art baroque, les maîtres des autres régions de la péninsule italienne y ont afflué dans l'espoir d'obtenir des commandes artistiques. Le Caravage arrive dans la cité papale depuis les environs de Milan ; Guido Reni vient de Bologne, Lanfranco de Parme. Des maîtres étrangers se rendent à Rome pour s'initier aux derniers développements artistiques, les hollandais Dirck van Baburen, Hendrick Terbrugghen, les français Nicolas Poussin et Claude Lorrain, le flamand Pierre Paul Rubens et l'espagnol Diego Velazquez. La papauté devient la principale source de financement des commandes artistiques italiennes, la croissance économique des classes moyennes en Hollande et en France, devient un facteur déterminant.

L'ère baroque est parfois appelée l'ère du génie, cet a ce moment de l'histoire qu'est lancée la révolution scientifique jetant les bases de la science moderne. Isaac Newton, Galileo Galilei et Johannes Kepler ont tous participé à ce moment de l'histoire, comme René Descartes, qui établit les principes de la philosophie moderne et Anthony van Lee uwenhoek, qui a inauguré le domaine de la microbiologie. Des sommités de la musique Giacomo Carissimi, Antonio Vivaldi, Alessandro Scarlatti, Johann Sebastian Bach et George Frideric Handel font partie de la longue liste des personnes qui ont défini l'esprit du baroque, tout comme des figures littéraires telles que Giambattista Marino ou John Donne.

Jusqu'à la fin du 19ème siècle, l'art baroque a été considéré comme décadent, principalement en raison de son caractère théâtral et de l'accent mis sur l'ormementation. Le terme baroque est un dérivé du mot portugais barroco, utilisé depuis le XVIe siècle pour décrire des perles de forme irrégulière. Il peut également provenir du terme italien baroco, utilisé pour désigner l'excentrique et le bizarre.

Cette attitude négative à l'égard de l'art baroque a changé dans le dernier quart du XIXe siècle, lorsqu'un changement de sensibilité esthétique a incité les architectes et leurs mécènes à revisiter le vocabulaire architectural du XVIIe siècle pour ses mérites, ce qui a donné lieu à la construction de structures élégantes telles que l'Opéra de Paris de Charles Garnier, inauguré en 1875, et ses sculptures réalisées par Jean-Baptiste Carpeaux, qui peuvent être classées dans la catégorie du néo-baroque.

La contre réforme

La menace protestante et son influence commence en 1517 lorsque Martin Luther, mécontent des abus du clergé et de la vente excessive par l'Église d'indulgences (remise de peine pour avoir commis des péchés) pour financer la construction de la nouvelle église Saint-Pierre à Rome, affiche ses quatre-vingt-quinze thèses sur le portail principal de la cathédrale de Wittenberg en Allemagne.

Ces thèses attaquent le pape Léon X et expliquent la position de Luther sur la pénitence, elles sont diffusées dans toute l'Europe du Nord, par le biais de pamphlets imprimés, donnant naissance à la Refondation protestante.
Des réformateurs religieux sont apparus en Europe du Nord : Ulrich Zwingli, John Calvin, Hans Tausen et Philipp Melanchthon, donnant naissance à des églises protestantes.

Afin de freiner l'expansion du protestantisme et de rectifier les problèmes qui en sont à l'origine, le pape Paul III convoque le concile de Trente en 1545 pour clarifier le dogme catholique et éliminer les abus. Le concile interdit la vente des indulgences.

En réponse aux critiques concernant la cupidité des évêques, les bénéfices excessifs furent également abolis. Le concile met en place des règles strictes qui obligent les évêques à résider dans leurs diocèses et à les surveiller personnellement, et les bénéfices liés à leurs fonctions sont réduits. Le concile a réformé les anciens ordres monastiques et en a créé de nouveaux pour contribuer à la revitalisation de la piété populaire.

De nouveaux diocèses sont établis dans les régions où le protestantisme a gagné du terrain afin d'empêcher sa prolifération.

Bien que le Concile de Trente se soit avéré un instrument vital dans la lutte contre le protestantisme, trois autres instruments sont également devenus essentiels : l'ordre des Jésuites, l'Inquisition et l'Index des livres interdits.

Les Jésuites ont vu le jour en 1534, lorsque saint Ignace de Loyola a réuni un groupe de six étudiants en théologie de l'université de Paris pour former la Compagnie de Jésus. Ayant fait vœu de pauvreté et de chasteté, ces hommes cherchent à s'engager dans un travail missionnaire en Palestine.

La guerre entre Venise et l'Empire ottoman les empêchant de se rendre dans la région, ils limitent leurs activités à la prédication et aux œuvres de charité dans le nord de l'Italie. Après avoir recruté de nouveaux membres, ils reçoivent en 1540 de Paul Ill, l'appprobation de former leur ordre, et saint Ignace fut nommé premier général de la société.

Les principaux objectifs des Jésuites sont l'éducation, l'érudition et le travail missionnaire dans le monde entier. Saint François Xavier, l'un des membres du groupe initial réuni par Saint Ignace, a voyagé en Inde, en Indonésie et au Japon, et Matteo Ricci s'est rendu en Chine. Au XVIIe siècle, les Jésuites effectuent un travail missionnaire en Amérique du Nord et en Amérique latine, devenant ainsi la principale force de diffusion de la doctrine catholique dans le monde.

Le Saint Office de l'Inquisition a été créée par Paul III en 1542, dans le but de débarrasser le monde catholique de l'hérésie. L'Inquisition avait été créée au XIIIe siècle pour réprimer l'albigeoisme et le vaudoisme, deux mouvements spirituels médiévaux populaires jugés hérétiques par l'Église.

Le but de l'Inquisition établi par Paul III était de maintenir l'intégrité de la foi catholique et de corriger les erreurs doctrinales. Le Saint-Office de l'Inquisition était composé de tribunaux utilisés pour poursuivre les individus accusés de sorcellerie, de blasphème et de déviation des pratiques chrétiennes. Il était d'abord composé de six cardinaux nommés par le pape, mais ce nombre est ensuite passé à 13.

C'est en 1557 que Paul IV, monté sur le trône papal en 1555, créée l'Index des livres interdits, organe de censure fonctionnant sous l'égide du Saint Office de l'Inquisition. La censure des livres par l'Église existait depuis les débuts de l’église mais c'est au Moyen Âge que les officiers catholiques ont commencé à publier des édits officiels interdisant la lecture de certains livres.

À l'époque de la Renaissance, les autorités surveillaient les bibliothèques et les libraires, et ceux qui étaient trouvés en possession d'un texte censuré étaient excommuniés et, dans certains cas, exécutés, leurs biens confisqués par l'Église. La publication de l'Index par Paul IV visait spécifiquement à empêcher la propagation d'idées religieuses dissidentes, de textes faisant référence aux parties sexuelles du corps, à l'astrologie et à d'autres sujets considérés inappropriés.

En plus de ces mesures, l'Église a également eu recours à l'utilisation de l'image comme arme de la Contre-Réforme. Elle a déterminé le cours que prendrait l'art à la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle. L'Église a utilisé l'art comme vecteur de propagande politique depuis le début de son histoire. La lutte contre l'expansion du protestantisme exigeait l'utilisation de l'art pour redorer son image publique et transmettre des messages qui persuaderaient un retour à la foi.

Des décrets sont publiés sur le rôle de l'art en tant que support visuel pour instruire les fidèles sur le dogme catholique. L'art devait fournir une instruction sur la rédemption, le rôle des saints et de la Vierge, et la vénération des reliques. Les images devaient suivre les écritures sacrées afin d'éviter toute erreur, et les évêques devaient veiller à ce que l'indécence, le profane ou la lascivité soient exclus de l'art religieux.

En 1582, l'archevêque de Milan, Gabriele Paleotti publie un guide pour la construction et l'aménagement des églises à Milan, un guide pour la représentation correcte des images sacrées et profanes. Il juge que l'art maniériste en vigueur était ambigu et inefficace pour transmettre les messages religieux que l'Église souhaitait transmettre, et demandait un type d'art qui fasse appel aux émotions des fidèles et traite les épisodes religieux de manière directe et claire.

Thème et style

Les protestants remettent en question la validité de la sainteté et du rôle de la Vierge Marie dans l'histoire du salut. Ils voyaient peu d'avantage au martyre religieux, ridiculisaient les expériences mystiques et rejetaient tous les sacrements à l'exception de l'eucharistie et du baptême. Les peintres de ce mouvement créent des fresques sur les plafonds et les voûtes des palais ou des églises. Celles-ci reprennent surtout les thèmes de la Contre-Réforme : des passages du Nouveau Testament et l’histoire des hommes importants de l’Eglise.

Le baroque a été la réponse vigoureuse de l'Église catholique à la propagation du protestantisme cherchant à véhiculer la puissance et l'intensité émotionnelle du christianisme, comme dans les peintures du Caravage et de Rubens, et dans les églises de la Bavière à l'Amérique latine.

Les scènes qui présentent le martyre, le sacrifice au nom de la foi, qui glorifient la Vierge comme mère de Dieu, qui affirment la vérité doctrinale et encouragent le retour à la foi, sont fortement privilégiées.

Il en résulte un art rhétorique et théâtral, un art spectaculaire parfois excessif conçu pour faire appel aux sens et provoquer des réactions émotives chez les spectateurs. Les moments éphémères capturés sur la toile ou dans le marbre, l'accent mis sur le réalisme visuel et le contenu psychologique, la dissolution de la frontière entre l'art et le spectateur, l'intégration du réel et du fictif, et l'utilisation de la lumière comme outil pour modeler les différentes formes et pour indiquer la présence, deviennent les principales composantes du vocabulaire visuel baroque.

Le Triomphe de Bacchus Souper à Emmaüs La mise au tombeau du Christ Charles Ier à la chasse ronde de nuit – Rembrandt L'appel de saint Matthieu Samson et Dalila Allégorie de la guerre – Jan Brueghel le Jeune L'art de peindre Le Jugement de Paris L'élévation de la croix Une danse sur la musique

Parallèlement, un autre courant se développe, qui s'appuie sur les principes esthétiques de l'époque gréco-romaine. Il s'agit d'un art inauguré par les membres de l'école de Bologne, dirigée par Annibale Carracci, qui cherche à restaurer les qualités classiques de l'art de Renaissance, en particulier celui de Raphaël. Ce style appelé classicisme baroque, met l'accent sur la sobriété et l'idéalisation. Ces deux tendances qui ont émergé, ne sont pas aussi tranchées. Ceux qui ont adopté la forme de représentation plus théâtrale étaient souvent aussi intéressés par l'art ancien que leurs homologues classiques.

Bien que l'art baroque soit apparu principalement comme un outil permettant de répondre aux besoins de la Contre-Réforme, l'art non religieux a connu cette révolution artistique. Cette période a vu la production de certaines des plus magnifiques peintures de plafond, tant profanes que religieuses. On assiste à une montée en puissance d'autres sujets auparavant considérés comme moins importants : portrait, paysage, peinture de genre, scènes de la vie quotidienne et nature morte.

Auparavant, le portrait était pratiqué pour les monarques et la noblesse. Au XVIIe siècle, il est devenu courant pour les membres de la classe moyenne de commander leur portrait. Les portraits sont devenus plus vivants, les portraits de groupe et de mariage gagnant en popularité. L'autoportrait est devenu un outil d'autopromotion.

Le paysage en tant que sujet principal est déjà en train d'émerger au XVIe siècle. Ses paysages poétisaient parfois la nature, parlant de la création de Dieu à travers le pinceau, la ligne et la lumière, plutôt que des figures subordonnées mettant en scène un événement biblique ou historique.

À l'époque baroque, des artistes tels qu'Annibale Carracci et Domenichino ont créé des paysages qui témoignent d'un site particulier. En Hollande, Jacob Ruisdael et Jan van Goyen se sont également spécialisés dans la représentation de paysages.

Le genre et les scènes de vie ont également commencé à émerger au XVIe siècle en Europe du Nord. Pieter Aertsen a représenté des marchands vendant leurs produits, Pieter Bruegel l'Eider a montré des paysans des Pays-Bas. Ces scènes étaient souvent chargées d'un contenu symbolique qui offrait aux spectateurs des exemples de la bonne conduite morale. Au XVIIe siècle, Johannes Vermeer et Frans Hals ont peint des scènes de taverne et de bordel ou d’attroupement de jeunes musiciens.

La nature morte et le genre n'étaient pas limités au Nord. À Bologne, Annibale Carracci a peint un paysan mangeant des haricots et Caravage a représenté des musiciens, des diseurs de bonne aventure et des joueurs de cartes. Il a également réalisé une nature morte représentant un panier de fruits.

Jan Van Eyck (vers 1390-1441) un peintre des Pays-Bas, aujourd'hui considéré comme l'un des artistes les plus importants de la Renaissance du Nord au XVe siècle. Une vingtaine de tableaux conservés sont attribués avec certitude à Van Eyck, tous datés entre 1432 et 1439.

Le tableau Le portrait d'Arnolfini, est célèbre pour son iconographie complexe et son utilisation novatrice des conventions qui inspireront les générations suivantes d'artistes.
Le Portrait d'Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck est sans aucun doute l'un des chefs-d'œuvre de la collection de la National Gallery de Londres.

Avec un travail au pinceau si fin que l'effet semble photographique, des détails cachés et des effets visuels ludiques, cette peinture est aussi visuellement intrigante que célèbre. C'est aussi un document sur la société du XVe siècle, à travers l'utilisation intensive du symbolisme par van Eyck.

La technique

Van Eyck a développé la technique consistant à appliquer couche après couche de minces glacis translucides pour créer une peinture d'une grande intensité de ton et de couleur. Ses compositions sont remarquables pour leurs couleurs éclatantes et leur réalisme aigu.

L'artiste a profité du temps de séchage plus long de la peinture à l'huile, par rapport à la détrempe, pour mélanger les couleurs en peignant humide sur humide afin d'obtenir de subtiles variations d'ombre et de lumière, renforçant ainsi l'illusion des formes tridimensionnelles.

La peinture à l'huile permet également à van Eyck de saisir l'apparence des surfaces et de distinguer les textures avec précision.

Il a également rendu les effets de la lumière directe et diffuse en montrant la lumière de la fenêtre de gauche réfléchie par diverses surfaces. Certains historiens de l'art pensent qu'il a utilisé une loupe pour peindre les détails les plus infimes, comme les reflets individuels sur chacune des perles d'ambre suspendues à côté du miroir.

Le sujet du tableau

Le sujet est domestique. Il s’agit d’un double portrait de Giovanni Arnolfini, et de son épouse Giovanna Cenami, portrait en pied, présentés côte à côte dans la chambre nuptiale, face au spectateur. Un homme et une femme se tiennent la main dans un décor intérieur, avec une fenêtre derrière l’homme et un lit derrière la femme dans le symbolisme des rôles sociaux du XVe siècle.

Giovanni Arnolfini était l'un des marchands prospères d’origine lucquoise, de la ville de Bruges. On sait qu'il a vendu à plusieurs reprises des tissus luxueux et des tapisseries précieuses au duc de Bourgogne (à partir de 1423) et à ses courtisans. Il a prêté de l'argent au duc en 1446.
De 1446 à 1460, il fut autorisé par le duc à percevoir des droits de douane sur les marchandises importées d'Angleterre.

Grâce à ce privilège, Arnolfini fit fortune. Il a tellement impressionné le dauphin de France alors qu'il était en résidence à la cour de Bourgogne que lorsqu'il est devenu roi, il a fait d'Arnolfini son conseiller et gouverneur des finances en Normandie.

Arnolfini est naturalisé français en 1464. Il a été enterré à Bruges. Il était un émigré italien ambitieux, originaire de la ville de lucques, célèbre pour son commerce de la soie.

Symboles du tableau

Le mari tient fièrement la main de sa femme, tandis que le couple est entouré dans l'espace d’une chambre restreint par une série de symboles. Le fruit à gauche, placé sur une table basse, fait allusion à l'innocence originelle avant le péché, représentant la tentation de la connaissance et la chute de l'homme.

Au-dessus des têtes du couple, la bougie brûle en plein jour sur l'une des branches d'un lustre de cuivre orné, suggérant la force de la flamme nuptiale. Le petit chien au premier plan est un symbole typique de la fidélité et de l'amour. Le lit conjugal, avec ses rideaux rouge vif, évoque fortement l'aspect physique de l'union.

La fourrure était un luxe coûteux autorisé par la loi uniquement aux échelons supérieurs de la société, les clients de Van Eyck semblent faire une déclaration consciente de leur richesse et de leur statut en ayant des vêtements garnis de fourrure (d'autant plus que l'arbre en fleurs à l'extérieur de la fenêtre suggère que la journée était chaude).

Van Eyck s'est assuré d'inclure de minuscules et beaux détails - tels que les manchettes assorties en or et en argent sur les poignets du couple, de nombreux détails autour du bord du voile de la femme et quelques oranges fruits très chères sous la fenêtre. Il réalise un travail habile et complexe, pour dessiner un couple aisé et instruit qui sait comment dépenser son argent.

Le point central du tableau est le miroir, qui reflète deux personnages invisibles qui franchissent le seuil de la pièce. Il s'agit du peintre lui-même et d'un jeune homme, qui arrive sans doute pour servir de témoins au mariage. Le miroir convexe permet de voir à la fois le sol et le plafond de la pièce, ainsi que le ciel et le jardin à l'extérieur, qui sont à peine visibles par la fenêtre latérale. Le miroir agit donc comme une représentation visuelle alternative.

L'artiste utilise le miroir pour élargir les limites de l'espace. Cette technique sera utilisée par Velázquez dans son célèbre portrait de la famille royale espagnole ou Manet.

Comment savons-nous que ce couple était riche? Le lustre, les vitraux, les tapis finement tissés, les sandales, les robes bordées de fourrure, le miroir, le chien et les oranges sont tous des symboles d'une richesse incroyable dans la Flandre du XVe siècle. Beaucoup de ces images remplissent également une double fonction, indiquant non seulement la richesse, mais véhiculant également des allusions à des motifs religieux et de fertilité.

Le lustre a une bougie allumée, qui représente l'œil voyant de Dieu ; le miroir est décoré de scènes de la Passion du Christ. Il y a des chapelets suspendus à côté du miroir. Les oranges représentent la fécondité dans l'art, tout comme le lit cramoisi.

Le haut chapeau à larges bords d'Arnolfini était un symbole de statut inhabituel et coûteux. Les couleurs sombres des vêtements de l'homme, pourpre foncé, brun et noir, reflètent de manière appropriée le goût du duc de Bourgogne. La teinte pâle de la femme est dûe à un maquillage largement utilisé de la cour pour donner une impression de raffinement. Sa robe, bien qu'elle ne soit pas faite d'un tissu particulièrement coûteux, a une élégante doublure en fourrure blanche et des manches décorées.

Le chien de salon est le compagnon constant des femmes nobles, et le tapis anatolien près duquel elle se tient, témoigne de la richesse du couple. Ce couple, sans être ostentatoire, ne laisse guère de doute au spectateur sur son statut social.

Au cœur du portrait une décoration de la chaise à proximité des mains jointes du couple. Elle fait penser aux rictus obscènes que les contemporains appréciaient lors des fêtes de mariage. Le cadre du tableau comportait une citation d'Ovide moqueuse ou ironique sur la fidélité. Le duc de Bourgogne possédait plusieurs exemplaires de l'Art de l'amour et appréciait l’humour d’Ovide : "Ne soyez pas timide dans vos promesses ; par les promesses les femmes sont trahies" ; "Faites beaucoup de vœux, et tous à haute voix".

De l'autre côté du miroir du tableau, se trouve une brosse ou balai à épousseter. La femme serait retenue par des dévotions pieuses pour occuper son esprit et par des tâches domestiques pour occuper ses mains. Cette signification religieuse domestique jette peut-être une autre lumière sur la statue sculptée au-dessus du plumeau. Certains ont suggéré qu'elle pourrait représenter Sainte Marthe, la patronne des femmes au foyer.

Van Eyck a inclus un fruit dans une forme particulièrement intrigante. Sur le rebord de la fenêtre et le coffre en dessous se trouvent quatre oranges, symbolisent la tentation ou la fertilité, un fruit rare et très couteux à l’époque témoigne de l’aisance du couple.

Le réalisme du tableau

Le réalisme de l'imagerie de Van Eyck doit être évalué en tenant compte de ce mélange d'observation, de convention et de propagande.

Jan Van Eyck est là en tant que conteur, conscient de tous les détails. Certains pourraient penser que, dans un tableau, une orange ne peut pas évoquer simultanément la fertilité, la tentation et la noblesse. Dans ce cas, il semble qu'un artiste doté du pouvoir d'observation et de synthèse comme van Eyck devait être capable de comprendre que, dans le contexte de la vie des gens, les objets pouvaient avoir de multiples associations.

Dans le double portrait de l'Arnolfini, Jan Van Eyck était certainement présent. Artiste et commentateur social, il nous a laissé une vision fascinante de la relation complexe et entrelacée entre sexualité, religion et statut social dans l'Europe du Nord du XVe siècle.

Peut-être que la chambre que Van Eyck a imaginée dans son tableau est différente du monde réelle. En surface, l'artiste et le mécène cultiveront une piété et une formalité aristocratiques, mais ils se laisseront aussi aller à leur sens de la comédie courtoise et de l'ironie romantique.
L'artiste a clairement écrit sur le tableau, en latin orné, "Jan Van Eyck était ici 1434."

Cependant, la femme de Giovanni était décédée en 1433, ce qui présente l'hypothèse possible : Van Eyck avait commencé l'œuvre en 1433 alors que la femme de son client était vivante mais elle est décédée au moment où il l'a terminée, ou il s'agissait simplement d'un portrait posthume. Les portraits posthumes n'étaient pas rares.

Il existe une autre possibilité, qu'il s'agisse d'une représentation d'un deuxième mariage, dont les enregistrements ont été perdus. Le visage de la femme apparaît jeune. Son apparence est très à la mode, avec un front haut et des cheveux coiffés. Certains ont pensé qu’elle est enceinte, mais d’autres pense qu'elle soulève des tissus lourds et plissés afin de montrer son cher jupon bleu.

Le miroir sur le mur du fond pourrait être une œuvre d'imagination, car il est plus grand que les miroirs de l’époque. Dans la surface en verre polie et convexe, entourée de belles scènes miniatures de la Passion du Christ, le dos du couple se reflète - mais aussi, la figure l'artiste lui-même.

Une théorie a été avancée que l'œuvre était l'équivalent d'un contrat de mariage : l'union a été attestée par l'inclusion visuelle d'un troisième personnage, qui a signé l'image en gros caractères évidents au-dessus du miroir pour prouver sa présence. Personne ne peut prouver ou réfuter cette théorie.

Arnolfini ne prend pas la main de sa femme dans sa main droite. Certains ont pensé qu’il s’agissait d’un "mariage de la main gauche", une union d'inégaux, dans laquelle la femme était obligée de renoncer à tous les droits habituels de propriété et d'héritage. Ainsi il est probable que les deux témoins soient présents pour valider le contrat financier établi lors d'un tel mariage.

A Bruges au XVe siècle, ni prêtre ni témoins n'étaient nécessaires. Un couple pouvait se marier, puis confirmer l'arrangement en assistant à la communion ensemble, le lendemain matin, la présence d’un membre du clergé ne sera obligatoire qu’à la fin du XVIè.

D'autres historiens de l'art pensent que le tableau pourrait représenter le mariage de Giovanni di Nicolao Arnolfini et de sa première épouse Costanza Trenta.

Les mystères du portrait d'Arnolfini, ainsi que la technique magistrale de Van Eyck, continuent de fasciner les spectateurs et de les inviter à étudier les détails du tableau.

L’art, sous ses nombreuses formes, existe dans chaque communauté, dans chaque culture et dans chaque pays. L’art a été créé depuis la nuit des temps, comme en témoignent les peintures rupestres.

Le terme art englobe une grande variété d’œuvres, des peintures aux sculptures, de l’architecture au design et à l’époque moderne à l’art numérique. Tout le monde peut apprécier et s’émerveiller de l’art.
Dans le monde d’aujourd’hui, l’art continue à influencer la culture, l’esthétique et les tendances de la société sans négliger la valeur économique générée par les œuvres d’art, les musées ou expositions. Il existe de nombreuses raisons d’aimer l’Art.

L’art est un comportement humain naturel. Créer de l’art est un comportement inné, une expression instinctive qui commencent dès l’enfance comme le langage et le rire. L’art fait partie de ce que nous sommes.
Nous avons besoin de l’art parce qu’il participe à notre humanité.

Titien La vierge au Lapin

L’art est une communication, comme la langue, un moyen pour exprimer des idées et partager des informations. L’art offre une méthode pour communiquer ce que les mots n’arrivent pas à exprimer, l’art nous aide à partager des pensées, idées et visions qui ne peuvent pas être articulées autrement.
Nous avons besoin de l’art pour compléter notre expression.

L’art fait du bien. La création et l’expérience de l’art peuvent nous aider à nous détendre, à nous apaiser, ou à nous stimuler. Le processus de création artistique engage le corps et l’esprit, nous offre l’occasion d’observer, de méditer, et de réfléchir. L’expérience artistique est une libération, un lieu de réflexion. L’art peut aider à améliorer notre santé mentale.

L’art raconte notre histoire et notre culture. L’art est une leçon d’histoire, un récit culturel, la préservation d’une civilisation et une autobiographie de chacun. Chaque culture est associée à l’art, sous forme de musique, de peintures et de films, etc. Avec l’aide de l’art, nous pouvons apprendre la culture passée et le patrimoine des sociétés. L’art documente les événements, les expériences, les paysages, les gens, les costumes et les détails, en reflétant les valeurs culturelles, spirituelles et identitaires. L’art raconte nos propres vies et expériences au fil du temps.

De Vinci La femme à l’Hermine

L’art est une expérience partagée, la création artistique est une activité collective, comme la danse, le théâtre et la chorale, d’autres sont une création solitaire qui devient collective au moment de diffusion comme la peinture, la littérature ou la musique. L’art offre une raison pour rassembler les personnes et pour partager les expériences.

L’art génère un amour de l’apprentissage et de la créativité. L’art développe une volonté d’explorer ce qui n’existait pas auparavant. L’art enseigne la prise de risque, l’apprentissage de ses erreurs et l’ouverture à d’autres possibilités. Les enfants créatifs sont également curieux et passionnés d’en savoir plus.
L’art renforce la concentration et augmente l’attention, développe la coordination œil-main, nécessite de la pratique et une réflexion stratégique, et implique une interaction avec le monde matériel à travers différents outils et médiums artistiques. Être créatif est une compétence permanente et peut être utilisé dans des situations de tous les jours.

L’art enseigne la résolution de problèmes. Faire de l’art enseigne qu’il y a plus d’une solution au même problème. L’art remet en question nos croyances et encourage une réflexion ouverte qui crée un environnement de questions plutôt que de réponses.

L’art soutient l’intelligence émotionnelle, soutient l’expression de sentiments complexes qui aident les enfants à se sentir mieux dans leur peau et les aide à comprendre les autres en « voyant » ce qu’ils ont exprimé et créé. L’art soutient le sens personnel de la vie, découvrant la joie en soi-même, étant souvent surpris, puis la suscitant chez les autres.

Renoir La promenade

L’art éveille les sens. L’art ouvre des possibilités et alimente l’imagination. L’art est un processus d’apprentissage pour créer et découvrir le monde d’une manière nouvelle. Les arts soutiennent une vision plus large de la vie : beauté, symbole, spiritualité, narration, cela nous aide également à sortir du temps en permettant d’être présent dans l’instant. L’art maintient la magie vivante.

L’art affecte simultanément nos sens, nos pensées et nos émotions.
Les spécialistes des sciences sociales (comme les psychologues et les sociologues) pensent que l’art stimule les réponses physiologiques, mais peut également déclencher des réactions psychologiques. L’art expose son public à un royaume de nouvelles idées, concepts et idéologies. Cela peut établir un lien entre le spectateur et l’artiste, ou donner l’impression que le public fait partie de quelque chose de plus vaste.
L’art nous offre une évasion et nous permet de vivre des moments sans risque de douleur ni d’échec. L’art est universel ; il transcende les divisions culturelles et transmet le même message à divers groupes de personnes.
L’art est simplement esthétique, beau.

 L’art est une célébration des réalisations et des émotions humaines, un luxe, une récompense, un produit de la pensée complexe, une représentation de nos émotions les plus primitives ou les plus délicates. Au contact de l’art, nous dépassons l’œuvre pour un monde plus vaste, nouveau, et beau.

Appréciation de l’art

Apprécier l’art fait référence à l’exploration et aux analyses des formes d’art auxquelles nous sommes exposés. Cela peut être subjectif, en fonction des goûts et des préférences personnelles, ou selon des éléments concrets comme la maîtrise affichés dans l’œuvre ou son sujet. L’appréciation de l’art implique un examen approfondi de l’implication historique et du contexte de l’œuvre et ses origines.

L’art est dynamique, de nouvelles tendances et styles émergent sans cesse, l’interprétation aussi. L’art ouvre le flux du subconscient et touche chaque personne d’une façon différente.

L’appréciation de l’art est un élément utile. C’est un bon moyen de comprendre l’histoire derrière l’œuvre et la période d’origine. Les artistes reflètent les problèmes auxquels ils sont confrontés et les enjeux de la société dans leur travail. En analysant l’esprit de l’artiste, nous pouvons mieux étudier et comprendre les problèmes de la société de l’époque.

L’art est destiné à stimuler la réflexion et la conversation entre spectateurs. En réfléchissant à une œuvre d’art, nous plongeons dans nos propres expériences. Une œuvre d’art signifie quelque chose de différent pour chaque personne. L’appréciation de l’art aide à ouvrir l’état d’esprit des gens, en écoutant différentes perspectives et points de vue, elle encourage une conversation réfléchie et une compréhension mutuelle.

Pour de nombreuses personnes, l’art est destiné à exprimer quelque chose que nous nous sentons incapables d’exprimer ou de transmettre. À travers son support visuel, il évoque des sentiments de joie, de tristesse, de colère et de douleur. C’est pourquoi l’appréciation de l’art est si importantepour compléter l’œuvre par notre interprétation. Notre perspective donne vie à l’œuvre d’art.
Il est important de favoriser l’appréciation et l’analyse de l’art, cela nous aide à valoriser l’art et ses significations. Il permet d’analyser de manière critique une œuvre, selon des lignes de conception, de maîtrise et de technique. Mais surtout, l’appréciation de l’art, stimule la réflexion et l’analyse, incite l’individu à regarder au-delà de l’œuvre et à ouvrir son esprit aux opinions des autres.

 Matisse luxe calme et volupté