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Oreste Adamovich Kiprensky

kiprensky tableaux et biographie

Oreste Adamovich Kiprensky

Les peintures d'Oreste Adamovich Kiprensky sont connues bien au-delà des frontières de la Russie. Sa peinture est de style classique imprégné du romantisme russe, montrant dans ses portraits la personnalité de l’individu représenté.
L'artiste a peint de magnifiques portraits de commandants, de marins, de décembristes. Kiprensky possédait un don unique de dépeindre une personne dans des moments joyeux de la vie, des moments d'illumination spirituelle.
L'Académie de Florence lui demande de peindre un autoportrait pour la célèbre galerie des Offices - Oreste Kiprensky a été le premier peintre russe à recevoir un tel honneur.

 

 

 

 

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Incipit

incipits

 

Incipit

Ce mot désigne le premier mot d’un ouvrage. C’est l’entrée en la matière. Certains auteurs ont l’art de l’incipit, certains incipit sont passés à la postérité.

Aucun incipt n' est devenu un classique sans un grand roman, par contre, de nombreux grand romans  n'ont pas un incipit célèbre.

Voici dans ce vidéo quelques incipt qui mérite l'attention

 

 

 

 

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Inoubliable : la Wally d’Alfredo Catalani

Wally Alfredo Catalani

 

Inoubliable : la Wally d’Alfredo Catalani

Cet air est le fil conducteur du film de JJ Beinex Diva (1981).
L’arrivée de l’air de La Wally dès le début du film laisse le spectateur stupéfait, interloqué devant une telle intensité et beauté musicale interprétée par la chanteuse Wihelmnia Wiggins Fernandez.


Cet air est tiré de l’opéra du même nom composé par l’italien Catalani (1854-1893), drame cornélien d’un amour non partagé, opéra du XIX è influencé par Wagner (l’action se situe dans le Tyrol) et par Massenet.
Les paroles sont inspirées d’un poème (poème scandinave) de Jules Verne présent dans le livre « Le pays des fourrures ».

Ce compositeur a fait une tentative de renouveler le genre « héroïque » de l’opéra italien après Verdi. Il meurt de tuberculose dans les mois qui suivent la composition.
Toscanini son contemporain, le soutient et inscrit cette ultime œuvre néo-romantique au Metropolitan opéra en 1909 qui fut un grand succès.


Chanson groënlandaise (scandinave) de Jules Verne :

Ange rêvé,
Ton amour, qui fait vivre,
M'enivre
Et j'ai bravé
Pour te voir, pour te suivre
Le givre.
Hélas! Sous mes baisers et leur douce chaleur
Je n'ai pu dissiper les neiges de ton cœur

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Haendel : la musique comme plaisir

Haendel presentant  Water Music au  roi George I

Haendel présentant Water Music au roi George I, peintre belge Edouard Hamman

 

Haendel : la musique comme plaisir

 

Lorsqu’Haendel est arrivé à Londres en 1711, il avait déjà son propre style enraciné dans son éducation nord-allemande et influencé par un séjour en Italie. Il avait rencontré Arcangelo Corelli et Domenico Scarlatti en Italie et y avait connu le succès avec des opéras italiens et des œuvres religieuses. Il connaissait bien l'œuvre de Jean-Baptiste Lully, qui dominait la musique française, et aussi celle de l'Anglais Henry Purcell. Ce cosmopolitisme séduit les mélomanes londoniens, qui apprécièrent qu’Haendel évite certains excès du Haut Baroque que Bach privilégiait.


Händel fut bientôt nommé directeur de la musique du duc de Chandos, qui lui présenta d'autres membres de l'aristocratie anglaise. Haendel perfectionna un nouveau style, plus direct, que l'on peut entendre dans ses Chandos Anthems et le masque Acis et Galatea. C'est à cette époque qu'il écrit Esther, le premier de ses oratorios anglais, un genre pour lequel il deviendra célèbre.


En 1717, le George Ier demande à Händel de composer la musique d'un voyage en péniche sur la Tamise. La musique devait être sensationnelle : le roi voulait faire une grande déclaration publique pour détourner l'attention de son fils, le prince de Galles, qui formait une faction politique opposée. Haendel devait trouver un équilibre entre le désir de nouveauté et la nécessité d'un large attrait populaire.

Alors qu'un concert sur une péniche avec une cinquantaine d'interprètes était une nouveauté en soi, Haendel a ajouté à cette occasion, des joueurs de cor de Bohème, dont les élégantes fanfares sonnaient très différemment des cors de chasse familiers du public anglais. Avec les bassons et les trompettes, ils ont permis à la musique de se propager en plein air. La water musique est née.


La Water Music est essentiellement un mélange de styles européens populaires. Elle commence par une ouverture sur les rythmes irréguliers du style français, incorpore des danses qui étaient à la mode dans toute l'Europe à l'époque, et inclut la plus anglaise des musiques - le cor - qui est devenu le son caractéristique de l'œuvre.

 

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Musique à Venise

musique venise vivaldi

 

Musique à Venise

Peu de villes européennes ont une tradition musicale aussi longue et aussi prestigieuse que Venise. À l'époque baroque, elle était un centre artistique majeur et un puissant centre commercial, avec une grande tradition de cérémonies religieuses d’État nécessitant de la musique.

La renommée des compositeurs vénitiens, tels que Andrea et Giovanni Gabrieli, Monteverdi et Vivaldi, rivalise avec celle des artistes peintres de la ville - Bellini, Titien, Véronèse, Tintoret et Tiepolo. L'opéra trouve d'abord un public nombreux dans la ville, avec l'ouverture de la première maison d'opéra du monde, le Teatro di San Cassiana, en 1637.


Au XIXe siècle, Rossini a connu plusieurs de ses plus grands triomphes à Venise, tandis que Wagner, un visiteur régulier qui est mort plus tard dans la ville, a composé Tristan und Isolde à Venise, et Verdi a créé Rigoletto (1851) et La Traviata (1853) au Teatro La Fenice, le principal opéra à partir de 1792. Au XXe siècle, The Rake's Progress (1951) de Stravinsky et The Turn of the Screw (Le Tour d'écrou) en 1953 de Benjamin Britten y ont également été interprétées.

 

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Une réponse extraordinaire de Thomas Tallis

Thomas Tallis spem in alium

Une réponse extraordinaire de Thomas Tallis

Thomas Tallis était membre de la Chapelle royale lorsque le compositeur Striggio a visité et déployé ses partitions en plusieurs parties. Les œuvres de l'Italien étaient de style polyphonique avec des voix regroupées en chœurs autonomes qui se réunissaient en un grand son aux points cruciaux de la partition.

 


La réponse de Tallis dans son motet Spem in alium a été tout à fait différente : il s'est replongé dans la musique de Taverner et de Sheppard pour créer une pièce incontestablement anglaise, une réponse extraordinaire à Striggio. Les 40 voix de Spem in alium ( espoir dans quelque chose d’autre) sont rarement réunies dans les mêmes groupes, mais chacune suit son propre chemin. Une voix peut maintenir un rythme régulier mais aura une contrepartie qui réalisera quelque chose de similaire en syncope, ajoutant un scintillement à la voix régulière. Comme un murmure progressif d'oiseaux, les voix se rassemblent, puis se séparent et finalement s'assemblent à nouveau pour un effet puissant et exaltant.

 

On sait peu de choses sur les débuts de Tallis, mais en 1532, il était l'organiste du Prieuré de Douvres, sur la côte sud de l'Angleterre. Après la dissolution du prieuré trois ans plus tard, il travaille à l'église de St. Mary-at-Hill à Londres, à l'abbaye de Waltham et à la cathédrale de Canterbury, avant de devenir membre de la chorale ("Gentleman") de la Chapelle royale d'Henry VIII, où il devient plus tard organiste.


La reine Elizabeth accorde à Tallis et William Byrd un brevet d'impression de musique en 1572, et en 1575, ils publient conjointement Cantiones sacrae, une collection de motets latins. Tallis a également été l'un des premiers à mettre des mots anglais sur les psaumes, les cantiques et les hymnes. Des siècles plus tard, sa mise en scène du psaume 2, a été utilisée par Vaughan Williams pour sa Fantasia on a Theme of Thomas Tallis (1910).
Tallis est mort paisiblement chez lui en 1585. On pense qu'il avait environ 80 ans.

 

 

 

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Villa Lobos compose ses Bachianas brasileiras

 

villa lobos bach

Villa Lobos compose ses Bachianas brasileiras

Ce compositeur brésilien du début du 20e siècle est un peu oublié sauf des guitaristes pour lesquels il a écrit de nombreuses pièces et des violoncellistes qui trouvent dans son œuvre de nombreux morceaux rendant hommage à cet instrument.
Violoncelle et guitare, deux instruments qu'il apprend à jouer dès son plus jeune âge, l'un avec son père, l'autre dans la rue avec les carioca et les seresteiros (donneurs de sérénades).
À 16 ans il se promène à travers le Brésil, et retranscrit les morceaux de musique traditionnelle.
" Dans ma musique, je laisse chanter les rivières et les mers de ce grand Brésil. Je ne cherche pas à étouffer l'exubérance tropicale de nos forêts et de nos cieux, que je transpose instinctivement dans tout ce que j'écris. "  écrit Villa-Lobos, lors de voyages à paris où il admirait les compositeurs de son époque Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Florent Schmitt, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Albert Roussel.
Sa musique triomphe à Paris, la consécration se produit en 1948 : Villa-Lobos est élu membre correspondant de l'Institut de France.
Il est joué dans le monde entier, dirige ses propres œuvres ou les œuvres de ses amis. Ce compositeur prolixe, rend hommage à son pays natal en retranscrivant les mélodies du folklore dans de nombreux Choros, mais aussi de façon plus inattendue, il rend hommage à un des maîtres de la musique classique : JS Bach ceci dans des compositions appelées Bachianas brasileiras, dont la plus célèbre la n° 5 pour violoncelle et voix.
Il meurt à l'apogée de sa notoriété en 1959, et laisse plus de 1500 compositions.

 

Bachianas brasileiras

Les Bachianas brasileiras sont neuf compositions faites de diverses combinaisons d'instruments et de voix, créées entre 1930 - 1945.
Chacune représente un mélange d'airs du folklore brésilien et de style Jean-Sébastien Bach. La plupart des mouvements de chaque suite ont deux titres, l'un emprunté à Bach (prélude, Fugue, etc.), l'autre brésilien (Embolada, O Canto da Nossa Terra, etc.).
Bachianas brasileiras N° 5 musique pour formation de 8 violoncelles et une voix (soprano), elle s'articule en deux mouvements, une aria et une danse.

 


L'aria : Le premier mouvement en La mineur est un chant, une vocalise. Cette partie est ensuite jouée en variante avec un violoncelle soliste, et les autres violoncelles en accompagnement.
Suit un poème décrivant la beauté du ciel au coucher (paroles de Ruth V. Corrêa).
Tarde, uma nuvem rosea lenta e transparente,
Sobre o espaço sonhadora e bela!
Vient ensuite la dança.

 

 

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Daft Punk : parcours de deux Parisiens talentueux

daft punk

 

Daft Punk : parcours de deux Parisiens talentueux

 

En 1993, Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homeme Christo, amis de lycée fondent à paris, en duo, un groupe de musique " Daft Punk ", en réponse au magazine britannique Melody Maker ayant qualifié leur musique " daft punky trash ", littéralement punk idiot ou imbécile.
Le groupe avait commencé par jouer du rock dès 1991 avec Laurent Brancowitz (guitariste du groupe Phoenix) sous le nom de Darlin et enregistrer un 45 tours de deux titres : " Darlin " et " Cindy so Loud, " passé totalement inaperçu.

 

Daft Punk produit ensuite avec le label écossais Soma. Thomas et Guy-Manuel commencent à jouer sur du matériel électronique, c'est le début de la techno française. Le duo sort un an plus tard, " The New Wave " et attire cette fois l'attention de journalistes et de critiques de musique. L'année 1995 : premier succès, " Da Funk /Rollin and Scratchin ". Le titre rencontre le succès auprès des jeunes et envahit les boites et clubs d'Europe. C'est en 1995 que Daft Punk fait la première partie des Chemical Brothers à Londres. En France, le groupe participe à la 17e édition des Transmusicales de Rennes et est repéré par la maison de disques Virgin ; premier label à diffuser Daft Punk en France.

 

En janvier 1997, Daft Punk sort un autre album " Homework ", caractérisé par les rythmes techno (inspirés de la scène musicale techno de Chicago et Détroit). Cet album rencontre un succès international. Deux millions d'exemplaires sont vendus en l'espace de 2 mois. La presse spécialisée fait l'éloge de l'album, vrai succès auprès des jeunes. Le titre " Around the World " entre dans les tops européens et nord-américains. (clip signé par le réalisateur Michel Gondry, et la chorégraphie Blanca Li).

 

Le groupe se présente, masqué, sur scène, reprenant le caractère anonyme de cette musique techno (brassage et mélange de différents sons, rythmes et morceaux de musique au départ sans chanteur) et entretenant le mystère autour du groupe.

Les deux amis parisiens que rien au départ ne rapprochait (l'un est d'une famille d'origine portugaise et l'autre est d'une famille polonaise), considèrent leur musique comme internationale.  

 

Le groupe entame une première tournée mondiale. L'album Homework devient l'étendard de cette musique techno française (french touch) que les critiques appelleront le " son Daft Punk " genre mélangeant une house filtrée et une techno brute, de funk et aussi de rock. Le succès de cet album constitua un tremplin à d'autres groupes de la scène électronique française.

 

 

Tout fan connait le refrain de 909 révolution : " Stop the music, and go home. I repeat, stop the music and go home. " Cela correspond à la descente des flics interdisant la rave party, la répression contre le droit de faire la fête, etc.  Cette musique reprend les thèmes habituels de la techno : liberté, anticonformisme, anti-star-système, musique festive répétitive et dansante, et aussi peur d'un monde déshumanisé.

En 2001, Daft Punk revient avec un nouvel album totalement différent : " Discovery " et invente le disco pop futuriste à voix synthétique monocorde. L'album est encensé par certains et critiqué par d'autres. Il s'agit en fait de la musique du long métrage d'un dessin animé réalisé par le Japonais Leiji Matsumoto : Daft Punk et Leiji Matsumoto's Interstella 5555 : the Story of the Secret Star System.

 

Après un long mutisme, Daft Punk revient en 2005 avec " Human After All ", album qui exprime l'inquiétude d'un monde occidental robotisé, album jugé par certains comme leur plus mauvais.

En 2006, ils font une tournée mondiale, avec un show mélange de leurs trois albums. Leur spectacle à Bercy leur vaut une nomination aux Victoires de la Musique en 2008 dans la catégorie Spectacle musicale de l'Année.

En 2009, les deux musiciens réalisent la bande-son du film Tron de Disney : L'Héritage (remake du film Tron de Steven Lisberger sorti en 1982). Le film sera récompensé pour sa bande-son du prix de la Meilleure Musique de Film aux Saturn Awards 2011.

En 2013 ils créent une nouvelle fois l'événement avec leur nouvel album " Random Access Memories " comprenant le célèbre titre " Get Lucky ", interprété par le chanteur Pharell Williams.

Aujourd'hui, ils résident aux USA, où ils vendent le plus de disques. Les deux musiciens passent leurs temps entre Paris et LA.

 

Si dans les boites et clubs et autres soirées en France, on danse sur leurs tubes comme " Get' s Lucky ", la musique techno est principalement appréciée par les jeunes, des festivals d'été, des milieux branchés et reste peu diffusée en France suite à sa mauvaise réputation, elle est associée à la consommation de drogues ou autres substances.

La France a rendu hommage pendant la cérémonie de 14 juillet 2017 à la réussite du groupe Daft Punk, et à cette musique festive et dansante si prisée du jeune public.

 

 

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Kiri Te Kanawa chante Puccini

Kiri Te Kanawa

Kiri Te Kanawa chante Puccini

La soprano néo-zélandaise Kiri Te Kanawa (née en 1944) a annoncé à la BBC ce 13 septembre qu'elle se retirait de la scène et prenait sa retraite. Cette artiste  a eu une belle carrière et sa voix nous a enchanté.  
Comment oublier sa voix, splendide, pleine de joie et de bonheur, en fond sonore du film Chambre avec vue de James Ivory (1986) d'après le roman  d'E.M. Forster, un film romantiques à  Florence, baignée dans la lumière estivale italienne.  
On y entend l'aria "Chi il Bel Sogno di Doretta" à partir la Rondine de Puccini chanté par Kiri Te Kanawa.
Cet air lent,  dont l'intensité monte progressivement,  accompagne le mouvement des acteurs pour aboutir à la révélation de l'intensité du sentiment amoureux des protagonistes. C'est le fameux baiser dans le champ de blé plein de fougue et de spontanéité que l'héroïne Lucy reçoit du jeune anglais intrépide, amoureux d'elle.
Les paroles de ce morceau de musique suivent avec exactitude le thème du film comme vous pouvez le voir avec la traduction qui suit.


Chi il bel sogno di Doretta / A quoi pouvait rêver Doretta ?
potè indovinar?/ Qu'elle est ce mystère?
Il suo mister come mai/ Pouvez-vous deviner ?
come mai fini/ Car ce mystère dure toujours

Folle amore! Amour fou !
Folle ebbrezza!/ Poison fou
Chi la sottil carezza/ Qui se soucie
d'un bacio così ardente/ D'un baiser si ardent
mai ridir potrà?/ jamais oubliable

 

 

Ce film  explore le thème lors de la rencontre amoureuse, les hésitations d'une jeune fille face à la découverte du sentiment amoureux, le bouleversement et la métamorphose de la jeune fille en femme.
"O Mio Babbino Caro" (mon père aimé) un air de l'opéra Gianni Schicchi (1918) de Giacomo Puccini. La riante musique de mio babino nous accompagne dans cette ballade italienne ou des sentiments contradictoires s'enchainent et se mêlent  joie, peur du rejet et  finalement bonheur d'aimer.

O mio babbino cher/ Oh mon cher papa
mi piace, è bello, bello/  Je l'aime, il est beau, beau.
Vo'andare à Porta Rossa / Je veux aller à Porta Rossa
un comperar l'anello! /Pour acheter l'anneau!

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I love It, I don't care, succès techno-pop

I dont care I love it

 

 

I love It, I don't care, succès  techno-pop

Dans les années 1990, le mouvement musical techno connait ses heures de gloire où de nombreux DJ  mixent  et déconstruisent le son grâce à leurs synthétiseurs, ordinateurs, et boîtes à rythme. Ils ont créé des morceaux rythmés, dansant à base répétitive pour scènes musicales  avec laser, ou pour Rave party dans des endroits improvisés.  Ces soirées insolites ont connu un grand succès  en Angleterre ou en Allemagne : esprit de liberté, anticonformisme et refus de l'ère postindustrielle et  du monde robotisé.

 

Tout le monde se souvient du groupe Kraftwerk (radioactivity)  ou plus récemment du succès mondial de Daft Punk.
Les Dj et autres créateurs ont longtemps refusé d'entrer dans le star-système et  dans les maisons de production.  Certains se sont autoproduits, d'autres ont lancé sur le net leur musique en mixtape, sur des plateformes de chargement ou les ont diffusé dans des raves-party.
Cette musique instrumentale s'est associée progressivement à des groupes et des chanteurs et produit un grand nombre de tubes planétaires grâce des rythmes simples, efficaces  et lancinants.
C'est le cas de la chanson "I love It"  Chanson écrite par une anglaise Charli XCX (son vrai nom : Charlotte Emma Aitchison)  sur un rythme plutôt lent.

 

Différentes versions de cette chanson avec différents tempo ont été composées. Les deux suédoises du groupe Icona Pop ont réussi à toucher le public et ont eu un succès planétaire grâce à un tempo de 126 battements par minute et à un son techno.

Ce duo Electropop suédois formé en 2009, a des influences musicales électro house, punk et indie pop. Les deux membres Caroline Hjelt et Aino Jawo ont grandi à Stockholm, elles rencontrent Charli XCX à Londres à ses débuts.

I Love It a été diffusée en Suède en mai 2012. La chanson entre dans le Swedish Singles Chart (équivalent de notre top 50) le mois suivant.


En janvier 2013, un épisode de Girls, (deuxième saison de la série de HBO créé par Lena Dunham) diffuse la chanson,  puis c'est la série  The Vampire Diaries et en dernier la série comédie musicale Glee .

La première apparition de Caroline Hjelt et Aino Jawo avec Charli XCX se produit en avril 2013,
En juin de la même année, plusieurs versions de la chanson entrent dans le UK Singles Chart, dont une par le vlogger Venus Angelic.

Quand Icona Pop (avec Charli XCX) diffuse sa propre version aux USA, elle entre en haut du tableau des tops américains, dépassant les autres versions (notamment celle de Robin Thicke-Pharrell Williams).

 

I got this feeling on the summer day when you were gone.
I crashed my car into the bridge. I watched, I let it burn.
I threw your shit into a bag and pushed it down the stairs.
I crashed my car into the bridge.


J'ai eu ce sentiment ce jour d'été lorsque tu es parti
J'ai balancé ma voiture dans un pont. J'ai regardé, je l'ai laissé brûler.
J'ai jeté tes merdes dans un sac et les ai envoyés  dans l'escalier.
J'ai balancé ma voiture en travers du pont.

I don't care, I love it. I don't care.
Je m'en fous, j'aime ça, je m'en fous.

I don't care, I love it. I don't care.
Je m'en fous, j'aime ça, je m'en fous.

You're on a different road, I'm in the milky way
You want me down on earth, but I am up in space
You're so damn hard to please, we gotta kill this Switch
You're from the 70's, but I'm a 90's bitch


Tu es sur une route différente, je suis sur la voie lactée
Tu me veux sur terre, mais je suis dans dans les hautes sphères,
Tu es impossible à contenter, nous devons anéantir  ce changement,
Tu es des années 70, je suis une salope des années 90.


Cette chanson reprend les thèmes de la musique techno, anticonformisme, liberté, anti-société de consommation et individualisme contestataire affiché.  
120 764 179 vues sur youtube.

 

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Omar Khairat, maître coloriste des sons

Kairat omar

Omar Khairat, maître coloriste des sons

Omar Khairat est né au Caire, en Egypte en 1949, issu d'une grande famille d'artistes. En 1959, il rejoint le Conservatoire pour étudier le piano et la musique. Il poursuit des études supérieures au Trinity College of Music à Londres. Après une participation dans un groupe de jazz, il commence à composer sa musique pour le cinéma égyptien, la télévision et le théâtre. Il a composé pour le Ballet égyptien. Sa musique est influencée par la musique classique arabe et européenne, la musique traditionnelle africaine, le jazz, la pop et le blues. Ce qui distingue sa musique est sa façon de combiner ensemble dans le même orchestre les instruments occidentaux et orientaux.


Sa carrière de pianiste a commencé en 1979, alors que ses diverses œuvres ont commencé à être reconnues par le public et les critiques. Il est devenu célèbre en composant la musique de films à succès.
Sa première composition importante a été la bande originale d'un film à succès "la Nuit de l'Arrestation de Fatma". Dans son travail, il réussit une belle harmonie dans une structure de musique classique occidentale.

Dans " la nuit de l'arrestation de Fatma ", l'orchestre commence par une balade douce et calme impliquant les codes et les instruments à vent, puis une rupture soudaine vers un rythme dramatique et inquiétant impliquant les instruments de l'orchestre et les percussions. Ce thème joué plusieurs fois, à plusieurs rythmes pour laisser place à une brève balade de piano et cordes pour revenir au thème principal, de plus en plus allégro.     

Mélange entre la musique orientale, percussion africaine, jazz et blues dans une harmonie occidentale bien maîtrisée. Son orchestre est un ensemble ordonné avec la perfection d'un orchestre symphonique, orientale, et orchestre de jazz. Ce mélange produit des sons riches en émotions et en énergie.

 


On peut penser pendant quelques instants que nous écoutons une musique d'ambiance, puis soudainement, on passe à une musique chargée d'émotion ou romantique pour être surpris par l'orchestration symphonique et l'harmonie somptueuse qui intègrent tous les instruments à la fois, comme dans les ouvertures des œuvres classiques au début du 20ème siècle, dans un rythme dansé africain ou jazzé.

 


Il est même difficile pour les non-spécialistes de nommer certains instruments impliqués dans ses orchestres, ou leurs origines. C'est une musique de maîtrise et de maturité, rien n'est laissé au hasard, chaque thème exige ses propres sons.    
Il plait au public, qui s'amuse avec lui pendant ses concerts, qui scande le rythme.

 


Il faut maîtriser l'art pour le dépasser, disait Picasso.

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Jenkins : le compositeur vivant le plus joué

Karl William Jenkins


Jenkins compose Adiemus

Karl William Jenkins est un compositeur britannique contemporain.
Sa musique est mieux connue que son nom en France, musique si familière. Nous avons dans les oreilles Adiemus, musique devenue un tube planétaire admiré et chanté par les chorales ou ses très populaires musiques de film publicitaire (pour la compagnie delta air lines ou le diamantaire De Beers).
Jenkins est le compositeur de " musique classique " vivant le plus joué dans le monde aujourd'hui.
Ce compositeur gallois né en 1944, apprend la musique avec son père organiste et chef de chœur.

Karl Jenkins commence sa carrière musicale comme hautboïste à l'Orchestre national des jeunes du Pays de Galles. Il étudie la musique à l'Université de Cardiff, puis à Londres à la Royal Academy. Il rejoint un groupe de jazz-rock Nucleus puis le groupe de rock Soft Machine en 1972.
Jenkins fait ses preuves dans la création de musique de publicité, remportant des prix. Ces publicités le font connaître dans le monde entier.
Sa notoriété est venue du projet Adiemus  (songs of sanctuary) et de palladio en 1995 musique qu'il a joué à travers le monde, de la Finlande au Japon,  En peu de temps, Karl Jenkins est devenu l'un des compositeurs les plus prisés de la planète, The Armed Man : A Mass for Peace ("L'Homme armé: Une messe pour la paix" au Kosovo), créé en 2000, a été donné presque deux mille fois  et d'autres œuvres comme son Requiem, son Stabat Mater, son Gloria et The Peacemakers sont rapidement devenus des " classiques " de la musique contemporaine.
Jenkins a le don de mettre dans ses œuvres une spiritualité puissante qui enchante le public ceci par sa recherche de mélodies simples aux lents développements et d'harmonies extrêmement efficaces...

Adiemus : Une œuvre à part   

Adiemus est une oeuvre spéciale, mélange de musique symphonique et de musique ethnique, mélange de différents genres de mélodies, d'harmonies et de thèmes musicaux simples et répétitifs réunis en un travail choral.
"J'ai eu l'idée d'écrire quelque chose sur une base orchestrale mais avec des voix ethniques, pour dire les choses simplement dit-il.

C'est un travail de longue haleine, et le phénomène Adiemus grandit progressivement : le projet évolue en  Adiémus II, III, IV et V.
Dans ces compostions dans Songs of sanctuary Jenkins a fait appel à un chant choral utilisant différentes syllabes ou sons qui n'appartiennent à aucune langue particulière.

Paroles :

A-ri-a-di-a-mus-la-te, a-ri-a-di-a-mus-da,
A-ri-a-na-tus-la-te-a-do-a
A-re-va-ne-tu-e-va-te, a-re-va-ne-tu-e-va-te,
A-re-va-ne-tu-e-va-te-na-di-a

C'est une musique étrange et envoutante qu'est la musique d'Adiemus. Musique ethnique ? new age ?

Au Japon, elle est classée dans la catégorie "musique soignante", et non pas comme du classique. Même le nom Adiemus renvoie à plusieurs significations puisqu'il se rapproche des mots latins adeamus (" approchons ") et audiamus (" écoutons ").

Cette musique simple et spirituelle est adorée par les chorales du monde en entier

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Flash mob : Boléro de Ravel dans la rue

Ravel Bolero espagne

 

Boléro de Ravel : le morceau français le plus joué dans le monde

Dans les vidéos qui suivent, vous allez voir le regard étonné, ravi, parfois complice des spectateurs et des passants pour ce morceau joué dans la rue ou dans un musée, au grand plaisir de tous ; des portables se pressent pour immortaliser l'événement.

Ravel (1875-1937) compose son boléro en 1928.

 

De part ses origines espagnols du côté de sa mère et aussi de son amitié avec le pianiste espagnol, Ricardo Vines, Ravel grand maître de la composition restera toute sa vie sensible à la musique espagnole. L'œuvre de Ravel, par son lyrisme et sa féerie, se révèle d'un style audacieux qui a transformé le piano et la musique orchestrale.

 

Dans ce morceau, entre en scène en premier le tambour ou caisse claire qui donne le rythme, le répétant toujours et encore inlassablement, puis suivent les uns après les autres les différents instruments pour interpréter dans un mouvement tournant sur lui-même les deux thèmes (ou deux séquences répétés neuf fois) suivis de la ritournelle,

 

Pour S.Gut, un compositeur et musicien, le Boléro est:

" le phénomène répétitif atteint ses plus extrêmes conséquences puisqu'il touche les trois paramètres principaux de l'écriture musicale : le rythme, la mélodie et l'harmonie "

 

Voyons comment Ravel a construit son œuvre en jouant sur les instruments, le mouvement et changeant les rythmes  
abs11.5 orange - La flûte , la clarinette  puis le hautbois d'amour  dans son registre médium.
abs11.5 orange - Ensuite : trompette avec sourdine  accompagnée par la flûte à l'octave supérieure (pianissimo)

 

Pour le deuxième thème :
abs11.5 rose- le basson
abs11.5 rose- saxophone sopranino, puis
abs11.5 rose- saxophone soprano pour finir avec
abs11.5 rose - le trombone en solo.

 


Chaque nouvelle ritournelle (refrain) bénéficie d'une orchestration différente : crescendo accéléré par palier, puis plus fort (fortissimo) rythmé par des instruments des percussions (timbales, grosse caisse, cymbales et tam-tam).
Ravel décrit son œuvre : " c'est une danse d'un mouvement très modéré et constamment uniforme, tant par la mélodie que par l'harmonie et le rythme, ce dernier marqué sans cesse par le tambour (caisse claire). Le seul élément de diversité y est apporté par le crescendo orchestral.

 

 

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Chantons Noël ensemble avec Britten

britten christmas song

 

Quand les enfants chantent noel en choral avec Britten

Britten considéré comme le plus grand compositeur anglais depuis Purcell est né le 22 novembre 1913 à Lowestoft, port de pêche de la mer du Nord. Son père interdit chez lui la radio et le tourne-disque pour inciter sa famille à pratiquer la musique. Sa mère, chanteuse amateur  lui apprend à jouer du piano. À 5 ans, il compose sa première pièce musicale. À 15 ans, il compose Quatre chansons françaises pour soprano et orchestre....


Britten compose cette série de chants en 1942 à partir de poèmes anciens et de textes originaux anglais et latins du XVè " The english galaxy of shorts poems ". Il est alors âgé de 28 ans, il y ajoutera par la suite plusieurs autres morceaux : procession (introduction), rétrocession (fin) et interlude pour harpe seule.

 

britten christmas

 

Cette composition comporte 11 mouvements chantés.
L'apparente simplicité des voix d'enfants contraste avec l'écriture raffinée du jeu fluide et léger de la harpe. Britten réalise une large gamme de timbre ou de couleur dans ce travail pour créer différentes humeurs et contrastes de son pour accentuer certains passages du texte.
Tempo variable, dynamique et expression pour créer des humeurs  différentes et contrastées.

 

The Nativity Lotto Lorenzo

Nativité 1527, huile sur bois, Lotto Lorenzo (1480-1556)

Ces chants sont interprétés par les jeunes choristes anglo-saxons durant la période des fêtes.

"This little babe" présente l'utilisation du canon mélodique ; vous entendez une mélodie ascendante dans cette pièce qui est ajoutée à chaque verset de sorte que les sons du conflit ou de la bataille sont suggérés. Dans cette pièce, Britten utilise un effet stretto, où les voix du canon entrent peu après dans la précédente, créant ici les sons d'une bataille menée entre Jésus nouveau-né et les forces du mal.

Britten utilise une certaine dissonance pour créer un effet  de " frisson " pour rappeler le froid glacial de l'hiver. .

 

This Little Babe

This little babe just three days old,             
Is come to rival Satan's hold
All hell doth at his presence quake,
though he himself for cold do shake;


Ce jeune bébé
Ce jeune bébé, de trois jours
Est venu pour contrer le royaume de Satan
L'enfer tremble en sa présence
Tandis que lui tremble de froid

 

 

Berceuse : Balulalow

O my dear heart, young Jesus weit,
Prepare thy creddil in my spreit
And I sall rock thee in my hert,
And never mair from thee depert.


O mon Cher cœur, tendre petit Jésus,
Fais ton berceau entre mes bras
Et je te bercerai contre mon cœur
Et ne me laisserai jamais séparer de toi.

 

 


Joyeux Noel, un peu en avance 

 

 

 

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Sardines se transforment en pétales de cerisier

sardine en petales cerisers

A l'extérieur de l’aquarium principal de Kyoto au japon, on expose en ce moment des images d’une grande beauté.

En utilisant la technologie graphique assistée par ordinateur, les sardines se transforment en pétales de cerisier, dans un nuage de couleurs saisissantes affiché sur des grands écrans transparents.

Le cerisier est un arbre aimé dans la culture japonaise, il annonce le printemps.  

Cette exposition à Kyoto se poursuit jusqu'au 30 Juin 2016.

 

 

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Laipply danse

Laipply danse

Evolution de la danse

Voilà une vidéo vue 295 978 909 fois sur youtube, mise en ligne en 2006. Le comédien Jud Laipply nous envoie dans un monde léger, simple, et heureux. Dans une séquence de 6 minutes, le comédien réussit à nous faire vivre les danses de certaines époques.


Pourquoi autant de spectateurs ? Chacun son avis. Cette vidéo cultive la nostalgie, réveille des souvenirs dans un enthousiasme contagieux. On apprécie une mise en scène simple et une certaine maîtrise.

 


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La musique céleste de Léo Delibes et le film marguerite

LeoDelibesduodesfelures

Léo Delibes et son duo des fleurs

Marguerite est un film sur la passion d'une grande bourgeoise pour le chant lyrique, de 2015 , réalisé par Xavier Giannoli. Elle ne se contente pas de donner des soirées ou après-midi musicales chez elle, elle veut à tout prix exercer l'art du chant, se produire devant un public.

Ce qui n'est pas une mince affaire quand on chante comme une casserole !!! Catherine frot excelle dans ce rôle de femme loufoque.


On assiste étonné à cette obstination, cette volonté inébranlable et on se demande tout cela va-t-il se terminer pour cette chère marguerite.

Dans ce film, on entend une jeune cantatrice interpréter le duo des fleurs de Lakmé ; ce morceau écrit par Léo Delibes (1836-1891) est en partie perdu à nos oreilles et pourtant c'est un vrai enchantement ; ce compositeur génial et pourtant oublié écrira des pièces pour ballet (Coppelia) qui feront l'admiration de Tchaïkovski et aussi pour l'opéra comique.

"Sa musique, son style susciteront l'admiration et la reconnaissance d'autres grands compositeurs français comme Gabriel Fauré, Claude Debussy ou Maurice Ravel qui s'en inspireront, musique limpide, pleine de légèreté, de grâce et de fraicheur. Il connut un immense succès à son époque."


Merci à ce film Marguerite de m'avoir fait écouter le duo des fleurs tiré de Lakmé de Léo Delibes.

 

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Chanter avec internet

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Apprendre par internet

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