Albrecht Dürer (1471-1528) dessina dès qu'il a pu tenir un crayon. Un dessin de lui-même, réalisé lorsqu'il avait treize ans, le montre avec des longs cheveux et portant un bonnet, pointant son image dans un miroir.

Le jeune garçon dessinait depuis de nombreuses années, probablement depuis l'âge de trois ans, qui est l'âge où la plupart des artistes naturels commencent. Il est difficile de croire qu'il ait laissé passer une seule journée de sa vie sans créer quelque chose, même lorsqu'il était en voyage. Ses aquarelles topographiques ont été les premiers paysages réalisés d’un pays du nord de l'Europe et la première utilisation de l'aquarelle en dehors de l'Angleterre ; et compte tenu de la nouveauté du sujet et du médium, elles sont extraordinairement accomplies.

 

Les autoprtraits

 

 

L'initiation de Dürer à l'adoption du nouveau médium, l'aquarelle, pour enregistrer ses voyages et ne jamais perdre une journée, était caractéristique à la fois de son industrie intense et ininterrompue et de son appétit vorace pour les nouvelles expériences artistiques. Sa production comprenait 346 gravures sur bois et 105 gravures.

Le Musée de l'histoire de l'art de l'Union européenne (UEO) a conservé un grand nombre d'œuvres d'art, dont des dizaines de portraits en divers médiums, plusieurs retables massifs, des gravures et 970 dessins (sur plusieurs milliers).
Il semble avoir travaillé à la limite de ses capacités toute sa vie. Il a toujours repoussé les frontières de l'art. Le nombre de premières expériences réalisées en matière d'innovation technique est frappant. Le Léonard de l'Europe du Nord, Dürer avait un esprit scientifique qui l'obligeait à se demander pourquoi faire, et à chercher des moyens de faire et d’améliorer par des recherches incessantes.

 

Dürer est un grand individualiste, qui virtuellement inventé l'autoportrait, non pas parce qu'il était égoïste, mais parce que le fait de commencer une esquisse de lui-même remplissait des sentiments étranges avant qu'il ne commence une nouvelle tâche. Ces esquisses, une fois commencées, ont tendance à acquérir un élan artistique propre et à se transformer en peintures à l'huile élaborées de sorte que nous connaissons mieux son physique et son apparence que ceux de tout autre artiste avant Rembrandt.

 

Il a dessiné sa famille : il reste plusieurs portraits réalisés de son père, un portrait émouvant de sa jeune épouse, Agnès, et un dessin au fusain de sa mère âgée, qui avait donné naissance à huit enfants adolescents, dont quinze sont morts avant d'atteindre l'âge adulte.

 

Pour lutter contre la contrefaçon, Dürer a été le premier à concevoir son propre logo, AD.
Dürer a vécu à une époque où les artistes allemands, suivant la pratique italienne, commençaient à passer rapidement de l'anonymat médiéval à la célébrité. Cela vaut en particulier pour les quatre grands artistes allemands qui ont été ses contemporains : Matthias Grünewald, Lucas Cranach l'Ancien, Albert Altdorfer et Hans Holbein. Ces hommes doués et déterminés ont porté l'art allemand à un bon niveau.

 

 

Gravures et impressions

Dürer était de loin le plus productif en tant que créateur indépendant, il laissé un corpus substantiel d'écrits imprimés sur l'art et les sujets connexes, un certain nombre de lettres personnelles, tableaux et gravures.

Dürer est issu d'une époque où l'art était une production collective presque industrielle selon les nomes de notre époque, se déroulant dans des ateliers où des spécialistes exerçaient leurs fonctions côte à côte, où les tâches étaient partagées et où les parties les moins responsables étaient attribuées selon une stricte hiérarchie des compétences et de l'expérience.
Il y avait les apprentis, les ouvriers-artisans formés, et les Meister. Le nombre, la taille et la complexité de ces ateliers avaient énormément augmenté avant Dürer en raison de l'accroissement rapide de la richesse, en Europe, mais particulièrement notable des deux côtés des Alpes.
L'impression peut être décrite comme la production en masse d'images sur des surfaces planes, en particulier du papier. Ce fut une révolution technologique qui a accéléré la vitesse à laquelle l'humanité se précipita vers l'avenir, et presque la plus importante, car elle a touché tous les aspects de la vie. L'impression à partir de caractères mobiles est l'œuvre de Johann Gutenberg et Johann Fust en 1446-1448, vingt ans avant la naissance de Dürer. En 1455, Gutenberg avait achevé et publié le premier livre imprimé au monde, une Bible. L'importance de l'événement fut immédiatement reconnue. L'impact fut énorme, la première encyclopédie fut publiée en 1460, suivie par la première Bible en allemand.
Avant l'impression, la possession de manuscrits était le privilège des riches ou des institutions ; seules les plus grandes bibliothèques possédaient jusqu'à 600 livres, et le nombre total de livres en Europe en 1450 était bien inférieur à 100 000.

Né à Nuremberg, une ville du sud de l'Allemagne prospère et sophistiquée, connue pour ses artisans qualifiés, Dürer a été au cœur de la révolution de l'imprimerie. La ville a reçu sa première presse à imprimer en 1470, l'année précédant sa naissance, et elle est rapidement devenue non seulement la première ville de l'industrie allemande du livre, mais le centre du commerce international de l'imprimerie.

Le maître imprimeur Anton Kolberger, le parrain de Dürer, a fait tourner vingt-quatre presses à plein régime, a employé 150 ouvriers et a entretenu un réseau de relations avec les commerçants et les universitaires de toute l'Europe. Les parents de Dürer avaient réussi à obtenir un parrainage pour leur fils parce que Dürer senior, comme Gutenberg, était orfèvre.
La famille était originaire de Hun-Gary (où Dürer signifie « porte »), parrainée par les citoyens prospères de Nuremberg au moment de la naissance de Dürer. L'orfèvrerie était proche de l'imprimerie pour toutes sortes de raisons techniques, y compris la reproduction. La production en masse d'images avait précédé l'invention des caractères mobiles. Les objets les plus courants étaient les cartes de prières religieuses et les cartes à jouer. Les orfèvres faisaient le commerce de la production en masse de bijoux peut coûteux. Les orfèvres ont presque inventé la gravure dans le fer et le cuivre une génération avant l'invention de l'imprimerie.
Entre 1425 et 1440, les orfèvres d'Allemagne du Sud ont imprimé du papier sur des plaques gravées dans leurs ateliers pour produire un grand nombre d'exemples de dessins imprimés afin de faciliter le transfert d'éléments répétés ou symétriques, pour la formation et la tenue de registres, et pour la vente. Tous les centres de gravure ancienne — Colmar, Strasbourg, Bâle ont évolué à partir de l'orfèvrerie, et le premier graveur-imprimeur qui a produit suffisamment pour signer son travail avec son monogramme « ES » en 1460 était un orfèvre. Au moment de la naissance de Dürer, le plus grand des graveurs, Martin Schongauer, travaillant dans son atelier d'orfèvrerie à Colmar, produisant des estampes, un nouvel art également né en 1471.

Dürer était naturellement en apprentissage dans l'atelier de son père. Après trois ans, il a dit à son père qu'il souhaitait se spécialiser en tant qu’artiste designer.

Son père n’a pas pu être surpris, étant donné les compétences graphiques de son fils. L'orfèvrerie était la voie royale vers les beaux-arts dans l'Europe du XVe siècle. Des centaines de peintres et de sculpteurs allemands et italiens étaient des fils et des filles d'orfèvres. Dürer, un adolescent attentif et studieux a peut-être demandé à son père de le former comme graveur chez Schongauer, pour maîtriser la production. Lorsqu'il arrive à Colmar, Schongauer venait de mourir. Dürer fit l'apprentissage de son fils auprès d'un artiste de Nuremberg, Michael Wolgemut, spécialisé dans la gravure sur bois.
Le nouveau procédé de gravure sur métal permettait un travail plus fin. L'impression de gravures sur bois ou de livres illustrés de gravures sur bois était moins chère et occupait une place centrale dans le marché de la consommation de livres en pleine expansion.

Les gravures sur bois ont finalement fait de Dürer l'artiste le plus connu d'Europe du Nord, et le plus riche. Les blocs sont fabriqués à partir de planches bien assaisonnées, d'un pied d'épaisseur, coupées à la longueur d'arbres tendres, tels que le hêtre, l'aulne, le poirier, et le noyer. Il s'agit d'une technique d'impression en relief dans laquelle un stylo, un crayon ou un pinceau est utilisé pour dessiner un motif. Le dessin est découpé par un couteau tranchant pour faire deux incisions de chaque côté de la ligne dessinée. Une fois ces lignes établies, la surface de bois excédentaire est enlevée à l'aide de ciseaux, de pelles et de gouges.

Les meilleures gravures sur bois ne sont pas seulement dessinées par l'artiste, mais aussi taillées par lui. Cependant, la gravure sur métaux a toujours été plus précise que la gravure sur bois.

Wolgemut et son brillant apprenti ont travaillé ensemble pour rendre la gravure sur bois plus sophistiquée et plus fine. Lorsque Dürer a terminé ses années d’apprentissage en 1489, il est parti aux Pays-Bas et dans d'autres parties de l'Allemagne pour rencontrer des artistes et acquérir des connaissances.

Avec Wolgemut, et à partir de 1490 dans son propre atelier, Dürer a créé sept immenses séries de gravures sur bois, que son parrain a publiées : un petit groupe de Passion, qui est devenu l'équivalent d'un best-seller ; un volume de contes moraux avec quarante-cinq gravures sur bois de Dürer ; et une série de 116 illustrations à succès d'un Livre de mensonges populaires (1494) de Sebastian Brant.

Le premier véritable chef-d'œuvre de Dürer en matière de gravure sur bois fut sa série Apocalypse de 1496-1498, qui fut suivie de plusieurs superbes estampes individuelles, dont Sampson et les Lions et Le Chevalier du Landsknecht.

 

Il a continué à produire des œuvres sur bois toute sa vie, et il est probable qu'il a gagné plus d'argent de cette source que de toute autre, car les tirages étaient multiples.

 

 

Il a ensuite réalisé une magnifique série, Vie de la Vierge, et une œuvre spéciale pour l'empereur Maximilien.
Ce dernier comprend un portrait gravé sur bois (1578) qui a fait le tour de l'Europe et est devenu une image emblématique, ainsi qu'un énorme arc de triomphe assemblé à partir de 192 grandes gravures sur bois imprimées en 1517-1518.

 

Dürer n'a pas renoncé à son objectif initial, qui était de maîtriser le nouvel art de la gravure, il a perfectionné la technique de la gravure, en soulignant le contour, et par l'utilisation de la perspective. Pour la première fois, il fait de la gravure à grande échelle une œuvre d'art. En 1500, il utilise des tons gris, composés de petites taches et lignes, qui lui permettent de créer des illusions de la profondeur. En 1514, il a produit ce qui est sans doute les trois plus belles gravures jamais réalisées : Chevalier, la mort et le diable, Saint-Jérôme dans son étude et Mélancolie.

 

 

La mélancolie, représentée comme une femme qui symbolise l'art et l'intellect, semble être un commentaire sur la nature de la créativité et la tristesse (ainsi que la joie) qu'elle apporte inévitablement.

 

 

 

La peinture et l'Italie

Dürer était à la fois érudit et artiste, accumulant une importante bibliothèque, avide d'apprendre davantage sur le monde. Son ami le plus proche et le plus ancien était l'humaniste allemand Willibald Pirckheimer. En 1494, alors qu'il a vingt-trois ans, Dürer est obligé par son père de prendre une épouse convenable, Agnès, fille d'un maître artisan prospère, Hans Frey. Agnès était intelligente et jouait bien de la harpe. Il y a des preuves qu'ils ne vivaient pas heureux, et Pirckheimer, qui détestait Agnès, dit qu'elle était cruelle. Il se pourrait bien que le mari et la femme aient eu des différends religieux, car Dürer a vécu les premières phases de la Réforme et était un admirateur et un partisan de Martin Luther.

Agnès apporta avec elle une dot de 200 couronnes d'or, et avec cela, Dürer finança un voyage en Italie, à Venise en particulier, le premier de deux voyages (1494-1495 et 1505-1507).
Ces voyages ont produit des aquarelles de voyage. Ils lui ont fait découvrir la lumière et la chaleur du sud. En Allemagne, il a beaucoup souffert des hivers froids de Nuremberg, des printemps glacés et des étés incertains. Il écrivit à Pirckheimer depuis l'Italie, se réjouissant du soleil : « Ici, je vis comme un prince, en Allemagne comme un mendiant en haillons, frissonnant. »
À Venise, il rencontre la famille Bellini qui a des copies de gravures de Mantegna et d'Antonio Pollaiolo, ainsi que de dessins de Lorenzo di Credi. Il a vu les œuvres — et peut-être rencontré — Giorgione, fondateur de la deuxième phase de la révolution vénitienne en peinture, maître du Titien. Dürer se lie d'amitié avec Giovanni Bellini, le plus raffiné des peintres vénitiens, qui partage sa dévotion pour la représentation réaliste et sa passion pour le paysage.

Lorsque Dürer revint à Venise, il s'y trouva aussi célèbre qu'en Allemagne, tant ses livres de gravures sur bois étaient admirés et copiés. Pendant les pauses entre ses grands projets de gravure et de gravure sur bois, Dürer dessinait et peignait, à l'aquarelle, à l'huile et sur d'autres supports une variété d'êtres vivants : plantes, oiseaux et surtout animaux, comme les écureuils, les renards et les loups. Le réalisme avec lequel il dépeint la fourrure étonne les Italiens.

 

 

Giovanni Bellini demande à emprunter l'un des « pinceaux spéciaux » que Dürer utilise pour la fourrure. Dürer lui donna une brosse. « Mais j'en ai déjà une », dit Giovanni. « Ah ! » dit Dürer.
Le secret était dans la main et non pas dans le pinceau.

 

Lorsqu'il installa un atelier à Venise lors de sa deuxième visite en Italie, il reçut la visite de peintres et de collectionneurs, mais aussi du doge Lorenzo Loredan, qui offrit à Dürer 200 florins par an pour qu'il reste dans la ville et l'embellisse. C'est dans cet atelier que Dürer a peint, à la demande des marchands allemands de Venise, sa merveilleuse œuvre La Vierge au Siskin (1507).

 

 

il a créé son tableau le plus beau et le plus ambitieux, La Fête de la guirlande de roses (1506).

 

Cette œuvre dans laquelle la Vierge à l'Enfant trône au milieu d'une vaste collection de saints, de monarques, d'anges, de musiciens et de spectateurs — dont Dürer lui-même — est un résumé de tout ce qu'il a appris jusqu'à présent sur l'art, un tour de force de formes et de couleurs, un simple plaisir et une exquise virtuosité. C'est aussi un mélange frappant de tout ce que Dürer avait appris en Italie (surtout de Bellini) et de l'âme mystique allemande si étrangère à la vision italienne.

Il se rendit à cheval à Bologne, puis à Florence et à Rome. Il fit ses propres copies d'œuvres d'art italiennes. En Italie, Dürer a commencé à créer sa propre encyclopédie de l'art. Il établit un contraste fondamental entre les connaissances allemandes et italiennes en matière d'art.

Lorsque Dürer revient d'Italie après sa deuxième visite en 1507, il commença à travailler sur une série de traités sur l'art qui étaient à la fois théoriques et pratiques, et qui furent les premiers à être écrits sur le sujet en allemand.

Au cours de la troisième décennie du siècle, Dürer était si connu, par ses gravures sur bois, ses gravures et ses imprimés, qu'il était une célébrité européenne de la même envergure qu'Erasme. En 1520-1521, il partit pour les Pays-Bas, voyageant avec un certain style et emmenant sa femme Agnes et sa servante. La raison apparente de ce voyage était de rendre hommage au nouvel empereur, Charles Quint, qui était en train d'être couronné à Aix-la-Chapelle. Il resta d'abord chez l'évêque de Bamberg, lui offrant une belle Madone, en échange de lettres le recommandant aux puissants qu'il n'avait pas encore rencontrés. Mais ces lettres n'étaient guère nécessaires. Dürer fut reçu partout avec les éloges de ses collègues artistes et les commandes de l'élite. La ville d'Anvers, capitale artistique des Pays-Bas lui offre 500 florins d'or par an pour qu'il y travaille. Dürer était accompagné d'un atelier et d'assistants itinérants, et il a réalisé vingt portraits pendant le voyage, ainsi que plus de 100 dessins.

 

Dès 1512, alors que Dürer avait encore seize ans à vivre, la Cosmographia de Cochlaus indiquait que des marchands de toute l'Europe achetaient les gravures sur bois et les gravures de Dürer et les rapportaient chez eux pour que les artistes indigènes les imitent.

Vers la fin du XVIe siècle, il y a eu un phénomène dans les régions germanophones, connu sous le nom de « renaissance de Dürer », au cours duquel ses œuvres ont été rééditées et les collectionneurs, menés par l'empereur Rodolphe II à Prague et l'empereur Maximilien Ier à Munich, ont rassemblé ses peintures, gravures, livres et dessins.

Sa renommée s'est accrue au XVIIIe siècle, et il est devenu un symbole artistique, faisant partie du romantisme (Goethe par exemple) puis sous Bismarck comme symbole de nationalisme allemand. Le matin du 6 avril 1828, jour du tricentenaire de sa mort, 300 artistes se sont réunis sur sa tombe pour lui rendre hommage.

 

 

Références

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13. M. Geisberg, The German Single Leaf Woodcut 1500–1550 (Washington, 1974) ; C. Dodgson, Catalogue of Early German and Flemish Woodcuts in the British Museum (London, 1903), especially pp. 259–347.
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15. For Dürer’s paintings see F. Anzelevosky, Albrecht Dürer: Das Malerische Werk, 2 vols. (Berlin, 1991).
16. See W. L. Strauss (ed.), The Human Figure by Albrecht Dürer: The Complete Dresden Sketchbook (New York, 1972).
17. Dürer’s work is called Etliche Underricht, zu Befestigung der Stett, Schosz und Flecken (Nuremberg, 1527); see J. R. Hale, Renaissance Fortifications : Art or Engineering (London, 1977).